RECENSIONI LIBERE

MENTRE MI PREPARO

2011-06-06T13:00:00.000+02:00

Mentre mi preparo al ritorno alle recensioni cinematografiche (vorrei almeno ricordare due film che meriterebbero di essere visti da ogni appassionato di film brutti con tante pretese: Dylan Dog con faccia-da-cavallo-dopato-Superman Brandon Routh e il demenziale Skyline) vi lascio qui un minuscolo link che spero nessuno veda, si tratta della mia pagina su Anobii, il sito scoperto qualche mese fa (buongiorno Deneil siamo nel 2011) che permette di creare una libreria virtuale specchio della propria libreria reale e di scrivere quindi recensioni librarie a piacimento (sono sicuro che tutto ciò poteva esser spiegato molto più facilmente, ma poi voi avevate poco da leggere e io poco da scrivere quindi blablabla).
Sicuro della vostra fiducia malriposta (appaio e scompaio dal blog manco fossi una cacca in mezzo ad un prato con l'erba alta) vi saluto e vi do appuntamento di là (dove le recensioni saranno un poco più serie, mi spiace, ma non troppo) e di qua dove spero di tornare presto con tanta tanta tanta...cattiveria!

PS: Se qualcuno conosce personalmente Enzo Miccio del canale digitale Real Time può farmi il piacere di ruttargli in faccia? Lo odio.
PPS (o PSS come scrivevo da bambino): un giorno abbandonerò le parentesi e voi che odiate tutte queste parentesi vi accorgerete che non potrete farne a meno!((()))
( CIAO )

THE WALKING DEAD

2011-01-10T01:26:00.001+01:00

Una versione estesa della recensione del nuovo fenomeno horror pubblicata su PERSINSALA

Sono tornati gli zombie, altro che vampiri, gli zombie sono il nuovo trend, vedrete che adesso gli scaffali delle librerie si riempiranno di zombie-book e via agli zombie-movie e agli zombie-telefilm e poi ci sono i diari con gli zombie, i telefoni a forma di zombie, le adolescenti che vogliono uno zombie per ragazzo, gli emo che si truccano da zombie, gli svedesi che fanno un film con lo zombie adolescente malinconico e il blu è il nuovo rosso: prendete e mangiatene tutti, questi sono gli zombie, offerti in sacrificio per voi.
Il fenomeno del futuro, casomai qualcuno rimasto chiuso in un castello transilvano negli ultimi 6 mesi non se ne fosse accorto, sono gli zombie.
Neanche il tempo di riciclare tutta quella cartaccia sporca d’inchiostro sui vampiri apparsa in libreria, nemmeno la possibilità di rivedere per la miliocentesima volta in replica in ordine casuale Vampire Diaries su Italia 1 ed ecco che questi qua tirano fuori gli zombie.
E tutti a sbavare come zombie inseguendo gli zombie, che Danny Boyle, Zack Snyder, Edgar Wright l’avevano già detto qualche anno fa, ma allora erano tutti dietro ad Achille, Baliano, Arturo e Alessandro, tutti figli di quel Massimo Decimo Meridio di cui il recente Robinho Hood (attaccante del Milan) ha decretato la definitiva morte.
Ma i morti viventi, per il nome che portano, non muoiono mai se non centrati alla testa e così rieccoli spuntare decennalmente con l’intento di conquistare il mondo, capitanati da un George A. Romero se possibile più stanco di Dario Argento, capace di inanellare una serie di orridi film che ormai nemmeno il nome del regista padre degli Zombie riesce a salvare dal fallimento.
Certo, Romero è Romero e non si può toccare, così il Darione nazionale e una serie di altri registi che preferisco non nominare per nome come Burton e Stone che, nonostante le critiche a oscenità come Alice In Wonderland e Wall Street: il denaro non dorme mai, si ritrovano circondati da strenui difensori del proprio (brutto) lavoro.
La critica va avanti per blocchi compatti ed il mare non democratico di internet, con il gruppone dopato a forza di maiuscole e punti esclamativi a far la voce grossa, contribuisce spingendo idee che si fanno sempre più imponenti, convinte e macilente con l’andar del tempo.
The Walking Dead come trasposizione di un fumetto sugli zombie? La prima puntata di The Walking Dead è bella. The Walking Dead è bello! The Walking Dead rilancia la moda degli zombie!!! Zombie!!! ZOMBIE ZOMBIE ZOMBIE!!!
E così ci si ritrova a parlare del fenomeno Walking Dead (che il The dopo un po’ stanca), capace di rovesciare l’attenzione di una vasta fetta di pubblico affamata di buon horror (dico horror, non storie di vampiri-umani-adolescenti-arrapati-innamorati) su di una serie tv prodotta e sceneggiata da Frank Darabont: uno dei pochissimi autori capaci di portare le storie di Stephen King sullo schermo senza creare pasticci allucinanti (tanto per dirne uno: Pet Semetary) che nel 2007 con The Mist ha girato uno degli horror americani più sottovalutati e più riusciti degli ultimi anni.
Il regista c’è, il fumetto di successo è già stampato, il formato chic da miniserie in 6 puntate è trovato e gli zombie, come da titolo, sono già in marcia: la critica è pronta a lanciare il nuovo fenomeno dell’anno.
Abboccano quasi tutti: Walking Dead è spettacolare, fantastico, mai visto, ben fatto, ottimo, curato, ventata d’aria fresca e una serie di sinonimi improponibili che forse nemmeno lo Zanichelli contempla.
Ma perché?
Come mai nessuno si rende conto che Walking Dead appare come un prodotto “banalotto” e mal sceneggiato, con personaggi a dir poco stereotipati che in 240 minuti riescono a malapena a far quello che in un classico film zombiesco accade in un’ora e mezza?
Le risposte, ovvie ed assai abusate anche se ancora poco diffuse (dato che pochissimi si permettono di criticarlo), sono principalmente cinque:
1. La serie tv è tratta da un fumetto (cult!) quindi i personaggi sono fantasticamente “fumettistici” e si muovono in un meraviglioso scenario da “storia banale” (sinonimo di fumetto nel thesaurus di Word...Un plauso ai suoi pensatori dell’Ottocento);
2. La sceneggiatura è scritta da Frank Darabont con l’aiuto del fumettista originale Robert Kirkman, apprezzato regista di film fantastici uno, e amato scrittore di fumetti horror (e non) l’altro;
3. Agli effetti speciali per il make-up c’è, tanto per citarne uno, Greg Nicotero, esperto del settore ed in particolare di zombie avendo lavorato agli ultimi 4 (brutti) film di Romero oltre ad un infinità di altre pellicole horror;
4. La miniserie racconta l’apocalisse zombie del mondo ed è la prima a farlo;
5. Ho letto il cartellone pubblicitario in città, anche se un pazzo signore biondo con gli occhiali da sole continuava a dirmi che c’era scritto OBEY e non The Walking Dead.
Ad ognuna di queste risposte segue, nella mente di ogni estimatore di Walking Dead il complesso del: “quindi è bello per forza”.
Così nessuno sembra rendersi conto che spostare la storia di un fumetto sullo schermo televisivo richiede un lavoro molto più complesso del semplice traslocamento di personaggi e storie dalla carta al tubo catodico (che tra l'altro non c’è più) con qualche aggiuntina succosa qui e lì: il fumetto è un mezzo di comunicazione, la tv un altro e il personaggio bidimensionale proprio del fumetto scomparirà nella profondità dello schermo televisivo, proprio come la velina Kate Moss in una puntata dei Griffin.
Spiccano così per piattezza il supereroe risolvo-tutto-io (simile per certi versi al protagonista di un’altra orrida serie tv finita male di nome Jericho), il buzzurro violento che obbedisce solo ai suoi istinti animaleschi (e il fratello ancor più cattivo, ai limiti della barzelletta), il vecchio saggio e il coreano scemo-simpatico: allegra combriccola a cui manca solo il nero Yo-fratello…(Non è vero, c’è pure lui).
Si salvano dalla nomination e arrivano quindi in finale, Shane Walsh, vicesceriffo amico del protagonista e Andrea, i cui nomi non vengono citati a caso essendo gli unici personaggi in grado di evolversi (proprio come un Pokemon) durante l’intera vicenda.
Per ritornare a parlare degli estimatori della serie tv, ancor più convinti dei “fumettari” sembrano i vari ammiratori di Darabont e Kirkman che ragionano esattamente come gli strenui difensori di Burton e Stone, i fan degli effetti speciali a cui verrebbe voglia di proporre un film senza storia colmo di esplosioni di corpi putrefatti e di chi vede nell’apocalisse di zombie qualcosa di originale nel 2010, il che sarebbe un po’ come trovare Natale in Sud Africa una piacevole novità.
In ogni caso l’alta marea internettiana trasporta tutti sulla stessa corrente e chi prova a nuotarci contro viene seppellito da commenti indignati che si trasformano talvolta in lapidari “Capra, capra, capra!” degni del miglior salotto televisivo che nessuno vede ma che tutti conoscono... (Magia di Amy!).
Ovviamente ogni zombofilo che si rispetti si rende conto dell'incipit palesemente scopiazzato da 28 giorni dopo ma qualcuno sussurra “non poteva essere altrimenti” e quindi al grido del “NON POTEVA ESSERE ALTRIMENTI” nessuno nota le assurdità legate alla sopravvivenza di un uomo in coma, abbandonato per almeno un mese su di un letto, attaccato a macchinari non funzionanti per la mancanza di elettricità, senza nemmeno un catetere necessario a non trasformare la stanza, mi si perdoni la raffinatezza, in un pozzo di urina.
E come fa lo stesso individuo appena uscito dal coma a raggiungere casa sua e a trasformarsi nel giro di due giorni (con l’aiuto del suo costume da supereroe con la stelletta) in un leader carismatico che non chiede nemmeno una volta cosa diavolo sia successo per trasformare il mondo in una landa desolata abitata da esseri ciondolanti e puzzolenti?
Ma soprattutto (e qui chi non ha ancora visto la quarta puntata è invitato a non leggere), perché mai dei bruti messicani decidono di tenere aperto un ospizio in mezzo alla città e hanno la finezza psicologica di un cattivo nella serie animata de L’uomo Tigre (i buoni che fingono di essere duri per salvarsi da un mondo duro, cose che nemmeno Ken Shiro avrebbe accettato)?
Ogni pellicola horror o di fantascienza che si rispetti ha le sue incongruenze, nessuno lo può negare, ma è anche vero che solitamente sono dovute al tempo limitato in cui si vuole raccontare una storia mentre Walking Dead, avendone in abbondanza, sceglie di scialacquarlo nel peggiore dei modi: con puntate inutili in cui non accade assolutamente nulla (la terza) ed altre che sembrano una via di mezzo tra un videogioco e un mashup di Zombie e L’alba dei morti dementi (la seconda, con la trovata stucchevole di Kirkman della camminata “impuzzati” da zombie, mancava solo che camminassero ciondolando come in Shaun of The Dead).
The Walking Dead, in definitiva, propone una storia vecchia, con personaggi tratti in gran parte da un film di Steven Seagal, che si snoda su 6 puntate abbastanza disomogenee per quantità d’azione e qualità visto che il succo è concentrato nel primo promettente Days Gone Bye e negli ultimi due (fin troppo aperti) episodi: si può concludere una stagione dimenticando ben 3 personaggi al loro destino e abbandonandone uno appena trovato e uno per niente approfondito in mezzo ad un’esplosione?
Tralasciando l’attenta regia da molti assegnata a Darabont, che si è occupato in realtà solo del primo episodio abbandonando i restanti al lavoro mediocre di registi di serie tv e videoclip, la realizzazione tecnica del serial è sicuramente buona, ma la cosa avrebbe potuto stupire una decina di anni fa, non dopo l’esplosione di perle come Lost, CSI, True Blood e chi più ne ha più ne metta, senza tener conto del livello medio-basso degli attori.
Un’ultima nota stonata riguarda il senso del telefilm in generale: può un serial tv di nome The Walking Dead, i cui protagonisti veri dovrebbero essere degli zombie, non spaventare e nemmeno impressionare?
Ci sono sbudellamenti di cavalli e di persone, zombie marci e putrefatti che si trascinano senza la parte inferiore del corpo, bambine zombie uccise con un colpo di pistola (niente a che vedere con una scena come quella di Distretto 13: le brigate della morte) e tanto sangue, ma Walking Dead non fa paura, si concentra sui rapporti tra i vivi, ma non si avvicina minimamente allo spessore di un capolavoro come La notte del morti viventi capace di spaventare e di far riflettere.
Saranno capaci i nostri eroi, in una già annunciata e strombazzata seconda stagione, almeno a spaventarci o la strada intrapresa sarà quella dello zombie ridicolmente intelligente di un’oscenità indescrivibile come ne Il giorno dei morti viventi del maestro Romero?
Al 2011 l’ardua sentenza, sicuro di provare puro terrore alla prossima scena di chiave persa al rallenty sul tetto di un palazzo e non molto speranzoso per quanto riguarda il morbo Romeriano che sta per infettare il mondo: già mi vedo la ragazzina post-emo a dichiarare amore per il suo Edward Cullen Zombie, senza ricordarsi quale parte del corpo perse per prima un Tarantino marcescente in Planet Terror.

VOTO: 5-

VERSIONE ESTESA DELLA RECENSIONE PUBBLICATA SU PERSINSALA

EAT, PRAY, LOVE- MANGIA PREGA AMA

2010-11-03T12:24:00.000+01:00

Con questa recensione ho iniziato (ormai un mese e mezzo fa) la collaborazione con il sito persinsala per cui scrivo recensioni cinematografiche e seguo qualche festival.
Qui potete trovare la medesima recensione sul sito e cliccando sul mio nome in alto a destra (daniele bellavia, casomai qualcuno cercasse di cliccare su 21 settembre 2010...) tutto ciò che scriverò per il sito!
Ogni tanto pubblicherò anche qui le recensioni, ma per averle..diciamo in anteprima..sarà meglio seguire persinsala.
Sperando che qualcuno mi segua in questa nuova avventura eccola qui la recensione del nuovo film con la donna dai 76 denti: Juuuuulia Roberts!
A voi!

PUBBLICATO SU PERSINSALA

Ci sono film in cui tutto è perfetto: il soggetto è qualcosa di eccezionalmente valido ed originale, la sceneggiatura è scritta in modo invidiabile, il regista e la sua troupe non sbagliano un inquadratura e gli attori sembrano nati per recitare quella parte.

Mangia, prega, ama NON fa parte di questa categoria tanto quanto Hot Movie non fa ridere, It non fa paura e Australia non emoziona.

Il nuovo film con la superdiva Roberts è la più classica delle opere buttate al vento, come solo gli americani sanno fare.

Prendono un soggetto, qualsiasi esso sia, e dopo averlo girato e rigirato in padella, impanato e pastellato lo servono sul piatto crudo, ma con un sacco di condimenti.

Ci mettono lo sceneggiatore-regista promessa che ha fatto il botto con le serie tv (Nip/Tuck e Glee), gli attoroni Hollywoodiani con cachet stellari e Oscar in tasca e le location più affascinanti al mondo.

Il film, quello vero, quello fatto di attori che recitano una sceneggiatura ben scritta, ripresi da un regista che non usa la telecamera per girare uno spot tv è poi lasciato lì, in attesa che il vento se lo porti via.

Ad un’introduzione che sembra promettere bene, nonostante l’ex Pretty Woman sfoggi una bocca se possibile ancor più grande del solito (siamo ormai al 60% del viso occupato dalle sue labbra e dai 56 denti), seguono tre parti assolutamente non convincenti.

Liz (Julia Roberts appunto), alla ricerca di un suo equilibrio interiore, divorzia dal marito e, dopo una breve storia con un giovanotto meditativo (moralina sui baby fidanzati tanto di moda oggi), parte alla ricerca di se stessa in un giro per il mondo di un anno, prima tappa: Italia.

Spaghetti, case fatiscenti, romanacci che sparlano, frasi latine da scrivere sul diario delle medie, traffico, bar intasati di folle impazzite che urlano per un caffè, napoletani, pizze margherite, panni appesi tra le vie, gente che gesticola manco fosse sordomuta, famiglie della Mulino bianco riunite a mangiare la pasta, suore che si gustano un gelato in piazza davanti ad una fontana, monumenti grandiosi e dulcis in fundo una bella partita di calcio al bar con persone che si abbracciano e baciano al goal della squadra di casa.

Siamo al culmine dello stereotipo e Ryan Murphy (regista e sceneggiatore) me lo vedo a disperarsi per non essere riuscito ad infilarci un mafiosetto con lo stuzzicadenti in bocca.

In compenso le scenette sul cibo sono tante e sempre più esasperate con primi piani abbacinanti di formaggio grattato che cade come neve sugli spaghetti (??) e olio che scivola leggiadro sugli asparagi (???) fino ad arrivare alla tavola illuminata dai raggi del sole obliqui, come se dovesse scendervi Cristo da un momento all’altro.

Altro che Barilla.

Giusto il tempo di vedere la Roberts che ingrassa (ovvero non gli entrano i pantaloni anche se nessuno la può vedere ingrassata con il teschio che si ritrova al posto del viso) e siamo in India.

Il mio collega recensore indiano, a questo punto, metterà giù la lista degli stereotipi sul suo paese, che io non sto neanche a fare, mentre l’americano si vedrà dipinto come il solito texano sgrezzo (e in cerca di redenzione) che da consigli fondamentali ad una persona in difficoltà.

La seconda parte, quella del “prega”, del perdono di se stessi, è la peggio riuscita: tra tagli senza motivo e personaggi-macchiette che parlano come fumetti (sempre l’americano che continua a chiamare Liz “mandibola” come se facesse ridere per 20 minuti) ci si ritrova ormai senza speranza pronti all’ultima parte.

L’ “ama”, ambientato a Bali, riesce fortunatamente a risollevare un poco il giudizio generale.

È vero che lo sciamano sembra il maestro del primo Karate Kid ma Javier Bardem, nel ruolo di un brasiliano che parla genovese, non se la cava male e la sceneggiatura sembra concedergli qualcosa in più rispetto a tutti gli altri personaggi appena abbozzati che popolano questo film buttato al vento.

Ovviamente, senza star a rivelare un finale che diventa scontato fin dalla seconda parte, l’equilibrio interiore di Liz verrà trovato nell’ammore, nonostante i primi 20 minuti vogliano convincerci che la protagonista cerchi qualcosa di molto più profondo di una simpatica storia con un compagno più simile a lei.

Lasciando perdere un doppiaggio italiano imbarazzante (la ragazza indiana parla come una sdentata, lo sciamano come un cinese nei film degli anni ’80 e di Bardem ho già detto), ringrazio il cielo che i titolisti non si siano sbizzarriti un’altra volta con qualche titolo delirante del tipo: “Un piatto di spaghetti, l’India e l’ammmore”, non mi sarei stupito comunque, ci tengo a dirlo.

Insomma, non si fosse capito, Mangia, prega, ama non è un bel film.

In mezzo a tanti difetti di sceneggiatura, regia (a tratti davvero fastidiosa e senza nessuna sensibilità) e attori sbagliati (la Roberts con quel sorrisone non centra nulla con il personaggio oltre a sembrare fintamente naturale per tutta la pellicola e Bardem, per quanto bravo, sembra un’imitazione di se stesso nelle ultime pellicole) ci sono anche buone cose come la colonna sonora con brani di Eddie Vedder e Neil Young e certi discorsi che Liz esprime con voce fuori campo ma, senza nemmeno aver letto il libro, si ha l’impressione che questi siano semplici brani estrapolati dallo scritto.

Rimane poco se non pochissimo: una buona idea scarabocchiata su un foglio di carta, pasticciata fino a renderla abbastanza lunga da sembrare un film e poi buttata in mano a persone che, non sapendo che farsene, l’hanno fatta diventare la solita commedia sentimentale americana.

Brutta.

REGIA: Ryan Murphy

GENERE: commedia romantica

ANNO: 2010

VOTO: 5-

PUBBLICATO SU PERSINSALA

LAW ABIDING CITIZEN- GIUSTIZIA PRIVATA

2010-08-29T01:15:00.000+02:00

Ci sono film peggiori dei film semplicemente brutti.
Solitamente metto in questa prestigiosa categoria quelle cose immonde chiamate film inutili: pago il biglietto, entro in sala, lo vedo, dico "carino...", mi siedo a prendere una Coca Cola, ricordo cosa diceva la Pimpa nel libretto che leggevo a 5 anni ma non cosa succedeva 10 minuti prima sullo schermo.
Alzheimer? Potrebbe anche essere.
Eppure esiste qualcosa che sta ancora più in basso dell'inutile.
Sono i film con il finale buttato nel cesso.
Ho un idea buona per un lungometraggio,cerco un produttore senza trovarlo (e qualche dubbio dovrebbe venirmi data la quantità di porcate prodotte in America), cerco un regista e un cast ma mentre finisco di scrivere la sceneggiatura vengo colto da diarrea fulminante, per cui scrivo il finale da 10 pagine in tre righe fitte fitte su un pezzo di carta igienica.
Praticamente: ci sono Jamie Foxx con la sua attaccatura disegnata col righello e le squadrette e Gerard Butler che fa, al solito, lo Stallone de noartri con gli occhioni lucidi o duri a seconda della necessità e un po' di bocca storta- sogghigno- sorriso che non fa mai male.
A Gerardo Buttero uccidono la moglie e la bimba e lui non la prende tanto bene perchè la giustizia fa schifo e la Volpe che fa l'avvocato permette il patteggiamento a uno dei due assassini.
Tale Kurt Wimmer (sceneggiatore e regista di capolavori quali Equilibrium e Ultraviolet) sembra un genio della scopiazzatura senza citazione di fonti, così mette giù l'ennesima storia di vendetta personale vista e stravista che neanche le pubblicità della Findus.
Ma Kurt per un'ora e mezza sa farsi voler bene, non risparmia nessuno e anzi sembra provare un certo sadismo e far morire gente che effettivamente non centra un cazzo nella faccenda e magari sa anche recitare a differenza di moglie e figlia di Foxx, reduci da "L'albero azzurro, posto felice, l'albero azzurro posto di amici".
Poi il dramma.
Lo sceneggiatore- produttore (che se ci fosse stato un vero produttore qualche calcio nel culo glielo avrebbe dato almeno) viene attaccato dal misterioso virus intestinale.
"Succederà qualcosa di biblico", è l'ultima frase nella sceneggiatura scritta da un uomo ancora sano di mente.
E tu ti aspetti qualcosa di veramente mai visto, qualcosa di eccezionale.
Certo, alcuni segnali c'erano già: il sindaco si comporta come un demente mettendo il coprifuoco all'intera città perchè sono morti sei avvocati e la famiglia di Ray Charles pare quella del mulino Bianco ma per il resto tutto scorre quasi alla perfezione.
Ultimi 10 minuti: per gli ultimi 600 secondi il buon Kurt mette su carta qualcosa che osceno è dir poco.
Vorrei poter scrivere cosa succede ma per quel poco buon gusto che mi è rimasto non lo farò.
Confido che chi, come me, ha visto tutto ciò per davvero su uno schermo del cinema lo dimentichi al più presto e lo sostituisca con il finale che tutti, e dico veramente tutti, avrebbero voluto.
Quindi voi, che ancora non avete visto tale scempio fate una cosa.
Andate a vedere "giustizia privata" e all'ora e 35 uscite dalla sala e immaginatevi il vostro finale perfetto: state tranquilli non sarà sicuramente quello scarabocchiato sulla carta igienica da Kurt Wimmer.
Lui e il suo violoncello.
Io un idea per dove metterglielo in una scena dopo i titoli di coda ce l'ho.
Che anch'io voglio la mia giustizia privata.

REGIA: F. Gary Gray
GENERE: triller
ANNO: 2010
VOTO: 4

LE MIE PIù PROFONDE SCUSE (OVVERO COME IL MIO PC MORì...)

2010-08-09T11:16:00.000+02:00

C'era un tempo in cui scrivevo su questo blog almeno due-tre volte la settimana, era il tempo in cui sulla Terra uomini e I-phone convivevano ancora pacificamente, i primi semplicemente tenevano sotto il loro giogo i pochi secondi mentre la maggioranza delle persone ancora preferiva avere sotto mano un Nokia senza nessuna pretesa di toucchabilità.
Oggi gli I-phone si stanno ribellando, pretendono improbabili code di esaltati da servizio di Studio Aperto davanti agli Apple Store e vogliono essere presi solo in determinati modi, pena il rifiuto di funzionare.
Il mio pc è un adepto degli I-phone ma con qualche annetto in più, un po' come quegli anziani barbuti presenti a Woodstock che si facevano le canne e ballavano nudi dentro una pozzanghera con i ventenni.
Ecco, immaginatelo così, un povero pc ormai rincoglionito e strafatto che da più di un mese si rifiuta di accendersi nonostante accorati appelli da più parti del globo terracqueo.
Per questo non riesco a scrivere nonostante i milioni di film visti, libri letti, cd ascoltati.
Il pc di mio padre, da cui scrivo ora, sembra ancora all'insaputa della ribellione del suo simile ma non ci vorrà molto.
Io cercherò di recuperare tutte le mie recensioni e scrivervi ancora ma non so per quanto riuscirò a fuggire, la macchinetta del caffè sembra già guardarmi in cagnesco.
La fine è vicina.
Fate attenzione.

UN LIBRO UN FILM & ORIGINAL AND REMAKE

2010-05-15T15:47:00.000+02:00

Questa è la classica recensione- follia mastodontica che nessuno leggerà mai me ne rendo conto e lo capisco, il motivo che mi spinge a scrivere e pubblicare certe cose ancora non mi è chiaro, per un mio ordine mentale forse, o forse no, sono semplicemente matto.

WHO GOES THERE- LA COSA DA UN ALTRO MONDO
THE THING FROM ANOTHER WORLD- LA COSA DA UN ALTRO MONDO
THE THING- LA COSA

Ci sono due leggi che dominano il cinema da sempre:
- La trasposizione su pellicola di un libro letto, al 99% è una delusione;
- Il remake di un film visto, al 99% è una delusione.
Non si scappa.
Non è importante l’anno, il genere, il regista o l’autore del libro, la delusione vi attende, sempre pronta a colpirvi girato l’angolo, appena vi scorderete di una delle due regole.
Io non le dimentico mai, anzi, mi piace prenderle di petto: le mie sole risorse nell’affrontarle sono la pazienza e la voglia di farmi stupire mentre loro continuano a colpire basso, con trucchetti di bassa lega (attori di grande richiamo per il pubblico più giovane) e artiglieria pesante (effetti speciali strabordanti).
Il 99% delle volte vengo sconfitto brutalmente da trasposizioni orride e remake senza motivo di esistere, al punto da chiedermi in ogni occasione perché..ma soprattutto peeerchè?
Effettivamente non ho ancora trovato una risposta, se non quell’1% di probabilità di successo, capace di darmi immense soddisfazioni.
In questi giorni ho riportato due grandi vittorie e una sconfitta cocente.
Non voglio aggiungere nulla riguardo quest’ultima, vi basti quel che ho scritto alcuni post fa riguardo “La notte dei morti viventi” di Tom savini.
Mi soffermo piuttosto sulle due vittorie, ancor più clamorose se penso che vengono entrambe da un'unica pellicola, remake di una vecchia trasposizione.

Ciò da cui tutto ha avuto inizio è il romanzo breve (o racconto lungo, un giorno qualcuno mi spiegherà la differenza) di John W. Campbell Junior, “Who goes there”, trovato (mi riferisco ovviamente alla mia esperienza) in un libro pubblicato nel 1977 dalla Fanucci dal titolo omonimo, che raccoglie alcuni dei suoi racconti migliori (qui sopra la copertina).
Considerato uno dei padri della fantascienza moderna per aver diretto per anni una delle riviste americane di fantascienza più famose e aver scoperto gente del calibro di Asimov o Heinlein, Campbell è oggi poco considerato in Italia per i suoi scritti.
Vi basti una breve ricerca su internet alla ricerca di qualche ristampa recente delle sue opere: vi troverete di fronte al nulla.
Sicuramente scorgerete qualcosa che riguarda la sua “Cosa da un altro mondo”, ma per il resto dovrete rivolgervi ai buoni vecchi Urania usati, abbondanti su bancarelle o Libracci vari.
é un peccato.
Mentre fioriscono ristampe su ristampe di autori come Asimov (nulla da dire sull’opera, ma i libri della Fondazione si trovano in trilogia, quadrilogia o separati in tre edizioni diverse) o Heinlein (l’unico libro letto, Starship Troopers, non è niente di eccezionale), Campbell viene abbandonato alle edizioni degli anni ’60 e ’70, considerato antiquato per il pubblico di oggi.
Ingiustamente.
Sto andando fuori tema, lo so, (il giovane Holden ne sarebbe entusiasta) ora cercherò di rientrare sui binari prestabiliti, ma se vi piace la fantascienza e non avete letto ancora nulla di questo autore procuratevi almeno racconti come “Crepuscolo”, “Notte”, o “Il pianeta del silenzio”, pensate agli anni in cui furono scritti, e domandatevi quanti geniali idee contenevano questi brevi e densi racconti.

Dunque “Who goes There” o, come è meglio conosciuto, “La cosa da un altro mondo”.
Mi sembra onesto mettere subito in chiaro che non si tratta del migliore racconto presente nella raccolta anche se, senza dubbio, è quello con una più forte componente horror, e quindi quello più appetibile per il pubblico adolescenziale dei drive-in degli anni ’50, lo stesso che seguirà, pochi anni più tardi, le storie incredibili raccontate, tra gli altri, da Jack Arnold.
Il cinema sci-fi ha bisogno (un tempo per forza di cose e oggi ormai solo per abitudine) di tensione e di una storia piena di azione. “La cosa” di Campbell si prestava bene al gioco della trasposizione, certamente più di un racconto come “Crepuscolo” che oggi, con i mezzi tecnici a disposizione, potrebbe essere messo su schermo ma che non interesserà mai, probabilmente, a nessuno per la mancanza dell’ormai onnipresente azione (a meno di adottare la soluzione “I robot”, come fatto per Asimov).
Senza stare a perdersi in una trama più che conosciuta, passo al film di Niby, o, più precisamente, di Hawks come risultava già assodato pochi anni dopo la sua uscita: la mano esperta e il fatto che Niby, dopo un film notevole come questo, sia sparito praticamente nel nulla, la dice lunga sull’intervento pesante del regista di “Un dollaro d’onore”, qui ufficialmente solo produttore.
Il film “La cosa da un altro mondo”, uscito nel 1951, è un film importante.
È uno dei primi sci-fi degli anni ‘50, come vengono definiti oggi, e quindi costruisce topoi che verranno riutilizzati in seguito milioni di volte, ma è allo stesso tempo in grado di distruggerli non essendone imprigionato.
Un esempio ne è il confronto uomini di scienza- militari, sempre presente in questo genere di film: lo scienziato (biologo, etologo, geologo e quanti ologhi vi vengono in mente) è sempre chi rimane affascinato dall’evento che accade (alieno invasore, torri che si alzano dal nulla, formiche giganti) e vuole capirlo, mentre il militare è chi, per il bene della popolazione, risolve il problema distruggendo l’ imprevisto.
In “La cosa da un altro mondo” non accade diversamente, se non che lo scienziato (solitamente nel giusto, dato che la minaccia diventa tale solo dopo l’attacco dei soldati) è qui tanto dedito alla scienza da passare noncurante sopra le vite degli uomini, mentre i militari si vedono costretti a ricorrere alle armi per fermare il pericolo imminente.
Il film di Hawks, come molti nel suo genere, viene accusato oggi di essere un’ allegoria del pericolo d’oltrecortina in cui la Cosa rappresenta il nemico Rosso infiltrato ma, a dir la verità, il paragone sembra forzato rispetto a film come “Assalto alla terra”.
Il mostro del film, a differenza di quello del libro di cui parlerò a breve, è, secondo gli stessi protagonisti, un carotone intelligente ad un livello che l’uomo non può comprendere.
La Cosa ha sembianze umane, è vero, ma è tanto disumano quanto quel Michael Myers a cui John Carpenter pensò parecchi anni più tardi nel suo “Halloween” ispirandosi (almeno per quanto riguarda l’immagine esterna) a questo indistruttibile gigante senza volto.

Carpenter con il suo “The thing”, nel 1982, da vita al remake di una vita.
Il regista devoto di Hawks (“Distretto 13: le brigate della morte” si rifa a "Un dollaro d’onore") e del suo “The thing from outer space” (numerose le citazioni in Halloween ma non solo) nel suo periodo di maggior successo commerciale, con un budget di tutto rispetto, ha il via libera per un remake di cui si parlava ormai fin dalla metà degli anni ’60 (già nel ’62 si vociferava di un remake ad opera di George Pal che poi non si fece per mancanza di fondi).
“La cosa” di Carpenter non è la stanca riproposizione del film di Hawks con una spruzzata di effetti speciali e una bella fotografia patinata, perché il regista di “Halloween” e “1997 fuga da New York” decide di usare le nuove tecnologie per ridare finalmente a chi di proprietà quell’opera: John W. Campbell.
Qualche anno più tardi gli U2 in " Rattle and Hum" compiranno un’ operazione simile, riportando, con un interpretazione fantastica di Bono, Helter Skelter nelle mani dei Beatles dopo decenni in cui era divenuta semplicemente LA canzone di Charles Manson e della sua…
Ma sto vagando per campi fin troppo aperti.
Cominciamo a riannodare i fili di tutto il discorso.
“The thing” è infedele al film di Niby e Hawks tanto quanto quest’ultimo lo era nei confronti del racconto da cui tutto è nato.
Quello che Campbell descriveva come un mostro in grado di prendere sembianze umane e canine a suo piacimento, venne trasformato da Hawks nel gigante invincibile di cui si è parlato prima, così come i protagonisti del libro vennero sostituiti da personaggi più consoni al genere di film che si voleva creare: spuntò una fanciulla dal nulla, il bel capitano a proteggerla e uno scienziato talmente folle da voler letteralmente coltivare la creatura scesa dal cielo.
Carpenter, grazie a effetti speciali davvero ben riusciti, ricreò, invece, la creatura multiforme e i protagonisti originali, riportando alla luce le vicende raccontate nel libro.
“The thing” però, nella sua infedeltà al film di Hawks, non vuole essere critico: Carpenter, anzi, omaggia continuamente la pellicola del ’51 e, a ben vedere, sembra quasi crearne un seguito; il cane che raggiunge la base americana è sfuggito ad una base in cui “La cosa” ha già mietuto le sue vittime e quando i protagonisti riguardano i filmati delle telecamere di sorveglianza per farsi un’idea di quel che è accaduto si rivede sullo schermo la famosa scena del ritrovamento del disco volante nel primo film in cui gli scienziati si mettono in cerchio per delimitare il perimetro dell’oggetto caduto dal cielo.
Il cane, a voler guardare bene, potrebbe essere uno di quelli infettati nel primo film di cui nessuno si era più accorto e il blocco ghiacciato, ritrovato nella base attaccata, ha esattamente la forma che aveva quello nel primo film.
Insomma Carpenter riesce a omaggiare Hawks pur essendogli infedele e a rendere moderno un racconto del 1938 pur essendogli fedele.
In tutto questo rimandare e rifarsi ad altri, il regista riesce comunque a fare de “La cosa” un film marchiato a fuoco con il suo nome: Kurt Russel, al massimo della sua forma, è splendente nell’interpretazione dell’eroe solitario carpenteriano e le citazioni che Carpenter sparge per tutto il film (una su tutte quella, ancora dopo Dark Star, da “2001: odissea nello spazio” in cui i due protagonisti si rifugiano sullo spazzaneve come gli astronauti facevano sul modulo di salvataggio) sono, come al solito, Carpenter 100%.
Una regia attenta al minimo dettaglio (da manuale l’incipit con il cane che fugge nella landa desolata ripresa dall’alto) e un finale tanto epocale quanto lo era stato quello del film di Hawks (“Tutti voi che ascoltate la mia voce, dite al mondo, ditelo a tutti dovunque si trovino: attenzione al cielo, dovunque, scrutate il cielo!”) rendono “La cosa” il remake-trasposizione perfetto.
Quello che, una volta su cento, mi fa gridare alla vittoria.
L’insuccesso economico a cui andò incontro la pellicola, dovuto forse a una differenza troppo abissale con il film di Hawks, preso come modello a discapito del racconto di Campbell, la dice lunga sull’ incomprensione della grandezza di un regista come Carpenter che, dopo questo film, si vide nuovamente costretto a lavorare con budget ridicoli per creare, comunque, ancora grandi cult.
Verrà il giorno, ne sono cosciente oggi più che mai, in cui qualcuno penserà ad un bel remake del film di Carpenter, un ottimo remake di un remake (“La cosa”), di una trasposizione (il film di Hawks), con qualche bell’attorucolo tirato fuori da qualche serie tv (vedi remake di “The Fog”) e qualche regista incapace accompagnato da uno sceneggiatore della stessa risma (vedi remake di “Distretto 13”).
Sarà il giorno in cui, ancora una volta, perderò la mia battaglia personale.
Non la guerra.
Quella è ancora molto lunga.
“E allora Mac?”
“Allora niente”.

GENERE: Fantascienza
VOTO RACCONTO DI CAMPBELL "WHO GOES THERE" DEL 1938: 6,5
VOTO FILM "THE THING FROM ANOTHER WORLD" DI NIBY DEL 1951: 7
VOTO FILM "THE THING" DI CARPENTER DEL 1982: 9

UN ANNO DI VISIONI: 2008- SETTIMA PARTE

2010-04-28T01:47:00.001+02:00

31. Fist of the north star- legend of the true savior chapter of death for love_ Ken il guerriero- la leggenda di Hokuto

É Ken e per me non c’è oggettività con lui.
Eppure c’è qualcosa che non convince nell’insieme.
Forse aver compresso troppo (personaggi, storia, vicende così diverse) in così poco spazio fa perdere qual pathos che la serie anime originale indubbiamente aveva.
La morte di Shu (e tutte le vicende che vi sono legate) che rivista ancora oggi nella serie tv fa venire le lacrime agli occhi, qui appare fredda, quasi distaccata.
Ken al cinema però è un’ emozione.
REGIA: Takahiro Onimura
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: la Divina scuola di Hokuto contro la Sacra scuola di Nanto
CONSIGLIATO: si, se siete cresciuti con lui.
VOTO: 7

32.Get Smart_ Agente Smart- casino totale

Non mi ricordo niente.
Ma niente niente niente.
Forse ad un certo punto Steve Carrell veniva trascinato da un aereo su un carrello e faceva pure ridere, ma non ne sono sicuro.
Il fatto che mi ricordi “Un amore di testimone” più di questo non è un buon segno.
Per niente.
REGIA: Peter Segal
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: inutile?
CONSIGLIATO: si, se volete raccontarmi cosa succedeva.
VOTO:5 perché non mi ricordo nulla.

33.Funny Games

Violenza senza alcuna giustificazione in un film che angoscia e stuzzica lo spettatore fino a far diventar violento lui stesso nel momento in cui un telecomando porta indietro tutto.
L’originale non ho ancora avuto l’occasione di vederlo.
Ma quella faccia da schiaffi di Michael Pitt che praticamente non mi è mai piaciuto è perfetto nella parte.
REGIA: Michael Haneke
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: viuuuulenza!
CONSIGLIATO: si, ma senza bimbi potenzialmente psicopatici al seguito.
VOTO: 7

34. Hellboy 2: The Golden Army

Il miglior film puramente fantasy dell’anno.
E senza dubbio superiore a quel Batman che è si fantastico ma non fantasy e con cui comunque non ha nulla da spartire.
Guillermo Del Toro è un genio e questa ne è solo la conferma dopo la visione di quei tre semi e capolavori che sono “Cronos”(7-), “La spina del diavolo” (7,5), “Il labirinto del Fauno” (9) e quel filmetto che è “Mimic” (6, ma solo per l’apocalittica visione iniziale di bambini che muoiono per una strana epidemia).
Ed Hellboy è sicuramente il mio cinefumetto preferito.
REGIA: Guillermo Del Toro
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: Fantasy
CONSIGLIATO: Assolutamente si, anche solo per vedere cosa è capace di immaginare Del Toro.
VOTO: 8

35. Il cavaliere oscuro

A distanza di mesi rimane purtroppo secondo me un film semplicemente sopravvalutato.
È sicuramente migliore di tutta quel ciarpame venuto dopo Tim Burton (compreso Batman Begins) e senza dubbio porta il cinefumetto ad un livello di realtà superiore a quel che si è mai visto sullo schermo.
Heath Ledger e il tanto sospirato Oscar postumo è stato quasi meritatamente meritato.
Detto questo la Batmoto è ridicola (come tutto l’inseguimento mal realizzato) e sembra sempre di vedere un film che vuole prendersi sul serio ma piacere anche ai ragazzini riuscendo forse di più in questo secondo obbiettivo.
Felice per loro.
A me non ha convinto del tutto.
REGIA: Christopher Nolan
VISIONE: cinema (2 volte)
UNA PAROLA: Oscuro.
CONSIGLIATO: si, non c’è confronto con gli ultimi 3.
VOTO: 7

UN ANNO DI VISIONI: 2008- SESTA PARTE

2010-04-02T15:18:00.002+02:00

26. Indiana Jones e il regno del teschio di cristallo

Ne potete leggere di tutti i colori.
Provate a scrivere il titolo dell’ultimo Indiana su google e troverete un miliardo di recensioni circa che vanno dal “pura merda” a “Il ritorno in grande stile del vecchio Indy”.
Nessuno urla giustamente al capolavoro.
Ma rimane uno dei migliori titoli fantastici (di fantasia sia chiaro, sono dislessico ultimamente, ma non ai livelli di Nikki di Tropical Pizza…) dell’anno.
REGIA: Steven spielberg
VISIONE: cinema e dvd
UNA PAROLA: Indiana Jones!
CONSIGLIATO: assolutamente si!
VOTO: 8

27. Sex and the city

É Sex and The City.
Inutile incazzarsi se sembra di stare a vedere una sfilata di moda lunga due ore, tanti sono i cambi d’abito.
E dopo tanti anni è anche inutile chiedersi perché Sarah Jessica Parker è sempre vista come la scapolotta più figa di New York quando sappiamo tutti che una del genere, nella realtà, non se la filerebbe nessuno.
Poi c’è Mr Big, le amiche more (svampite), rosse (nevrotiche) e bionde (troioni da sbarco è troppo?) e le gag più o meno riuscite (compresa cacarella che fa tanto “Vacanze di natale”).
Rimane comunque un buon Sex and The City.
REGIA: Michael Patrick King
VISIONE: dvd
UNA PAROLA: modaiolo.
CONSIGLIATO: Si alle ragazze, ni ai ragazzi.
VOTO:7-

28. E venne il giorno

Adoro gli apocalittici.
E Shyamalan, di cui ho visto praticamente tutto, l’ho sempre ammirato.
Quindi capolavoro?
No.
“E venne il giorno” è quanto di più odioso e inguardabile un uomo possa trarre da una buona idea.
Wahlberg è inguardabile come nei tre quarti dei suoi film, Zooey Deschanel passa il tempo a strabuzzare gli occhi (molto meglio in “Yes man”) e Shyamalan scrive una sceneggiatura che andrebbe bene per pulirsi il culo se non fosse stampata su fogli di carta sicuramente troppo ruvidi.
E mi fermo qui perché sono un uomo fine.
REGIA: M. N.Shyamalan
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: irritante
CONSIGLIATO: si, se volete vedere come si rovina una buona idea.
VOTO: 3

29. Made of honor- Un amore di testimone

Commediola romantica (l’ennesima, ma quante ne producono all’anno?) con protagonista il dottore di quel dramma-commedia romantico-ospedaliera che è Grey’s Anatomy.
Senza arte ne parte.
Ne carne ne pesce.
Trovate voi qualche altro sinonimo.
Le Ebridi si risollevano un po’ dall’annacquamento generale in quanto isole (potete uccidermi se faccio un’altra battuta del genere).
REGIA: Paul Weiland
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: il solito.
CONSIGLIATO: per il disimpegno.
VOTO: 5,5

30. Wanted- Scegli il tuo destino

Forse il miglior film tamarro con una storia della stagione (per la tamarraggine più pura shootem' up non ha rivali) con una trama ben costruita e un regista con le palle.
A qualcuno forse faranno venire il mal di stomaco le zoomate, le accelerazioni e i ralenty improvvisi di Bekmambetov e alcune scene sono di una tamarraggine che forse solo Vin Diesel.
Eppure convince e colpisce.
Come una tastiera di un pc in piena faccia.
E Angelina Jolie è perfetta nella parte.
REGIA: T. Bekmambetov
VISIONE: cinema e dvd
UNA PAROLA: tamarro ma con una storia.
CONSIGLIATO: si
VOTO: 8

THE NIGHT OF THE LIVING DEAD- LA NOTTE DEI MORTI VIVENTI (1990)

2010-03-26T11:22:00.002+01:00

Dev’essere una particolarità tutta degli anni ’90 quella di generare remake incredibilmente inutili di capolavori degli anni 60.
Non tanto brutti, inguardabili, osceni e senza rispetto per l’originale.
Solo e semplicemente inutili.
Cominciamo da lontano: qualche anno fa un gruppo parecchio famoso, il cui leader se ne andava in giro bullandosi del suo cappellino rosso girato al contrario e dei suoi pantaloni a tre quarti, pensò bene di realizzare una cover di un vecchio pezzo degli Who.
Era alla fine dei suoi anni d’oro, siamo d’accordo.
Il tipo col cappellino rosso, superati ormai i 30 anni, pensò a lungo ad un metodo per liberarsi di quell’immagine da teenager numetallaro troppo cresciuto e comprese che l’unica alternativa alla trasformazione in vecchio emogay (linkin pork docet) era la composizione di un ballatone strappamutande da fattone grunge.
Ma tra il dire e il fare c'è di mezzo il mare, in questo caso quello dell'ispirazione: tale Fred non teneva conto che la sua (se mai ne avesse avuta una) era andata a farsi fottere a forza di motherfu%&er e sh%&t e c%&k e blablablafu%&er vari.
Pensò bene a quella cover quindi, Behind Blue Eyes degli Who.

Fosse stata una canzone sua, nessuno avrebbe avuto nulla da dire sulla riuscita del pezzo, ma di rifacimento si trattò e quindi di confronto si dovette parlare per forza di cose.
Cos’era e cos’è la Behind Blue Eyes dei Limp Bizkit rispetto all’originale degli Who, se non una versione acustica e tranciata di netto sul finale strumentale elettrico, rispetto all’originale?

Niente di più e, anzi, molto di meno.
È una versione scialba e senza mordente di una song (quanto fa gggiovane dirlo) che puntava a essere sicuramente molto più di una semplice ballata, proprio grazie a quel finale volutamente fuori posto.
È, in sostanza, una cover inutile.
Ora prendete tutta quest’immensa introduzione e mettete come termini di paragone l’originale Notte dei morti viventi di Romero e il remake di Tom Savini oppure, se il gioco vi diverte, l’originale Psycho e quello di Gus Van Sant.
Non voglio stare a ripetere nuovamente ciò che dissi per Psycho nella sua recensione e quel che ho appena scritto qui sopra per Behind Blue Eyes.
Semplicemente il film di Tom Savini è una pellicola totalmente inutile.
Si può discutere a lungo sulla pessima qualità degli attori rispetto all’originale, ma quel che più salta agli occhi è semplicemente la futilità di questo remake.
Savini non è Romero così come Van Sant non è Hitchcock, dovrebbe bastare questo.
Ma il mondo vuole delle spiegazioni per tali ignobili operazioni e si finisce così con lo spacciare come omaggi delle scopiazzature riuscite male, riproduzioni sbiadite di capolavori che sono tali per un amalgama di elementi difficile, se non impossibile, da ricreare.
Ha voglia il nuovo regista di indurire il carattere della protagonista, di cambiare di una virgola il finale e di anticipare quella presa di coscienza degli zombie che in Romero avverrà (rispetto all’originale “Notte dei morti viventi” ed era già avvenuta nel 1990) solo con “Zombi” e “Il giorno dei morti viventi”, ma il risultato non cambia.
I colori tolgono fascino alla storia originale, gli attori di pessimo livello certamente non aiutano e pensarla come una pellicola fortemente voluta da Romero per recuperare qualche soldo dalla perdita dei diritti dell’originale “Notte dei morti viventi” fa venire anche un po’ di tristezza, a dirla tutta.
Film inutile non come la maggior parte dei remake, ma come solo questi “omaggi” sanno fare, e che di certo non da lustro a quei vecchi morti che camminano Romeriani che già nel 1990 non impressionavano più di tanto: lenti, goffi e in più di un’occasione ridicoli (a chi protesta: “Ma ormai lo scopo di Romero non è più spaventare ma solo criticare attraverso queste figure”, dico semplicemente che nei primi due film della saga è già detto tutto).
Se già con “Il giorno dei morti viventi” il regista degli zombies aveva perso una buona occasione per smetterla con i suoi living dead, con questo remake, di cui si fa produttore e cosceneggiatore, non fa altro che cadere più in basso.
Passerà più di un decennio per rivedere Romero direttamente all’opera con le sue amate creature ciondolanti ne “La terra dei morti viventi”, un’ idea senza dubbio migliore ma realizzata, forse, nel peggiore dei modi.
È il caso di dire: “Lasciateli riposare in pace”?

GENERE: horror
ANNO: 1990
REGIA: Tom Savini
UNA PAROLA: Inutile e brutto
VOTO: 3,5

LA DOLCE VITA

2010-03-15T03:37:00.005+01:00

A 24 anni vedo per la prima un film di Fellini e.
Mi vergogno.
Mi rendo conto di quanto sono indietro.
Mi prostro di fronte alla sua grandezza.
Mi rendo conto che non avrei nemmeno il diritto di scrivere queste due righe per quanto sono ignorante in materia.
Ma.
Mi piace l’idea di scrivere qualcosa su un Fellini che poco conosco, se non per qualche storiella sentita in qualche documentario sulla Rai.
Nessuna base su cui poggiare, nessuna conoscenza di stilemi vari ed eventuali del regista o dello sceneggiatore che ti fanno digerire un film per vie traverse, senza nemmeno volerlo.
Molto probabilmente un giorno, con maggior competenza in materia, mi stupirò delle castronerie che seguono ma, ora come ora, al massimo, sarete voi a stupirvi e insultarmi.
Suggerimento.
Sicuramente di fronte a film così grandi ognuno ha una propria visione dettata dalle proprie esperienze e dalle sue convinzioni.
Completamento.
E molto probabilmente ciò accade perché in tali opere sono contenuti più temi di quanti una persona sia disposta in un primo momento a percepire, senza tenere conto di visioni forzate che si allargano a macchia d’olio con il passare del tempo e l’accumularsi di conoscenze sullo specifico autore.
Via.
Senza dover stare a raccontare per filo e per segno ma nemmeno per solo filo la trama di “Una dolce vita” che ognuno può trovare sul sito che più gli aggrada, voglio concentrarmi su quello che mi ha trasmesso.
Una critica alla società, dura ma soprattutto profonda, come in pochi o forse nessun film mi è capitato di vedere.
Una critica di quella spettacolarizzazione lucrosa del nulla e del marcio che oggi regna incontrastata su tutto.
Quella che fa dei bambini visionari un evento mediatico di immensa portata, dove ognuno (padre, madre, zio, conoscente) interpreta il suo ruolo volente (“Quelli so’ i miei nipoti”) o nolente (“Si metta così, guardi di là”) solo per la gioia dei paparazzi (così chiamati da "La dolce vita" in poi persino da Lady Gaga) urlanti, scomposti e violenti e quindi della massa (urlante, scomposta e violenta).
Una spettacolarizzazione che butta nello stesso calderone attrici dalle forme prorompenti e dalla gioia di vivere incontenibile (se non con la violenza), a omicidi-suicidi tragici di personaggi illustri.
Una spettacolarizzazione così eccessiva, e in cui sguazza per comodità Marcello, che porta lo stesso a diventare, infine, oggetto di spettacolo triste e decadente in mezzo a povere piume lanciate dall’interno di un cuscino per l’uscita di scena.
E niente può salvarsi da una società così forte da trascinarsi in basso con le proprie mani.
Non importa che tu sia una diva del cinema al tuo massimo splendore, uno scrittore realizzato che vive "nell’armonia che c’è nell’opera d’arte riuscita" o un giornalista casanova che affascina e fa innamorare perdutamente.
È cemento fresco la società tutta.
E una volta dentro i piedi, il cemento si asciuga sopra ad un oceano senza fondo.
E si comincia a sprofondare sempre più giù, tanto più giù quanto più i piedi sono entrati a fondo in quel cemento fresco, fino al punto in cui non si vede più nulla.
Aristocratici tanto in basso da non riconoscersi più come tali, che non sanno dove dirigersi, dove sbattere la testa per riaccendere anche solo un piccolo lume che li guidi verso qualcosa o perlomeno li faccia divertire in quel nulla buio.
Il nulla.
Quello in cui Marcello, seguendo le orme del padre esperto di champagne e di donne ben prima di lui, entra con tutto se stesso al termine di un percorso inevitabile.
Dal Nord al centro del mondo.
Dallo scrittore in erba al paparazzo.
Dal paparazzo al centro del mondo al giornalista PER chi quel mondo lo dovrebbe guardare dall’alto e invece finisce per esserne completamente sommerso.
Esseri umani così sordi all’affetto vero di un'altra persona da baciarne una seconda mentre la prima dichiara il proprio amore, eppure incapaci di rinunciare alla prima abbandonandola e ritornandola a prendere continuamente su una strada in mezzo al niente in cui avrebbero paura di perdersi senza di questa.
Esseri umani che un tempo, quando erano bimbi, prendevano in giro tutti rincorrendo ridenti una visione della Madonna e salutavano con gioia quel signore una volta seduto alla sua macchina da scrivere e oggi arenato su una spiaggia come una manta ormai morta ma che insiste a rimanere con gli occhi aperti e a guardare.

REGIA: Federico fellini
GENERE: Commedia
ANNO: 1960
UNA PAROLA: Profondo
VOTO: 10

UN ANNO DI VISIONI: 2008- QUINTA PARTE

2010-03-05T00:58:00.001+01:00

Un mese di pausa per i maledettissimi ultimi esami e si riprende...
Maledettissimi anticipa il libro appena letto e nelle prossime settimane recensito.

21. Step Up 2- The street_ Step Up2- La strada per il successo

Ehm…si…dunque…c’è questa ragazza a cui piace ballare.
E indovinate?
Realizzerà il suo sogno!
Tra mille difficoltà e imprevisti improbabili vari ma ce la farà.
Scaricatevi l’ultima scena di ballo e lasciate perdere tutto il resto.
Sono sicuro che anche il regista ha fatto così.
REGIA: John Chu
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: Ballo!
CONSIGLIATO: ehm…
VOTO: 5-

22. L'altra donna del Re

Se volete vedere la Johansson con lo sguardo da maialino intorpidito, la Portman corrucciata e i muscoli di Eric Bana su una storiella tutto sommato apprezzabile bene.
Se invece cercate la vera storia di Enrico VIII compratevi pure una biografia e attendete che la smettano di girare “Troy” e company.
REGIA: Justin Chadwick
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: Storico?
CONSIGLIATO: ni.
VOTO: 6

23. The Darjeeling Limited- Il treno per il Darjeeling

Altro film, altra non recensione.
Si può scrivere di un film così colorato e surrealmente folle?
Wes Anderson ti lascia ancora una volta con la bocca semiaperta a fine pellicola mentre ti chiedi se sei tu che non lo capisci e se è lui che non vuole farsi capire.
È tutto eccessivo e stralunato eppure non così divertente come uno pensa possa esserlo.
O forse si?
Colonna sonora stupenda.
REGIA: Wes Anderson
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: stralunato.
CONSIGLIATO: si
VOTO: 7-

24. Saw IV

Già al terzo capitolo con maiali marci squartati sopra la testa di protagonisti senza nessun senso di esistere ci si chiedeva a cos’altro bisognava assistere per vomitare finalmente quei due popcorn che riuscivi a mandare giù prima di maciullamenti vari.
La risposta sta in questo quarto merdaviglioso capitolo.
Quel che più schifa non è nemmeno più il sangue, le budella, le teste che esplodono o chissà che altro.
Semplicemente pensi che nessun essere umano dotato di intelligenza avrebbe potuto scrivere una così immane cazzata.
E invece qualcuno c’è riuscito.
Mi dirigo verso il bagno.
REGIA: Darren Lynn Bousman
VISIONE: dvd
UNA PAROLA: orrore (non horror).
CONSIGLIATO: no
VOTO: 2

25. Notte brava a Las Vegas

Simpatica commedia non romantica con finalino straannunciato.
La differenza la fa il divertimento in mezzo.
REGIA: Tom vaughan
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: caciarona.
CONSIGLIATO: perché no?
VOTO: 6,5

UN LIBRO UN FILM_ STARSHIP TROOPERS

2010-01-28T17:01:00.000+01:00

Leggermente preso dal periodo-esami ma così finisco il percorso su Starship Troopers.

Ci sarebbe da dividere questa recensione in due parti.

Quel che penso del libro a se stante.
Il libro di Robert A. Heinlein datato 1959 è esattamente il tomo di fantascienza che ti aspetti edito dalla Nord, quella simpatica casa editrice i cui libri si trovano a milioni negli scaffali della fantascienza usata solitamente di colore argentato o dorato (vengo a sapere ora che i volumi dorati sono i classici e quelli argentati i contemporanei).
Tomi (il cui autore non compare quasi mai sulla costa del libro per motivi a me oscuri) spesso illeggibili se non dannosi per l’intelligenza umana: avventure spaziali americane tipiche degli anni ’50 con eroi e cowboy spaziali che combattono contro creature improbabili ma sempre e comunque cattivissime per salvare una donna o un’intera nazione-pianeta-galassia.
Prendete Conan di Howard, un film di cowboy degli anni ’40, qualche futuribile e ridicola arma spaziale e metteteli in un bel frullatore: ecco un buon (???) libro dorato per la Nord.
Starship Troopers a queste caratteristiche fondamentali aggiunge un sottotesto di critica alla nostra società odierna, una critica ai metodi spesso troppo indulgenti verso i criminali e al cosiddetto diritto di voto universale portata avanti con argomenti validi che fanno pensare a un’ idea politica decisamente contrastante con quella dei nostri tempi.
Quel che Heinlein vuol far comprendere è che la sua società futura non è una società fintamente utopica come quella di Huxley ne “Il mondo nuovo” ma un serio progresso della democrazia dei nostri tempi.
Ora immaginatevi 350 pagine.
Di queste 350 pagine una cinquantina dedicate alla descrizione di questa società del futuro e alla sua politica e le restanti 300 da addestramenti (la parte più interessante) e infinite battaglie contro aracnidi e esseri oblunghi con descrizioni particolareggiate dei movimenti dell’esercito e delle decisioni spettanti ai comandanti, tenenti, sergenti, soldati semplici e così via.
Ora.
Al di là del fatto che per chi non ha mai avuto nozioni militari (e non si è mai interessato ad averne) è abbastanza delirante comprendere i vari gradi di comando e i vari schieramenti in battaglia, ci si può concentrare per 20 pagine sulla descrizione di una tuta potenziata usata per combattere?
Può anche essere stata un idea innovativa, geniale e ben sviluppata tanto da aggiudicarsi un premio Hugo nel ‘59 ma sinceramente oggi è qualcosa di quantomeno pesante se non ridicolo (si legga idea invecchiata male).
Sento che se leggessi un libro di cucina oggi non vorrei soffermarmi per 20 pagine sulla descrizione di una patata geneticamente modificata da usare in futuro per migliorare il mio riso con patate.
Poi magari, forse, molto probabilmente, nel futuro tutti useranno la patata geneticamente modificata per il loro riso con patate e ne tesseranno le lodi (di forma oblungamente perfetta, senza un baffo e deliziosa al palato) ma comunque si, sono noiosamente inutili queste avveniristiche 20 pagine sulla PGM.
Insomma il libro di Heinlein è sicuramente un libro ben scritto e su questo non si discute, che scorre via velocemente come nessun tomo della Nord è in grado di fare (almeno tra i letti) e presenta anche spunti interessanti su un’ ipotetica società militarizzata del futuro ma si ferma appunto a ottimi spunti che non vengono sviluppati a sufficienza rispetto ad una trama principale fatta di battaglie alla lunga frangipalle.
Quel che penso del libro rispetto al film.
Ho già parlato a lungo della trilogia di Starship Troopers cinematografica (di cui solo la prima pellicola si ispira esplicitamente al romanzo di Heinlein) quindi cercherò di non dilungarmi troppo concentrandomi giusto su pochissimi aspetti.
La società utopica di Heinlein è in Verhoeven una società falsamente utopica e il regista non fa altro che ripeterlo ossessivamente con i vari video di propaganda fascio-militare sparsi per tutto il film.
Sarà una lettura sballata di Verhoeven, sarà una volontaria rilettura, fatto sta che sembra davvero di stare di fronte a due società simili nei fatti ma opposte nell’idea che vogliono trasmettere.
Discorso diverso per l’esercito: se i fanti sono in entrambi i casi carne da macello, quello che Heinlein sottolinea più volte è il numero eccessivo di volontari che invece a Verhoeven non sembrano bastano mai.
L'esercito-bordello in cui uomini e donne si lavano e si strusciano insieme non era esattamente l’idea dello scrittore che fa della mancanza del sesso femminile una delle “malattie” di questi uomini superaddestrati.
Infine le tute potenziate.
Heinlein ne parla per 20 pagine approfonditamente, ne descrive ogni minuzia e durante ogni battaglia tiene a precisare come questa guerra del futuro sia molto diversa da quella di oggi grazie ad esse.
Va bene, Heinlein esagera nel descriverle e nel farle notare ad ogni possibile frangente ma a Verhoeven ste benedette tute potenziate cosa avranno fatto di male?
Forse nel ’97 non c’erano effetti visivi sufficienti, forse non gli sembravano importanti, forse semplicemente gli stavano in culo ma perché eliminarle del tutto dal film per poi farle comparire (in una versione moooolto personalizzata e tamarra) nel terzo film (di cui Verhoeven è produttore) che, se possibile, a livello visivo è ancora peggio?
Ruggeri cantava “Mistero!”
AUTORE: Robert A. Heinlein
ANNO: 1959
GENERE: Fantascienza
VOTO: 6,5
CONSIGLIATO: ai cultori della fantascienza più classica.

NOTA: Al momento di pubblicare controllando su internet scopro che il libro di Heinlein è stato pubblicato dalla Nord, non so se meravigliarmi della mia intuizione o rivalutare un poco la bistrattata Nord.

AVATAR

2010-01-16T02:53:00.002+01:00

Finalmente.

C'è poco da dire.
3Damente parlando (così Cameron quando legge è contento se lo metto al primo posto) siamo a livelli improponibili rispetto al presente.
È come se 18 anni fa qualcuno avesse reso credibile un personaggio che si scioglieva e si ricreava come se nulla fosse.
Come se con 4 milioni di dollari e 36 giorni a disposizione sul finire degli anni ’80 potessi fare un film di fantascienza credibile.
Come se nel ’97 uno potesse ricreare un transatlantico in scala 1 a 1 spendendo 200 milioni di dollari e andare ancora in attivo di centinaia e centinaia di milioni dollari.
Ecco è un po’ una cosa così..
Non siamo al luna park, Cameron se ne sbatte di oggetti che ti vengono addosso e corse folli su carrellini da minatori, ti prende la testa e te la immerge in una vasca da cui non vorresti mai riemergere.
Si, graficamente parlando è una rivoluzione.
Storicamente parlando siamo sui livelli di un “Pocahontas”, “Battaglia per la terra”, “Braveheart” e chi più ne ha più ne metta.
Leggasi: uomo del popolo X che entra nel popolo Y per studiarlo e distruggerlo ma infine se ne innamora e comprende che il popolo bastardo è X, non Y.
No Cameron, non è assolutamente niente di nuovo, nemmeno il fatto che noi umani siamo alieni è innovativo (tanto per dirne uno recente “Placet 51”).
Si Cameron, è sempre una storia esaltante non posso darti torto.
Personaggisticamente parlando siamo dalle parti delle accette.
La dove i personaggi son tratteggiati col machete e persino il protagonista viene trascurato per far spazio a Pandora.
Pandoristicamente parlando: Sbav (Si veda Ratman per traduzione di sbav).
Fantascientificamente parlando: luce dei miei occhi.
Un “District 9” avrà una storia molto più innovativa, un “Terminator Salvation” sarà molto più apocalittico, Un “Il mondo dei replicanti” avrà un protagonista molto meglio tratteggiato ma un fan di fantascienza, fantasy e fantasia in generale non può che inginocchiarsi e sbavare ettolitri di bava fumante per tanto spettacolo chiuso in 2 e 40.
E ne vorresti ancora di più.
Vorresti vedere come vive il popolo del mare.
E quello delle pianure.
E scoprire ancora di più le montagne fluttuanti.
E esplorare tutta Pandora.
E cosa mangiano i Na’vi.
E qual è la loro storia.
E chi sono i loro antenati.
E com’è strutturata la loro famiglia.
E come vanno in bagno.
Ti prego Cameron.
Ancora.

REGIA: James Cameron
GENERE: fantascienza, fantasy.
ANNO: 2010
UNA PAROLA: portatevi un bavagliolo per la bava.
VOTO: 10-

TRE CLASSICI UN MITO: STARSHIP TROOPERS

2010-01-08T13:15:00.002+01:00

Due settimane di vacanza e si riprende...con un perdonabile giorno di ritardo.

STARSHIP TROOPERS: LA FANTERIA DELLO SPAZIO

STARSHIP TROOPERS 2: HERO OF THE FEDERATION- STARSHIP TROOPERS 2: GLI EROI DELLA FEDERAZIONE

STARSHIP TROOPERS 3: MARAUDER- STARSHIP TROOPERS 3: L’ARMA SEGRETA

A vedere certi film a volte ci si fa un torto.
Quelle pellicole con cui si è cresciuti, che si sono viste una o mille volte ma che inevitabilmente (e a volte inspiegabilmente) rimangono nella memoria.
Passano settimane.
Mesi.
Anni.
E ogni giorno il nostro simpatico cervelletto sovraccarico di immagini e ricordi di ogni genere si diverte a cancellare, ingigantire e reinventare particolari su particolari.
Io Starship Troopers lo ricordavo più o meno così: quel film che ci sono gli insettoni giganti su un pianeta e gli uomini vanno per ucciderli ma vengono tutti smembrati brutalmente.
Grossolanamente sarebbe anche accettabile come storiella da raccontare al bar il mattino dopo.
Non grossolanamente e rivedendolo almeno 8 anni dopo l’ultima volta si scoprono elementi più o meno incredibili per i miei ricordi annebbiati.
Innanzitutto Verhoeven regista, lo stesso malato di mente di quegli altri due cult visti e stravisti da bambino di nome Robocop (quello che lui all’inizio lo maciullavano e poi tornava mezzo robot e uccideva tutti e c’avevo anche il gioco dell’Amiga) e Atto di Forza (quello con Schwarzenegger che andava su marte e alla fine c’era la scena che lui si salvava con tutte le vene in testa che gli stavano per scoppiare e, particolare non trascurabile, una donna con tre tette).
In secondo luogo l’anno di uscita: il 1997, non così vecchio come pensavo.
Infine, cosa (forse) più importante, il film.
Quello con gli insettoni sul pianeta alieno che smembravano tutti si, ma soprattutto quello che nella prima ora ci mostra un futuro molto Robocopesco in cui scene di addestramento militare per la fanteria spaziale si alternano a folli slogan per il reclutamento sui fantomatici schermi delle tv del futuro.
Quello in cui a recitare sono chiamati i peggiori bellocci da Beverly Hills che Verhoeven potesse trovare sulla piazza e in cui gli effetti speciali (eccezion fatta per gli insettoni, mostruosi e credibili) sono al livello di uno Star Trek qualsiasi degli anni ’80.
Quello che a vederlo oggi è uno dei film di fantascienza più stranamente trash che si possano immaginare: con quei modelli e modelle che si aggirano per lo schermo con battute da film di serie C ed espressioni da telenovela nello spazio.
Ci sarebbe da ridere per ore ma Verhoeven mette qualcosa in quegli “spot- slogan” militareschi che inquieta.
O meglio.
È qualcosa che stona.
Quasi si volesse fare un film volutamente trash e pieno di messaggi fin troppo espliciti (qualcuno su internet ha il coraggio di parlare di sottili metafore… manca solo il faccione di Verhoeven che urla al pubblico quel che pensa dell’esercito e degli Usa in generale ed è un documentario di Michael Moore!) per prendere in giro a sua volta un modo di fare cinema (quello della fantascienza anni ’30 prima e anni ’80 poi) volgarmente americano.
Il dubbio che Verhoeven ci faccia o ci sia (da quel che ricordo ora di Robocop e Atto di Forza) rimane e forse si rafforza.
Quel che è certo è che Starship Troopers rimane un film sicuramente particolare nel suo genere, direi anche “difficilmente giudicabile” data l’assurda volontarietà di cadere nel ridicolo-spazzatura in ogni suo elemento.
Non ci vuole molto coraggio a dire che se fosse stato girato dalla Troma (dico Toxic Avenger ) e non voglio aggiungere altro) un film come questo sarebbe entrato di diritto nell’olimpo dei film caciaroni visibili solo in gruppo sotto l’effetto di troppo alcool.
Il fatto che sia stato girato da Verhoeven lo ha trasformato invece in un cult di (ormai) altri tempi in cui molti (compreso me stesso) sono sviati dal vedere qualcosa di così grossolanamente brutto e famoso e doverci cercare obbligatoriamente un significato nascosto o almeno una volontaria tendenza alla spazzatura.
Apro e chiudo una parentesi che tanto parentesi non è: il discorso fatto negli ultimi 2 capoversi è il simpatico sunto di quel che penso di molti film di registi ormai diventati intoccabili per una critica pecorona che non sa far altro che ripetersi e attorcigliarsi su se stessa in un elogio dei soliti noti. Tutto ciò, se proprio vogliamo ricordarlo, è anche il motivo per cui ho aperto questo blog.
Chiusa parentesi.
REGIA: Paul Verhoeven
ANNO: 1997
UNA PAROLA: Trash d'autore?
VOTO: 6,5

Uno degli elementi che differenzia maggiormente questo primo episodio dal secondo capitolo di cui ho scoperto l’esistenza solo un anno fa è proprio questo: Starship Troopers 2 non è trash.
Almeno non come il primo episodio.
E non ha gli attorucoli, non ha gli effettacci speciali (su questo molti su internet dissentono ma il dubbio che il loro sia solo attaccamento emotivo (e pecorone) per il primo capitolo è forte) e nemmeno un po’ di ambiguità.
Si farebbe prima a dire l’unica cosa in comune delle due pellicole per cui qualcuno quasi dieci anni dopo è riuscito a tirar su ancora qualche soldo sfruttando un marchio abbastanza famoso: gli insettoni.
Detto questo Starship Troopers 2 è tutt’altro.
A volerlo descrivere con tre parole si potrebbe dire Alien, Pitch Black e Tremors.
Alien: nell’ambientazione cupa e claustrofobia che la pellicola assume per tutta la sua durata e nel particolare tipo di insetto che infesterà questi ultimi uomini sopravvissuti.
Pitch Black: nei colori bui e oscuri e se vogliamo nel protagonista “fuorilegge” muscoloso e dalla voce ruvida (fa quasi impressione pensarlo poi in Desperate Housewifes nei panni del normalissimo maritino Karl Mayer).
Tremors: solo e soltanto nei radar che segnano l’avvicinamento degli insettoni.
Starship Troopers 2 è molto più classicamente sci-fi-horror di media categoria del suo predecessore: gli attori sono tutti più o meno buoni, la storia si fa più """"introspettiva"""" (meno battaglie a viso aperto e più momenti di mistero-tensione-riflessione) e nonostante alcune buone sorprese tutto si può ricondurre a qualcosa di già visto e stravisto.
REGIA: Phil Tippet
ANNO: 2004
UNA PAROLA: scontato
VOTO: 6

Infine Starship Troopers 3.
Quel che più incuriosisce di questo terzo capitolo è la ripresa della storia dalla fine del primo, come se il secondo episodio non fosse mai esistito.
Sarebbe anche quasi lecito (non è sicuramente la prima volta che qualcuno se ne infischia di seguiti vari per far riprendere la storia dove si vuole) ma la presenza di Neumeier come regista e sceneggiatore fa un po’ sorridere dato che lo stesso Starship Troopers 2 era stato comunque scritto da lui.
Lavaggio del cervello?
Molto più probabilmente e semplicemente il ritorno di Verhoeven alla produzione.
E così riecco il benedetto Rico far capolino nuovamente sullo schermo con la stessa faccia di tolla di Casper Van Dien che nel frattempo ha quasi imparato a recitare.
Per il resto mancano tutti, ma basta la sua presenza per portare tutti indietro nel tempo.
Non fosse che.
Gli effetti speciali con un budget evidentemente ridicolo rispetto al primo episodio sono ancora più penosi per quanto riguarda le navicelle (quelle del 1997 erano veramente pessime, ma queste in rapporto all’anno di produzione del film sono terrificanti) e inguardabili per quanto riguarda gli insetti (nel secondo episodio a fronte di un budget ridotto si erano intelligentemente evitate scene che richiedevano troppo impegno “visivo”)
Le scenografie sono di polistirolo, le armi di gommapiuma, i dialoghi spazzatura.
Gli attori pessimi come ai bei vecchi tempi e quel tocco di humour da film della Troma (la vanga che trancia in due il soldato nella scena iniziale è quanto di più trash io abbia visto dopo Dude Postal che si divertiva a far sotto bambini e vecchiette!) da il colpo finale.
Starship Troopers 3 non sarebbe neanche un brutto film a volerlo spogliare di un qualche centinaio di difetti ma ne rimarrebbe uno scheletro sottile sottile fatto di rimandi al film di Verhoeven (le trasmissioni tv propagandistiche del futuro) e al libro Starship Troopers di Robert A. Heinlein di cui questo terzo episodio riprende uno dei temi più cari non affrontati da Verhoeven: le tute potenziate.
Che poi queste tute potenziate diventino nel finale il pretesto per una delle scene più tamarre e ridicole che io abbia mai visto in un film di fantascienza (dico solo: Padre Nostro in sottofondo, robottoni giganti con lanciafiamme che incendiano insetti giganti e un ralenty di quelli che solo Emmerich nei momenti migliori…) è tutt’altra storia.
Non c’è mai fine al peggio si dice.
Magari un bell’episodio in 3d…
REGIA: Edward Neumeier
ANNO: 2008
UNA PAROLA: trash e basta.
VOTO: 4,5

1 ANNO DI VISIONI: 2008- QUARTA PARTE

2009-12-17T21:54:00.000+01:00

Sempre ancora incredibilmente puntuale...altri 5 film direttamente dal 2008!
Per la prossima settimana dovrebbe essere pronta una trilogia filmica e subito dopo una recensione del libro da cui tutto è nato.
Indizio: ci sono dei ragni...

16: Juno

Visto la prima volta al cinema e la seconda su dvd.
Ora come allora mi riesce difficilissimo scriverne: non si tratta di commedia ma forse si, non si tratta di storiella adolescenziale ma si, non si tratta di film drammatico ma anche si.
Michael Cera (Paulie) fa sorridere con il suo viso e i suoi modi stralunati, Ellen Page (Juno) ti ricorda come sbattevi la testa contro i muri a quell’età per dimostrare che avevi ragione, la storia è meravigliosamente scritta con uno sguardo da 16 enne reale, credibile.
E quel finale così dolcemente amarognolo ti lascia li.
Con lo sguardo un po’ perso e il cuore più debole.
Seconda colonna sonora dell’anno dopo “Into The Wild” da segnalare.
Jason Reitman dopo il fantastico “Thank you for smoking” (7,5) è da tenere d’occhio.
Diablo Cody (sceneggiatrice di cui ormai anche i muli conoscono la storia) anche di più.
REGIA: Jason Reitman
VISIONE: cinema e dvd
UNA PAROLA: naturale
CONSIGLIATO: assolutamente si.
VOTO: 8

17. La Zona

Visto per un corso di semiotica in università insieme ad un'altra manciata di film riguardanti “il confine, i limiti e simili cazzate nella società odierna”.
Sinceramente pesante, mal sceneggiato e se possibile girato anche peggio, in modo amatoriale al di là di tutti i significati fin troppo espliciti su una società chiusa in se stessa tra mura che non fanno altro che aumentare la diffidenza tra esterno e interno.
Di tutt’altro spessore nella stessa manciata di film “La sposa Siriana”.
REGIA: Rodrigo Plà
VISIONE: dvd
UNA PAROLA: banale e pesante.
CONSIGLIATO: no
VOTO: 4

18. Shootem' up- Spara o muori

C’è uno fighissimo che si mangia le carote mentre uccide della gente in svariati e assurdi modi, evita mille pallottole e si lancia giù dalla tromba delle scale mentre spara a un centinaio di cattivoni di nero vestito.
Poi per non farsi mancare nulla fa anche delle battute che neanche Schwarzenegger negli anni ’80.
Infine riesce a sparare al superboss finale tenendo delle pallottole semplicemente nella mano.
Astenersi intellettualoidi.
REGIA: Michael Davis
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: tamarro.
CONSIGLIATO: Ai fan del genere, assolutamente si.
VOTO: 7+

19. Leatherheads- In amore niente regole

Commedia romantica con George Clooney che gioca a football in una squadretta insignificante in un campionato senza regole ancora ben definite.
Si, George Clooney fa il gigione con tutte.
Si, incontrerà una donna che gli darà filo da torcere.
Si, c’è il lieto fine.
E una bella fotografia color seppia che dovrebbe far apparire tutto più immerso nei tempi andati e non fa altro che farti pensare che senza di quella sarebbe stata l’ennesima commedia romantica senza guizzi particolari.
Comunque, casomai ci fossero dubbi, lo è.
REGIA: George Clooney
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: Gigione.
CONSIGLIATO: se sbavate dietro George Clooney
VOTO:6

20. Il matrimonio è un affare di famiglia

Pochi ricordi ma buoni.
La protagonista Brenda Blethyn e Richard Wilson nei panni del figlio handicappato che gareggiano per la miglior interpretazione e una storia che sinceramente poco ricordo ma che mi aveva colpito molto.
REGIA: Cherie Nowlan
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: indipendente.
CONSIGLIATO: si.
VOTO: 7

1 ANNO DI VISIONI: 2008- TERZA PARTE

2009-12-10T16:20:00.000+01:00

Puntuale persino questa volta.
Altri 5 film...mi rendo conto ora che in quei 20 giorni uscirono almeno due dei film più brutti dell'anno..ottima media!

11. John Rambo

È Rambo.
Devo dire qualcos’altro?
È Rambo nel 2008 (frigoriferoso e quadrato).
Non ha una storia, non ha degli attori (la Bello in realtà è un manichino) e non ha pretese morali.
È semplicemente Rambo che fa buddabuddabudda contro tutti.
Sta a voi.
REGIA: Silvester Stallone
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: Rambo!
CONSIGLIATO: Ai Rambofili
VOTO: 7

12. Jumper

È il film dei nerd (tre titoli nerd per tre sceneggiatori nerd: Batman (e tutti i suoi accessori nerd), Fight Club (protagonista un nerd) e XXX 2 (che più per nerd di così si muore) ).
Con lo sfigatino che diventa un superfico grazie ai suoi superpoteri “ZUM ZUM e mi teletrasporto di qua e di là senza neanche mettermi il ditino in fronte come Goku”, con l’amico dello sfigatino che ovviamente è un supersfigato che fa il figo passando la sua vita davanti alla play nel deserto(?????) e naturalmente con la strafica di turno che si innamora dello sfigatino (che fa tanto Transformers e un’altra secchiellata di film da Nerd).
Ah già oltre ad Hayden "non azzecco più un film dall'ultima volta in cui combattevo con una spada laser sulla lava" Christensen c’è anche Samuel L. Jackson.
Che manca solo di una partecipazione nei Teletubbies insieme a Morgan Freeman e poi diventano Dei.
Onnipresenti.
REGIA:Doug Liman
VISIONE: dvd (grazie a Dio...)
UNA PAROLA: Nerd!
CONSIGLIATO: no.
VOTO: 5 (per l’idea che non era affatto malvagia se non l'avesse sviluppata qualche subumano nerd)

13. 10000 A.C.

Senza dubbio il kolossal su cui ci si può far più risate dell’anno.
Con i mammuth nel deserto, le piramidi, le popolazioni vestite in maniera improbabile, gli struzzi giganti assassini, i falsi Dei.
Gli attori monoespressione, le riprese con i ralenty, la sceneggiatura scritta (su un tenderly) da un celebroleso e gli effetti specialissimi che costano più di tutto il casting.
Qualcos’altro da dire?
Guardatelo!
REGIA: Roland Emmerich
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: Talmente brutto che è bello.
CONSIGLIATO: si, una cosa del genere capita poche volte nella vita.
VOTO: 1

14. I padroni della notte

Joaquin Phoenix si ricorda sempre con piacere.
E quella sparatoria in macchina è difficile da dimenticare.
Per il resto un buon noir poliziesco in cui persino Mark Wahlberg sembra recitare e non muoversi sul set cercando di muovere i muscoli facciali senza riuscirci.
REGIA: James Gray
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: piovoso.
CONSIGLIATO: Si.
VOTO: 7

15. Questa notte è ancora nostra

No comment.
REGIA: Paolo Miniero & Luca Genovese
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: no comment.
CONSIGLIATO: assolutamente no.
VOTO: 3

1 ANNO DI VISIONI: 2008- SECONDA PARTE

2009-12-03T18:38:00.002+01:00

Si va avanti con altri 5 film del 2008 (si veda post precedente per chiarimenti).
Puntuale per una volta.
In attesa di finire la recensione di una trilogia.

6. La guerra di Charlie Wilson

Altro film, altri pochi ricordi.
Ultimo film visto dell'amato Mike Nichols è sicuramente non il migliore anche se con un tema del genere (politica politica politica) mi sorprendo ancora adesso che mi sia potuto piacere così tanto.
Tra parentesi: dal 2004 (The terminal) ad oggi questo è l’unico film in cui si vede Tom Hanks recitare e non cazzoneggiare come nei vari Codici Da Vinci e ancor più improbabili seguiti.
REGIA: Mike Nichols
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: politico con leggerezza
CONSIGLIATO: si
VOTO:7

7.30 Days Of Night- 30 giorni di buio

Tratto da un fumetto e molto criticato per la natura videoclippara e a tratti fumettosa della regia, 30 giorni di buio mi ha invece stupito piacevolmente.
I vampiri rapaci dall’ululato aquilino, rabbiosi come gli infettati di “28 giorni dopo” inquietano e spaventano in un paesaggio senza dubbio particolare e forse non sfruttato fino in fondo.
Non stupisce che in questi giorni si parli di seguiti vari ed eventuali in cui sicuramente avrà spazio una sorta di spiegazione della provenienza oscura di questi esseri.
La sceneggiatura purtroppo, al di là di ambientazione e esseri malefici, non brilla per originalità con personaggi visti e stravisti e scene e dialoghi da film zombieschi (e non vampireschi) ancora più visti.
Il finale per una volta diverso dal solito lascia intravedere quel che sarà il destino del regista Slade, Twilight Eclipse lo aspetta anche se sarà difficile creare una scena finale più suggestiva e romantica.
Da recuperare dello stesso Slade “Hard Candy”, pellicola sicuramente molto diversa e ancora più inquietante.
REGIA: David Slade
VISIONE: dvd
UNA PAROLA: originale a metà.
CONSIGLIATO: si
VOTO: 7

8. Il petroliere

Mi aveva fatto impazzire alla prima visione con tutta quell’epicità fredda che sfociava in un finale semplicemente folle.
A rivederlo in dvd sembra manchi qualcosa.
Qualcosa di grosso.
Un po’ troppo esercizio di stile per essere emozionante e un po’ troppo film per tutti per essere esercizio di stile.
E chi vuol intendere intenda.
Daniel Day Lewis è comunque immenso e alza il voto almeno di un punto.
REGIA: Paul Thomas Anderson
VISIONE: cinema e dvd
UNA PAROLA: epico
CONSIGLIATO: assolutamente si
VOTO: 7,5

9.Non è un paese per vecchi

Il secondo della grande trilogia (in quel periodo uscirono in una settimana “Il petroliere, questo e “Sweeney Todd”) è anche il secondo film dell’anno su cui ricordo bene nutrivo enormi aspettative.
Il più grande film dell’anno, stupendo, meraviglioso, Javier Bardem da Oscar, i Coen sono dei geni, mia nonna è un astronauta e ho sognato un bosco senza fragole.
Sinceramente?
Cercai di farmelo piacere.
Al cinema, prima volta di un milione con la persona più speciale e poi a casa, da solo, in lingua originale, convinto ancora da lei perché qualcosa doveva esserci che ci eravamo persi alla prima volta.
Se dico niente qualcuno potrebbe darmi del pazzo.
Niente.
A distanza di un anno solo Javier Bardem mi è rimasto dentro, con la sua espressione (più capelli, mai sottovalutare i capelli) da psicosfiga che in Vicky Cristina Barcelona diventa un gran seduttore.
Poco.
Così almeno sono solo mezzo pazzo.
REGIA: Joel & Ethan Coen
VISIONE: cinema e dvd
UNA PAROLA: deludente
CONSIGLIATO: ni
VOTO:6,5

10. Sweeney Todd: il diabolico barbiere di Fleet Street

Il terzo della trilogia.
Sicuramente quello su cui sono partito più prevenuto.
Forse perché ne avevo le palle letteralmente frantumate dal sentirne parlare ogni giorno da sei mesi al giorno d’uscita.
Forse perché ogni uscita di Tim Burton è diventata ormai appuntamento fisso per tutti i ragazzini dark e caccaemo della Terra.
Forse perché se insieme a Tim Burton ci metti anche Johnny Depp sei sicuro che al cinema NON sarai in buona compagnia.
Forse perché ok, bravo Burton, i film dark con protagonisti strambi o folli (sempre sempre sempre Depp che fa le sue faccette buffe) a cui devi voler bene sei capace a farli però basta!
Non se ne può più.
“Ma è la sua estetica, è la sua poetica!”
E la poetica di Steven Seagal è fare il cuoco che pesta tutti a calci e pugni: chissà perché quello non va giù a nessuno.
REGIA: Tim Burton
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: Burtoneggiante
CONSIGLIATO: si
VOTO:7-

1 ANNO DI VISIONI: 2008

2009-11-28T19:12:00.003+01:00

È L’ULTIMA VOLTA CHE PROVO A FAR RIPARTIRE QUESTO BLOG, SE NON RIESCO A MANTENERMI COSTANTE ANCHE QUESTA VOLTA CHIUDO TUTTO, NON VALE LA PENA MANTENERE QUALCOSA IN QUESTO STATO DI SEMIABBANDONO.

Sembra di star davanti ad un cadavere agonizzante.
Accendo il pc ogni volta, recensioni libere, e vedo una data fissa da mesi che mi dice: “Ma che cazzo guardi?Scrivi qualcosa e vedi di non rompere i coglioni!”
Apro word, scrivo tre righe entusiasta dell’ultimo film visto, finisco il periodo, metto un punto.
Rileggo.
Bella merda.
Diventa tutto nero con le scritte bianche.
Click.
Via tutto.
Il file di word ricomincia a riempirsi.
Un periodo.
Due.
Tre.
Si questa volta sembra davvero scorrere tutto alla perfezione!
Rileggo.
È una merda.
Click.
Via tutto.
E la data continua a guardarmi impietosa.
Domandandosi se questa volta riuscirò a scrivere qualcosa che non mi parrà un immane cacca appena sarà riletta.
E click via tutto.
Ho appena riletto.
E la tentazione è forte.
Fortissima.
Immagino di aver scritto su un foglio di carta dove non basterebbe un click.
Questa volta tengo.
Anche solo per far sparire quella data così insopportabilmente immobile.
Al quasi scadere del 2009 questo sarà invece un riassuntone- revisione di tutti i film visti nel 2008 al cinema o più tardi in dvd (con relativo link alla recensione originale se presente).
Il titolo del film qui sotto è sempre in italiano se è già presente una recensione, altrimenti è riportato anche il titolo originale.
Il voto di un film, tanto per ribadire una cosa che ho ripetuto milioni di volte, va confrontato semplicemente con il voto di un film dello stesso genere.
Altri confronti (“Io sono leggenda” con “Juno” tanto per dirne uno) non hanno a mio parere alcun senso.
Va da se che una volta terminata la pubblicazione (pubblicazione di 5 film alla settimana, nell’ordine in cui uscirono al cinema) raggrupperò tutto in un unico post e aggiornerò se necessario.
Magari servirà anche a qualcuno per recuperare i film più interessanti (secondo me ovviamente) di quell’anno.
A freddo si dice sia diverso.
A freddo a me sembrerà solo un altro testo da buttare via in un desktop di un pc che ormai sembra sempre più un prato disseminato di cacche word.
O una qualsiasi via di Torino.
C’è chi capirà.
E il cadavere agonizzante prova a rimettersi in piedi.
Come in quei film in cui il cattivo si rialza ancora e ancora.
E ancora.

1. Io sono leggenda

Lasciate perdere l’ultimissima parte scritta da un gruppo di scimpanzè volanti al servizio di Papa “Non inchinatevi al Dio Denaro ma datemi l’8 per mille che io senza il mio scettro d’oro massiccio tempestato di diamanti la messa non la faccio” che anche alla seconda visione risulta leggermente (e con leggermente intendo fanculo) fastidiosa e concentratevi su un signor film post-apocalisse.
Quello che si espresse contro la realizzazione in computer graphic degli zombie nella recensione originale non ero io.
E se ero io non ero comunque io.
REGIA: Francis Lawrence
VISIONE: cinema e dvd (più e più volte)
UNA PAROLA: Apocalittico.
CONSIGLIATO: assolutamente si.
VOTO: 8,5

2. Bianco e nero

C’era Fabio Volo.
C’era Ambra.
Poi c’era sta storia con tutti sti razzisti e lo sceneggiatore che urlava “Guardate guardate come sono razzisti, adesso ve lo faccio vedere io come sono razzisti, guardate la sottile metafora di un uomo bianco che entra in una stanza piena di neri con sguardo sospettoso (tipo quello del cane dei Simpson)! L’avete capita? Difficile lo so ma se ci pensate bene…”
Qualcosa mi ricordo.
Qualcosa no.
E sinceramente non me ne frega niente.
REGIA: Cristina Comencini
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: Italiano.
CONSIGLIATO: no
VOTO: 5,5

3. Into The Wild- Nelle terre selvagge

Mi ha cambiato la vita è un buon commento?
Non è perfetto, anzi.
Christopher Mc Candless a distanza di un anno e tre visioni mi pare sempre più rappresentato come un semidio con sembianze da ragazzoide figherrimo.
E quel voler trovare a tutti i costi una causa scatenante così esplicita in famiglia di tutta la sua voglia di libertà ancora adesso mi suona un po’ male.
Eppure mi è rimasto dentro.
Mi ha riacceso con quella mano che timidamente si avvicinava alla mia.
REGIA: Sean Penn
VISIONE: cinema e dvd
UNA PAROLA: l’aggettivo che si usa (se esistente) per definire qualcosa che ti riaccende dentro.
CONSIGLIATO: assolutamente si.
VOTO: 9

4. Mr Magorium Emporium- Mr Magorium e la bottega delle meraviglie

Primo film della lista di cui non è presente una recensione.
Semplicemente perché non lo vidi al cinema ma solo in dvd molto tempo dopo, e ringrazio della scelta.
Non che pretendessi chissà quale meraviglioso capolavoro.
Il film è dichiaratamente un prodotto per famiglie.
Per famiglie.
Si potrebbe discutere ore sull’orrido aggettivo “film per famiglie” tanto caro a quei disperati commessi di blockbuster che si vedono piombare in negozio gli ancor più disperati genitori con bimbo caccoloso a carico alla ricerca (disperata) di un film che possa piacere un po’ a tutti.
Finirà che il padre burino affezionato al buon vecchio action anni ’80 si addormenterà accasciato sulla moglie dopo 5 minuti e il figlio riverserà il suo ettolitro di domande a una mamma che perderà dopo poco il filo di tutto il film.
Film per famiglie: hanno dei protagonisti indubbiamente buoni (nel 90% dei casi da carie ai denti), hanno una storia abbastanza semplice (nel 90% dei casi semplicerrima del tipo: buoni- buoni hanno un problema con qualche cattivo- buoni vincono e cattivi diventano buoni e sono tutti felici), durano mediamente poco e hanno senza dubbio una morale.
Mr magorium rispetta tutte le regole.
Anzi.
Non le rispetta.
Mr Magorium è quelle regole.
Con una buona idea da cui negli anni 80 sarebbe senz’altro nato uno di quei classici da vedere e rivedere con i bimbi ogni Natale (il negozio di giocattoli magico con gli effetti speciali di oggi potrebbe dare spunti all’infinito), tale Zach Helm con Dustin Hoffman (purtroppo non più un garanzia di qualità, sembra scelga i copioni in base a quanto NON deve recitare) e Natalie Portman a disposizione se ne esce con una caramella talmente dolciastra e soporifera che si fatica ad arrivare al finale.
O semplicemente, nonostante tre tentativi, non ci si arriva come il sottoscritto.
REGIA: Zach Helm
VISIONE: dvd
UNA PAROLA: mielosastro.
CONSIGLIATO: Per famiglia!
VOTO: 5

5. Sogni e Delitti

Un anno.
Le cose cambiano, Match Point sono riuscito finalmente a rivalutarlo e ringrazio lo splendido qualcuno che mi ha permesso di farlo, quello che definii “il nuovo film di Allen a Barcellona” si è rivelato forse una delle più belle sorprese di fine 2008.
Infine quel che mi ricordo davvero (a dispetto di quel che dissi nella recensione originale) di questo “Sogni e delitti”: ben poco a dir la verità.
Non ricordo la bella fidanzatina di Ian, non ricordo la fastidiosa doppiatrice, non ricordo le musiche di Glass ma soprattutto non mi ricordo di Colin Farrell e men che meno di Ewan Mc Gregor.
Per una volta quel sopracciglione era stato bravo e io me ne sono dimenticato?
O semplicemente faceva il sopracciglione accigliato (alla prossima battuta sulle sopracciglia di Farrell siete autorizzati a sputarmi in un occhio) come al solito senza cavarne un ciglio da un occhio (PTU!)?
Mi ricordo di un film certamente troppo impostato e senza dubbio inferiore a “Vicky Cristina Barcelona” ma che forse adesso saprei apprezzare di più, forse.
Nel dubbio.
REGIA: Woody Allen
VISIONE: cinema
UNA PAROLA: insipido
CONSIGLIATO: mah
VOTO:6

ROCK IN NOVI

2009-05-05T15:44:00.010+02:00

Potrei scrivere pagine su un concerto durato circa 5 ore, mi limiterò a qualche impressione a caldissimo, all’1.50 di notte dopo la mia ora di strada per tornare a casa.
Cominciamo da qualche simpatica troppo schietta osservazione dopo aver cercato per un’ora un concerto decente per il primo maggio nella provincia di Alessandria:
1)Alessandria è una delle poche città di merda che non organizza un concerto del primo maggio, concerto rock intendiamoci, perché un concerto classico a teatro c’è ma siccome a me frega un cazzo posso dire benissimo che un concerto per il 1 maggio ad Alessandria non esiste.

2)Valdapozzo, con tutta la simpatia per i Valdapozzani, di cui non sapevo nemmeno l’esistenza pur abitando a pochi chilometri ha organizzato un concerto per il 1 maggio. Valdapozzo.
Non Alessandria.
Valdapozzo.
3)A Felizzano c’era un altro concerto del primo maggio. Chi ci suona?
I Roccaforte e altri gruppi.
Chi altri?
Non lo saprete mai perché gli organizzatori evidentemente boicottano il loro festival dato che su internet non si trova uno straccio di notizia.
Il sito del comune?
Un optional.
Capisco, come mi avverte il mio amico, che i Felizzaniani non vogliano far diventare il loro paese un’ attrazione turistica ma per Dio se organizzate un concerto per chi lo organizzate? Le galline della cascina vicino al paese?
In tal caso spero che almeno loro le abbiate avvertite.

4)Ad Asti un concerto del primo maggio c’era, tanto per far presente a chi pensa che Alessandria non sia una città di merda che non vi è nessun dubbio sul fatto che lo sia (se non l’avevate ancora capito dai Valdapozziani).
5)A Valenza pure e ci suonavano gli Yo Yo Mundi.
Altra questione è contare sulle dita di una mano amputata le persone che a Valenza conoscono gli Yo Yo Mundi.
Dividete questo numero per quelli disposti ad ascoltarli ad un ora improbabile come le 6 di pomeriggio dato che il concerto chiude i battenti alla fantomatica ora vampiresca delle 7 di sera.
Pensate poi se hanno ritardato. Potrebbero essere state le 8 quando hanno finito.
Vampiri e licantropi.

Tentato da Valenza per sonnambuli, Valdapozzo per i coraggiosi che sanno della sua esistenza e Felizzano con il suo set misterioso alla fine ciò che rimaneva erano Asti e la speranza Novi.
Si punta sulla ridente (?) Novi Ligure, con tutti quei belin, belan, Belen fa sempre simpatia.

Si arriva alle 5 e mezza con inizio concerto fissato alle 5.
Ci sono 5 persone davanti al palco e 5 sopra che osservano i 5 al paninaro di fianco a cui ci aggiungiamo noi due per un pezzo di pizza riscaldato e la prima delle 4 birre a testa da 3 euro l’una.
Considerando che il paninaro non le avrà pagate nemmeno 1 euro (prezzo da supermercato) c’è qualcosa come il 200% di guadagno.
Ci sta.
Siamo a Novi il 1 maggio.
E quelle 10 persone Su e Giu da un palco sembra che possano spaccare il mondo.
La scena fa molto sagra di paese venuta male.
Si va al Burger King ad ingozzarsi di schifo.
Si torna alle 18.30.
Prima parte:
1)Sul palco ci sono i Pakura Klimt, unico gruppo con canzoni loro. 2 voci femminile, basso, chitarra e batteria che non si capisce come al nostro arrivo è già bella che andata.
Si cerca di fissarla con mezzi tecnologici avanzatissimi come lo scotch ma anche da qualche metro il tutto sembra molto traballante.
Chissenefrega.
Forse le prime 2-3 canzoni sembrano assomigliarsi un po’ troppo tra loro e si coglie una somiglianza con qualcosa di già sentito che ancora adesso mi sfugge, ma le ragazze (Mara Soliani e Lucia Branda) ci sanno fare e il gruppo gira bene (anche se la batteria è sempre li li per smontarsi).
Unico appunto è un’omogeneità tra le canzoni che sicuramente alla lunga non fa bene, forse ci vorrebbe qualche canzone più spinta all’interno della setlist ma si tratta comunque di un gruppo giovane da quanto ho capito e anche abbastanza originale.
VOTO: 7+ alzato dopo aver ascoltato il singolo-video sottopresente.

2)Salgono gli S.K.D.K.
La speranza che quei quattro signorotti sinceramente attempati siano li per un semplice soundcheck è appunto solo una speranza.
La paura che parta “Una lacrima sul viso” è tanto appunto quanto prima, solo una paura.
Partono con gran sorpresa mia e del mio amico (altri a quanto pare se lo aspettavano, tra cui il nipotino di uno dei true cocker sul palco) i Doors.
La voce calza a pennello.
Il basso c’è e la chitarra suonata dal classico tizio che mai ti saresti aspettato potesse suonare uno strumento che non fosse il triangolo (come se un giorno vai a far il biglietto del treno e il tizio sessantenne seduto dietro la cassa si alza e ti stampa un assolo in faccia!) sembra seguire bene.
La batteria è ancora un capitolo a parte.
Lo scotch evidentemente non tiene la foga del signorotto canuto seduto dietro le pelli e più di una volta sembra che tutto gli debba rimanere in mano da un momento all’altro.
Se poi ci si aggiunge che nonostante i litri di sudore e le chiazze rossastre sul volto ogni tanto sembra mancare qualche battuta non si può gridare certamente al fenomeno.
E i problemi più grandi sicuramente ci sono con il repertorio non-Doors: mentre tutta la band rimane sulla stessa linea precedente il cantante sembra un po’ a disagio con pezzi come Sweet Jane e Sweet Home Alabama (qui manca anche una chitarra all’altezza del sound Southern rock del periodo).
Insomma.
Simpatici, inaspettati e come si dice in questi casi “hanno ancora qualcosa da insegnare alle nuove leve” (vedi l’entusiasmo del batterista nel suonare e presentare) ma sicuramente qualche problema c’è.
E sicuramente la mancanza del tastierista non ha fatto bene.
Però.
VOTO: 6

Pausa cena alla Farinata Rotonda (o una cosa del genere) dove un tipo simpatico come pochi ci avvisa che “CI SONO Già 5 PERSONE CHE ASPETTANO!” quasi fosse colpa nostra o noi dovessimo già saperlo.
Felice per lei signor simpatia.
Tanti saluti.
E di farinate ce ne sono di più buone.

Seconda parte (dove finalmente sembra che qualcuno sia venuto a conoscenza di questo concerto e un quartino di piazzale scarso finalmente si riempie con tanta felicità del paninaro, delle sue birre e delle sue salamelle):
3)I primi della serata sono i Wonderlands (non so bene che fine abbiano fatto i Dead Models presenti nella locandina, molto probabilmente se non hanno suonato nella mezz’ora di Burger King sono mancati all’appuntamento).
I Wonderlands comunque non fanno rimpiangere nessuno.
Attaccano subito duro con gli Who e non lasciano respirare con Led Zeppelin e Who appunto davanti a tutto.
Michele alla voce ha una voce particolarmente graffiante e adatta ai pezzi proposti e Ivo alla chitarra (a quanto pare tra gli organizzatori) pensa a far divertire un po’ i 15enni radunatisi sotto il palco suonando la chitarra con i denti o dietro la testa.
Animale rasato da palcoscenico.
VOTO: 7/8

4)Half step Down.
Sale sul palco quello che saluta tutti per tutta la serata e ci ha chiesto qualche ora prima se potevamo appoggiare le nostre bottiglie di birra finite sul tetto della sua macchina per qualche strano motivo (tipo essere il più fico della piazza perché lui c’aveva tante bottiglie).
Pare di averlo già visto il ragazzino (che potrebbe avere anche la mia età ma con quella faccia sembra sempre un ragazzino) ma non saprei. Probabilmente mi sbaglio.
Salito sul palco comincia un pezzo interamente strumentale, ci sa fare non c’è dubbio anche se fin dalla prima nota sembra di vedere qualcuno che se la tira leggermente.
Non è un impressione.
Alla prima volta che apre la bocca per pronunciare due parole sensate dice due cazzate che fanno tanta simpatia e “guarda quanto so’ fico” nelle giovincelle e tira dritto per un altro pezzo.
La band funziona alla perfezione compreso un ottimo tastierista hammond con il suo velo tigrato intorno allo strumento.
Il concertino prosegue così tra Cream, un pezzo strumentale originale e Jimi Hendrix.
Poi viene la volta del “Questo è un pezzo stvumentale di un chitaRRista che è (se non sbaglio) Stevie Ray Vaughan, ma tanto non lo conosce nessuno quindi lo suono e boh”.
Grazie Dio in Terra, tu si che conosci i chitarristi che nessuno conosce, tu si che sei veramente fico.
VOTO: 8
VOTO AL CHITARRISTA CHE POI HO SCOPERTO ESSERE PROPRIO CHI SPERAVO NON FOSSE: 4 PER LA SIMPATIA.

5) Ultimo gruppo: Amaranth.
Classico gruppo di cover con voce femminile che va dai Guano Apes agli Skunk Anansie ad Anouk e compagnia anni ’90 rock con voce femminile bella per concludere con la cover dei Lacuna Coil di Enjoy the silence dei Depeche Mode.
Eliana alla voce è fantastica ma dopo aver sentito gli Half Step Down lo scalino tecnico sugli strumenti si nota forse un po’ troppo oltre ad un repertorio fatto di canzoni sicuramente molto belle ma che suonano oggi leggermente datate e troppo sentite.
Sicuramente con gli Half Step Down a chiudere ne avrebbero guadagnato entrambi i gruppi.
VOTO: 7

Male ai piedi, constatazione della mia vecchiaia (un tempo andai all’Heineken Jammin Festival e dopo 12 ore ancora riuscivo a saltare ed urlare mentre ora dopo 5 ore fermo sul posto sono morto), conferma di quanto Alessandria sia una città di merda persino in confronto a Novi Ligure e voce roca per la saggia scelta di non mettersi una maglia dalle maniche lunghe nemmeno a mezzanotte.
Tutto sommato un buon concerto, organizzato abbastanza bene (batteria a parte), con buoni gruppi di cover e non.
Se poi gli organizzatori si ricordassero sempre dell’esistenza di internet per organizzare certi eventi come in questo caso magari non si troverebbero il giorno seguente a lamentarsi della poca gente e delle troppe spese come accade spesso.
Novi Ligure docet.
Alessandria dorme.

DRAGONBALL EVOLUTION

2009-04-21T14:48:00.009+02:00

Non è questione di non avere una storia da raccontare.
E non è nemmeno questione di non saperla riadattare in un 2009 che sinceramente vuole qualcosa di necessariamente diverso da un manga scritto nel preistorico 1984 (molti non saranno d’accordo).
Non è neppure “Ah ma vaffanculo gli americani dovevano lasciarlo fare ai giappa che loro si che ci sanno fare con le trasposizioni manga!” perché basterebbe guardarsi il trailer di Sampei da poco uscito in Oriente o il precedente film di Dragonball (si esiste, si con attori in carne ed ossa, si fa cagare in un modo improbabile) per capire che se stronzata dev’essere non c’è America, Giappone o Turkmenistan che tenga.

TRAILER DI SAMPEI

UNA SCENA DAL PRIMO FILM DI DRAGONBALL PRODOTTO IN TAIWAN
No, non sono gli attori.
Per quanto non eccelsi non sono nemmeno gli effetti speciali.
E no, non è nemmeno colpa di un Moccia qualsiasi che un giorno si è svegliato col suo cappellino sudato sulla capoccia mononeuronale pelata e si è chiesto perché mai non aveva pensato prima di rompere ulteriormente i coglioni agli italiani girando pure i “film” tratti dai suoi “libri” (dovrebbero trovare delle nuove parole per definire certe cose… filmmerda e libricartadaculo potrebbero andare).

James Wong non sarà Kubrick e nemmeno Danny Boyle.
A dir la verità James Wong non è quasi nessuno, ma qualche filmetto sulle spalle ce l’ha e insomma non posso passare mezza recensione a scrivere che non è colpa di James Wong se Dragonball Evolution non gira nel senso giusto.
La storia è stravolta.
Se pensate di andare al cinema per vedere un bimbo col pisellino di fuori che vive solo tra le montagne andando a caccia di dinosauri fino ad incontrare dopo svariate avventure un simpatico vecchietto maniaco che gli mette un guscio di tartaruga gigante sulla schiena fate una cosa: guardatevi la milionesima replica su Italia 1 della prima serie.
Sarete felici, soddisfatti e potrete snocciolare le battute che ormai conoscete a memoria con i vostri compagni di visione.
Nel caso in cui il vostro compagno di visione sia un emerito rompicoglioni potrete anche snocciolare onde energetiche che alla milionesima replica su Italia 1 dovreste ormai aver imparato ad utilizzare.
Nessun pisellino al vento quindi.
E nessun nonno baffone pelato, nessuna isola sperduta nell’oceano con annesso Maestro Muten pelato e compagna tartaruga parlante (ovviamente pelata), nessun amico pelato con sei puntini sulla fronte e nemmeno un nano pelato azzurro.
No pelati no party…

Quasi nulla di tutto quello che secondo voi tutti poteva essere un film di DragonBall
Ci sono le sfere del drago.
E i personaggi per quanto fisicamente diversi sono sempre loro: Goku è un adolescente perchè evidentemente si sperava nel fattore immedesimazione del pubblico, Chichi è diventata Cici, Yamcha è passato dall’essere il figo della situazione a un uomo dal volto orribile e Bulma ha portato con se solo qualche ciocca viola.
Il Grande Mago Piccolo (nel cartone Al Satan) tenta sempre di fare quello che il Prof prova ogni giorno.

Il problema però non è nemmeno questo stravolgimento di caratteri, luoghi, età, nomi, fisici, storia, trasformazioni.
Il problema semmai è che la sceneggiatura è stata molto probabilmente scritta da un Saiyan trasformato in scimmione (non commento tale trasformazione nel film perché il prete dall’altra parte del paese potrebbe avere un mancamento).
Quasi un ora e mezza di pellicola è riassumibile con:
- Goku è uno sfigato e si allena col nonno nelle pause da scuola (ovvero bam,bim, bum, blem sbang)
- Goku fa vedere a tutti che non è sfigato (bam,bim, bum, blem sbang)
- Arriva Piccolo. Dopo una piccola spiegazione sul chi sia (una cosa come: una volta la Terra stava per essere distrutta da questo essere potentissimo venuto da chissà dove poi chissà come qualcuno l’ha fermato e adesso chissà come è di nuovo libero), uccide il nonno (bam,bim, bum, blem sbang) e si prende la sfera. Viene fatto capire che Piccolo è potentissimo.
- Entra in scena il primo personaggio inutile: Bulma (viene fatto intendere che Piccolo è potentissimo).
- Si va alla ricerca delle sfere e Goku incontra il maestro Muten (bam,bim, bum, blem sbang) che dovrebbe far ridere (viene ricordato che Piccolo è potentissimo).
- Varie cazzate di vario genere: Yamcha, Chichi, bam,bim, bum, blem sbang, ritrovamento in 2 minuti di quasi tutte le sfere (Piccolo è potentissimo se qualche sasso non l’ha ancora capito).
Siamo a 15 minuti dalla conclusione (e se avete dei dubbi i bam, bim, bum, blem sbang possono stupire la prima volta se non si sono mai visti "Hero", "La tigre e il dragone", "La foresta dei pugnali volanti" e compagnia bella saltante per aria e ti rompere le palle dalla seconda).
E per tre quarti di film ti hanno rotto i coglioni che sto benedetto Piccolo è davvero qualcosa di immenso.
Ha i pugni nelle mani.
Ci sarà uno scontro epocale.
Di quelli alla Ken Shiro che duravano 30 puntate per tirarsi due pugni.

Di quelli alla Dragon Ball cartone animato che duravano 20 puntate per sfasciarsi con delle onde energetiche chiamate con svariati e improbabili nomi (kaioken di primo, secondo, terzo, n-esimo livello, bigbang attack, finalflash, dodonpa, caccahamehameha).

Di quelli alla One Piece che durano 10 puntate per spadaccinarsi e scazzottarsi (pugno, mano, calcio, testa, culo gamgam) in assurdi modi.

Di quelli alla cazzo di cane.
Che entra Piccolo in scena e 10 minuti dopo è morto a terra per una minchiatella di onda energetica che il mio cane alto 30 cm se alita molto probabilmente fa più danni.
Ancora 5 minuti per vedere il “E vissero felici e contenti” e tutti a casa senza perdersi la scena che qualcuno ha mirabilmente pensato per dare spazio ad un seguito.
E lo sceneggiatore è riuscito a lanciarsi in una minchiata tipo: “Devo avere altri 6 film per sviluppare completamente la storia”.
6 calci nel culo da ogni spettatore che ha visto sta porcata dovrebbe avere.
E ringrazi che sono pochi.
Evolution…
Che le evoluzioni alla fine sono solo i miei maroni che le fanno.
REGIA: James Wong
ANNO: 2009
VOTO: 4,5

-1......

2009-04-18T03:13:00.000+02:00

SEGUITO NON UFFICIALE DI MATRIX CON OMINI VERDI E ROCCE DI CARTAPESTA.

-2......

2009-03-05T13:20:00.001+01:00

TREMATE TREMATE...-3...

2009-03-01T20:31:00.002+01:00

JAZZ

2008-12-18T19:22:00.003+01:00

Con un ritardo mostruoso (e me ne scuso in primis con l'autore del pezzo che è Lucio Laugelli) pubblico Jazz, la nuova collaborazione con Paper Street procede, a breve anche la mia recensione de "L'amore non va in vacanza" su Paper Street!
Un grazie a chi ha la pazienza di seguire questo inguaribile ritardatario!

BY LUCIO
C’è stato un periodo in cui TU eri LA musica,
la gente pensava alla musica e la musica non poteva che essere jazz…
Ora? Beh certo sei ricordata da preziosi festival, sei in tutti i libri che raccontano l’imprevedibile storia della musica; e poi ti citano, a volte anche a sproposito, un sacco di intellettuali che un po’ se la tirano quando parlano di te.
E ci sono città che conservano piacevoli angoli dove vieni suonata da chi porta ancora alto il tuo nome. Ma c’è da dire che la gente non riempie gli stadi per te e, soprattutto, c’è da dire che i più dei tuoi amanti non sono certo giovanissimi.

Quando penso a te e a quanti ne hai fatti innamorare non posso non emozionarmi e dirti, anche se magari non ci credi, che sei ancora oggi la fonte d’ispirazione per tanti che ti ascoltano e dopo scrivono, o suonano o hanno qualche idea geniale o terribile.

Perché non si può, una volta stregati, dimenticarsi di te. Anche io, uno dei tanti che hai illuso con il tuo ritmo insormontabile, con il tuo sound perfetto, anche io, volevo scriverti e queste mie parole puoi aggiungerle a tutte le altre, incalcolabili, che ti saranno state dedicate fin da quando sei entrata in scena.

E allora mi vengono in mente tutte le labbra che hanno soffiato negli ottoni che governavi con maestria esemplare. Penso all’avorio accarezzato dalle dita dei pianisti che più ti hanno onorato e a tutti gli altri strumenti con cui ti sei fatta conoscere in giro. Le voci indimenticabili che ti cantavano, meraviglia!

Sei nata nei bordelli, nei locali fumosi dove la gente beveva in tua compagnia. Sei nata per strada, nelle terze classi dei transatlantici piene di immigrati sognatori; e man mano sei risalita ai piani più alti delle navi che ti ospitavano, nel tuo peregrinare avanti e indietro, sulle onde decise che ti scuotevano mentre, di colpo, come dicevo, conquistavi anche le prime classi e i loro passeggeri annoiati.

E poi i locali! I bar! Dove ti sei esibita, ubriacata, drogata. Sono nati club e grandi ambienti dove venivi suonata solamente tu. Dagli Stati Uniti hai fatto il giro del mondo, sei arrivata anche qui da noi, dove Buscaglione ti ha splendidamente adattata ai suoi testi innovativi, contrapposti alle canzonette lacrimevoli che scorrevano nelle nostre città.

Il Jazz è fumo, whiskey, stile, vita, vita, vita!
E’ pazzia
è camminare lungo il cornicione.
Improvvisazione.
virtuosismo,
amore baro e anche sofferenza.

Se ti venisse concessa un’altra possibilità ripiomberesti con la stessa sorpresa che hai destato al tuo arrivo, così improvviso. E poi prenderesti per le palle quei generi nuovi che ti disgusterebbero, prima la techno e dopo l’house…cazzo con che classe e rapidità distruggeresti lo squallore privo di poesia che fa andare la gente a ballare oggi.

Ma non ti sarà data una seconda possibilità e tu lo sai meglio di me.

E allora?
Nulla, nulla. Nessun problema. Continua a scorrere in sentieri alternativi, per conto tuo.
E non posso credere, anche se ti chiamano “il jazz”, che tu sia maschio.
E non me ne vogliano gli studiosi che potrebbero obiettare che la tua storia, principalmente, è stata fatta da uomini. No. Il jazz è donna.

Una splendida creatura che non sa invecchiare, che una volta potevi trovare ad ogni angolo, in ogni sala da ballo, che un tempo andava per la maggiore ed oggi, pur non avendo perso la sua sensualità, si riserva per pochi che la vanno a cercare e ancora si fanno fregare e, rimanendo imbambolati di fronte a lei, si innamorano di questa immortale signora, di una bellezza incomparabile, di una raffinatezza mai vista.
Occhi ipnotici, voce suadente, capelli di seta, labbra sfuggenti, fisico statuario.
Intelligente come sempre, furbissima, dolcissima e crudele, e anche un po’ puttana.
Andate a cercarla la notte, non sarà facile incontrarla.
Si confonde con il buio, con l’odore del fumo, con l’aroma dello scotch.

SAW IV

2008-11-20T00:29:00.003+01:00

DRIIIIN…..DRIIIIN….DRIIIN
CLACK
“Pronto?”
“Ciao Patrì!”
“O Greggo, com’è?”
“Tutto a posto…ti ho chiamato che ti ricordi che tra un mese è Halloween?”
”Si…e allora?”
“Eh, va che dobbiam ancora preparare quella cazzata che prepariamo ogni anno da tre anni a questa parte…”“
Mmmmm…cazzata di Halloween? La zucca intagliata?”
“Oh cazzo Patrì…ogni volta…quella boiata con quel cretino che se deverte a torturà le persone…che lui è malato terminale e quindi non sapendo che cazzo fare dei suoi ultimi inutili giorni di vita spreca il suo tempo a inventarsi dei macchinari assurdi per storcere le ossa e cazzate simili…”
“Ah ma siiii, Saw…cazzo mi stavo dimenticando…”
“Ma come se fa a dimenticarsi? Con tutti quei mentecatti che corrono al cinema a pagar il biglietto, dai Patrì, a cosa hai pensato per sto episodio?”
“Si dunque…a cosa ho pensato…ecco…dunque…c’è Jigsaw in una stanza…”
“A Patrì, guarda che è morto in Saw III, gli han sguarato il collo, va beh che è na cazzata ma non è che puoi fargli far l’occhiolino come Freddy Krueger dopo esser stato decapitato in “Freddy vs Jason"…”
“Si giusto... è morto... Dunque…c’è Jigsaw in sta stanza…morto…”
”Sembra avvincente…”
“Si no aspè…è morto…ma lui lo sapeva…”
“Cosa sapeva???”
”Che moriva con il collo sguarato…”
“Ah Patrì…”
“No aspè, lasciami finire…lo sapeva e quindi s’è mangiato na cassettina…”
“……….”
“Si, sai quelle dove ci registrava la sua voce con cazzate tipo “Ti va di fare un gioco?” e puttanate simili…”
“Si ho presente….”
“Eh, e stavolta in sta cassettina c’ha registrato praticamente tutte le torture che aveva già in previsione di fare….”
“Nostradamus….”
“Ma no è che lui sai com’è no…c’ha la malattia terminale…”
“E quindi?”
“E quindiii...sai la malattia terminale no?Che te fa vedè le cose…lui sa che quella cassettina la troveranno nell’autopsia e sa anche che chiameranno il poliziotto per ascoltarla”
“Ma che poliziotto?”
“Ma che te frega…se quelli del film prima firmano un nuovo contratto bene, se no cambiam di nuovo tutti…tanto non è che la gente sta a guardà quello…”
”Si in effetti…comunque trovata sta cassettina che cazzo succede?”
“Che cazzo succede…dunque… si c’è sto poliziotto con la cassettina in mano…”
“E fin qui…”
“E niente…poi ci son le trappole…”
“Le trappole?? Si ok…ma la storia?”
“La storia… si la storia… dunque… c’ è uno che aiuta troppo le persone allora deve essere punito…”
“Ma non ha senso! Non puniva gli stronzi Jigsaw?”
“Ma si che te frega, c’è sto tipo e ci son un casino di trappole…”
“é Saw III..."
“E quindi…c’è sto tipo che vede le persone torturate ma tanto non può farci un cazzo per quanto ci provi quindi va avanti proprio come voleva Jigsaw”
“…………”
“E poi alla fine c’è uno scenone finale pieno di sangue con teste che esplodono e puttanate simili e il solito flashbackone che spiega tutto!”
”Sembra far più pena del solito…”
“Poi magari ogni tanto ci mettiam un flashback dove facciam vedere perchè Jigsaw è diventato così cattivo…”
“E che cazzo centra con tutto il resto?”
”Ma si così ci infiliamo anche l’ex moglie di Jigsaw e sti poliziotti che riescono a prevedere ogni sua mossa perché sai…loro son poliziotti americani…sono intelligenti…ma arrivano sempre con un minuto di ritardo…poi sai con la storia del suo passato diventa più introspettivo…cioè…sai…si scava nel profondo…”
“… e i poliziotti non riescono a prevedere in tempo le mosse di uno morto?”
“Si ma Jigsaw era…”
“Si…un malato terminale…du palle…”
“Ti soddisfa?”
“è la più grande puttanata che io abbia mai sentito…”
”Quindi?”
“Quindi domani vedi di chiamare il babbuino che vuole dirigere sta cazzata che iniziamo…”
“Ok! Ah poi ti volevo dire…per Saw V ho già un’idea…”
“……”
“C’è Jigsaw ancora in obitorio perché lui c’aveva la malattia terminale quindi son ancora lì a tagliuzzarlo e mentre lo girano dall’altra parte vedono che c’ha una cassettina piantata nel culo…”
“……………………………”
CLACK
TUTUTUTUTUTUTUTUTUTUTUTU
REGIA: Darren Lynn Bousmann
ANNO: 2007
VOTO: 4

E MENTRE ASPETTI L'APOCALISSE N'ALTRA CAZZATA: KOOBECAF

2008-11-17T03:37:00.002+01:00

Molto meglio che io non pubblichi per intero questo testo pieno di insulti a chiunque.
Solo il finale.
Poi continuate a leggere come se nulla fosse l'ultima recensione più in basso.

Che schifo.
Mondo che ha bisogno del contatto di più gente possibile per respirare, che non sa più stare solo, che non riesce a farsi i cazzi propri e nemmeno a vivere senza un eterno specchio in cui rimirarsi.
Puffo vanitoso sarebbe fiero di tutti quanti.

BASIC TRAINING- ADDESTRAMENTO DI BASE

2008-11-13T21:06:00.004+01:00

Mi ricorderò di te come semplicemente meravigliosamente te.

Non so chi sia Frederick Wiseman.
Inutile che stia qui a tradurvi la wikipedia inglese dicendovi che è uno dei più grandi documentaristi e blablablablabla….blablablablabla.
Inutile.
E se non sapete l’inglese traducete la pagina con google.
Verrete a sapere che è un “americano documentario regista” (un documentario vivente…un po’ come Piero Angela quando entrava nel corpo umano e ci trovava la tizia che suonava il piano) e che è stato “addestrato come un avvocato” (avvocaaaato…avvocato vieni qui che ti do l’osso…BAUBAU!).
Buongiorno, siete nel 2008: imparate l’inglese.
Non so chi sia Wiseman (e neanche come si pronunci) e non ho alcuna intenzione di informarmi a riguardo prima di scrivere questa recensione.
Il risultato potrà essere un disastro dettato dalla beata ignoranza o qualcosa di serenamente innocente, neutrale forse.
Bisognerebbe star qui ore a descrivere come sia finito in un cinema del centro di Torino a vedere un documentario del 1971 di un tizio di cui avevo a malapena intrasentito il nome in un brumoso pomeriggio d’autunno.
Ma anche no.
Piove, viene voglia ad entrambi di andare al cinema e le sale del centro trasmettono solo film già visti, già iniziati o semplicemente di cui non si sa un emerita mazza.
Quindi perché scegliere “The Burning Plain” quando la rassegna mensile del Massimo è dedicata a tale Wiseman (uaismen? uisman? L’alfabeto fonetico non esiste sulla tastiera…chissà se i linguisti hanno aggirato tale insormontabile problema) e il film del giorno e dell’ora è Basic Training in lingua originale sottotitolato in italiano?
Tre euro.
Al massimo ci si fa una bella dormita come l’evidente barbone seduto dietro.
Un documentario in bianco e nero sull’addestramento base dei soldati americani in piena Guerra del Vietnam.
Come dire: mi manca la pistola ma vorrei tanto spararmi sulle balle.
Poi succedono cose di cui non ti capaciti.
Innanzitutto non ti addormenti.
Per un’ora e mezza non sbadigli neanche per mezzo secondo.
Wiseman (uomo saggio…dovevo dirla scusate…) gira un documentario tanto semplice quanto semplicemente perfetto.
Gira un documentario sull’addestramento base e lo fa diventare un film come nessun Fahrenheit 9/11 potrebbe mai esserlo.
Là dove lo sguardo è di parte e lo stile sgarbatamente documentaristico (come urlare in faccia a qualcuno: questo è vero! Questo è vero! QUESTO è VERO! VERO! CAPITO? VERO? GUARDA COME TRABALLA LA CAMERA…è VERO!), Wiseman riprende (questo me lo immagino io, licenza poetica) una mole impressionante (e con impressionante intendo un’anno di riprese) di materiale e ne fa un sunto finale perfetto.
Nel Basic Training ci mette tutto quello che chiunque immagina faccia parte di un addestramento militare: partendo da marce e marcette (con connessi cori militari), passando per uomini che strisciano con la pancia a terra e il culo in aria (“ALZA QUEL CULO DA TERRA!” urla un sergente) fino ad arrivare alle classiche situazioni da caserma da cui hanno origine il 90% dei film militari. Sfigati cronici con problemi familiari, ribelli che se ne fregano del loro Paese e secchioni militari che alla fine dell’addestramento se ne escono con improbabili discorsi sulla democrazia americana esportata in Vietnam.
Wiseman però non è Moore.
Non intervista nessuno, non fornisce dati di alcun tipo ma soprattutto non compare mai in camera per dire la sua (o per dire l’inarrivabile verità).
Wiseman fa parlare la sua telecamera.
Non è assolutamente descrivibile a parole (perlomeno io non sono in grado) come un obiettivo puntato sugli scarponi dei marcianti possa portare dentro lo schermo più i qualsiasi parola o altra immagine.
La telecamera di Wiseman è il sergente di ferro che consola con voce ferma lo sfigato mentre lo aiuta ad allacciarsi gli scarponi, è il ragazzo nero che racconta con un inglese inascoltabile (nel senso che senza sottotitoli poteva benissimo parlare lo swahili per quanto ci capivo) la storia di quella ragazza del suo Paese, è la spiegazione della reincarnazioni da parte di un altro, è quello scarpone ripetuto per cento che sbatte sulla terra ad un centimetro dal tuo naso mentre un “Left, Right, Left, Right” continua ad aleggiare nell’aria.
Wiseman non da giudizi.
O perlomeno non ce li sbatte in faccia come se fossero bisteccazze da cuocere in padella.
Wiseman regala immagini.
Immagini e parole vere (queste si, riprese direttamente da quegli attori consapevolmente inconsapevoli, che hanno ruoli ben definiti nella scrittura finale del documentario) che toccherà a noi giudicare.
Forse.
Mi piacerebbe ancor di più pensare che Wiseman sia tanto neutrale nelle immagini quanto Moore lo è con le parole.
Nel ’71.
Avanti di un secolo.
REGISTA: Frederck Wiseman
ANNO:1971
VOTO:10

REQUIEM PER VENTO FORTE TRA I CAPELLI

2008-10-31T14:51:00.003+01:00

Sono orgoglione di annunciare che Recensioni libere si allarga.
Ufficialmente oggi inizia la collaborazione con l'associazione culturale Paper Street, una rivista on-line di Alessandria che mi ha proposto lo scambio di alcuni scritti!
Potrei star qui a dirvi di quanto son contento che senza far assolutamente nulla se non scrivere mi abbiano proposto questa collaborazione e blablablablabla...ma farò che saltare tutti i preamboli e presentarvi direttamente il pezzo di Lucio Laugelli, direttore esecutivo di Paper Street.
Cliccando sull'immagine in alto a sinistra sul blog (quella con su scritto Associazone culturale Paper Street,su non è difficile!) arriverete direttamente all'home page dove dovreste trovare a breve la mia prima recensione di Babylon A.D. (se non la trovate ancora pubblicata la colpa è solo mia che sono un ritardatario cronico!)
A voi.

BY LUCIO

Poco fa, facendo uno dei soliti zapping televisivi annoiati e compulsivi, mi sono imbattuto nell’ultima pubblicità della Mercedes; sono rimasto a seguire lo spot solo perché ho sentito dire ma quello era James Dean? Il messaggio pubblicitario infatti vede protagoniste due icone hollywoodiane: Marilyn Monroe e il già citato Dean. A parte notare quanto la sosia della biondissima star fosse effettivamente molto somigliante all’attrice e quanto invece il bell’attore non ci azzeccasse per nulla in quanto a una presunta somiglianza con il protagonista di Gioventù Bruciata, ho ripensato ancora una volta a quanto sia importante per me, da tanto tempo, l’attore scomparso. Pensavo a come solo sentire il suo nome durante uno zapping sia capace di farmi fermare e indugiare sul canale per vedere cosa si dica riguardo. E così una sua foto in un negozio, o la copertina di un giornale, un poster. Da quando avevo 16 anni James Dean mi accompagna attraverso le gioie e la noia delle giornate che scorrono intorno a tutti noi. Ripenso ai tre film che ha interpretato, a tutti i libri e gli articoli letti, ai documentari, alle foto e a tutto il resto. Per questo grande amore nei confronti dell’attore sono stato anche deriso o non capito; pensavano che esagerassi con l’idolatrare questa figura immortale. Ho anche conosciuto invece altre persone, come me, profondamente affascinate dalla sua storia, dalla sua bravura. Guardando le centinaia di video su you-tube a lui dedicati e le infinite pagine web che ne parlano ancora oggi e per di più scritte in gran parte da miei coetanei capisco quanto non mi sia mai sbagliato nel valutarlo così tanto come ho sempre fatto.
E pensavo anche che, in tutto questo tempo, non ho mai scritto manco una riga su di lui. Non so se riuscirò a mettere su carta quello che penso riguardo e se le sensazioni provate possano essere intuite da chi leggerà queste righe.
James Dean è vento forte fra i capelli. E’ una sigaretta quasi finita.
E’ un sorriso che ti prende per il culo e un po’ provoca.
E’ una sensibilità fuori dal comune.
E’ quando hai bevuto troppo e ti rendi conto che potresti fare uno sbaglio irrecuperabile da un momento all’altro.
E’ anche volerlo fare quello sbaglio e fregarsene.
E poi stare malissimo per averlo fatto.
James Dean è quando azzardi una manovra imprudente e poi pensi a quanto sei stato
idiota per averla fatta.
E’ il brivido che ti accarezza la schiena quando senti che stai volando.
E’ avere mille cose da fare e poi finire per non riuscire a farne nessuna perché la morte ti ha spaccato a metà molto prima del tempo.
Molto prima di quando sarebbe dovuto accadere.
Ma più di tutto è quel preciso istante in cui ti rendi conto che te ne stai andando e provi la consapevolezza che forse non sta avvenendo quello che avevi sempre detto di desiderare.
E’ capire che in realtà non ne hai nessuna voglia di vedere il tramonto dei tuoi giorni. Ma è troppo tardi. E non si può tornare indietro. Stai morendo.
James Dean è sorridere ancora una volta un po’ provocatoriamente e arrendersi quindi alla fine.
Ma in quel brevissimo momento appena vissuto non si può non provare la sensazione di rimorso. Perché forse volevi restarci ancora sulla terra a vedere il sole salire e scendere ogni giorno, a sentire il rumore che fa il motore quando tiri le marce.
A rispondere male a una presunta autorità. A fare l’amore con una persona che ti tradirà. A vivere aspettando perché sarà più bello dopo. A nutrirti d’ambizione.
Ma sei stato immortale solo per alcuni aspetti. Sarebbe bello che, vecchio e rincoglionito, quella pubblicità della Mercedes l’avessi girata davvero tu. Anzi no.
Ma che dico Jimmy? Molto meglio così.
Vento forte fra i capelli. Buon riposo.

WALL -E

2008-10-23T17:13:00.005+02:00

Recensioni-Libere sta per allargarsi...o meglio sono io che sto per allargarmi (si, anche fisicamente!)
Ma tutto a suo tempo, per ora gustatevi una nuova recensione doppia!
In ordine la mia e quella di Leo.
Senza altre stupide presentazioni.
A voi.

Ad aspettare un film per sei mesi ci si fa solo del male.
È una regola che qualsiasi umano dotato di cervello funzionante dovrebbe conoscere.
È come sapere che bere 2 litri di vino a stomaco vuoto ti fa rallegrare per mezz’ora e vomitare per altre cinque e ogni sabato ingurgitarne 3 litri.
Non è esattamente quel che si dice genialità (anche se per quella mezz’ora ci si fa sempre un pensierino…)
Eppure.
Eppure Wall-E io lo aspettavo da 6 mesi.
Me la ricordo la prima locandina che vidi con quegli occhioni di quel robottino quadrato che ti diceva solo: ti prego guardami, sarò il tuo prossimo cartoon preferito!
Cartoon.
Che se dici cartoon la prima cosa che ti viene in mente sono gli Animaniacs che si agitano su quella torre di non so cosa della Warner Bros: che mai nessuno ha capito perché quei tre poveri pazzi topi, gatti, puzzole…cosa sono? Debbano essere rinchiusi in quella torre quando quella sputacchiera ambulante di Daffy Duck se ne va in giro liberamente ormai da 70 anni.
Non bastano i cinesi (che almeno a casa loro le sputacchiere le hanno davvero?)
Wall E è un cartoon?
C’è qualche pazzo su questo pianeta che sarebbe capace di andar in giro a dire che “L’altro giorno ho visto quel nuovo cartoon col robottino dagli occhi dolci, Wall-E!”?
Lo conoscete?
Usatelo come piattello nella vostra prossima battuta di caccia (dalla regia mi dicono che a caccia non si usano i piattelli altrimenti i cani da caccia dovrebbero volare e i cacciatori tornati a casa presenterebbero un buon piattello spezzato alla moglie da cucinare con le patate al forno…forse sarebbe la volta buona che gli va qualcosa di traverso e la smettono di uccidere piattelli!)
Io l’altra sera al cinema non ho visto un cartoon.
Non ho visto Willy il coyote che si schiacciava con il decimillesimo masso nella valle desertica (finiranno sti massi prima o poi no?), non ho visto Bugs Bunny che mangia le carote (o era forse Clive Owen in Shootem’up?), non ho visto dell’assurda gente gialla con tre peli in testa e neppure qualche strano tipo con la faccia scubettosa e i capelli sparati in aria di qualche colore improbabile tipo viola-nero-rosso-giallo.
E per la cronaca: non ho visto neppure un ape che imita il Laureato o un Panda ciccione che fa Kung Fu.
Io l’altra sera al cinema non ho visto un film di fantascienza.
Non c’era quello stacco ormai quasi impercettibile (ma che comunque permane) tra materia esistente (gli umani) e materia fantastico-computerizzata.
Io l’altra sera al cinema non c’ero.
Ero perso in un mondo apocalittico pieno di grattacieli di rifiuti compressi insieme a un robottino curioso e tanto solo la cui unica occupazione era appunto quella di comprimere rifiuti e recuperare qualche bell’oggetto da mettere da parte per la sua collezione privata.
20093320 disegnatori, 023498 mesi di lavorazione, 77468372 schizzi, 3147832 milioni di dollari incassati, Wall-E è nato da un idea che il produttore ha avuto nel lontano 1957 quando appena nato vide una colomba che gli cagò in testa che secondo lui era molto simile a un occhio che poi blablablabla (ogni tanto mi chiedo se le pensano a casa certe storie…), potrei sommergervi di inutili notiziole da “non ho uno straccio di idea e vi metto due numeri e qualche aneddoto per arrivare ai 500 caratteri”.
Non mi interessa.
Io dico solo: emozioni.
Tristezza, gioia, malinconia, solitudine e felicità.
Di quelle pure.
Di quelle che credi di aver perso con la fine dell’infanzia e che ritrovi ammirando Wall-E che ti muove dentro con i suoi occhioni.
Non leggete più nulla, non guardate più nulla (casomai vi capiti Vincenzo Mollica che in tv vi racconta il finale provate a sputargli in un occhio), non pensate più a nulla.
Prendete la mano di chi amate e sedetevi in sala.
Ed andate a far compagnia a Wall-E.
Si sente tanto solo.

PER REGIA, GENERE E ANNO VEDERE PIù IN BASSO!
VOTO:10- (e con una seconda visione abbasso di netto il voto di ratatouille a 7,5)

WALL-E. DIO L'UOMO E IL ROBOT
di Leo
“Ho fatto un sogno che non era proprio un sogno […]
Quel possente e popoloso mondo era una massa informe,
senza stagioni, erbe, alberi, uomini, e senza vita,
un mucchio di morte – un caos di dura creta.
I fiumi, i laghi e l’oceano. Tutto era immobile
E nulla si muoveva dentro le silenziose profondità;
le navi senza marinai marcivano sul mare
e gli alberi cadevano a pezzi: una volta caduti
si addormentavano nell’abisso senza flutti;
erano morte le onde e le maree:
la luna, loro padrona, si era spenta presto,
coi venti, inariditi nell’aria stagnante
e le nubi dissolte: le tenebre non avevano
bisogno di nubi: erano loro, ormai, l’Universo”.

[Lord Byron, composta a Diodati nel luglio 1816; “Darkness” – “Tenebre”; testo italiano da “Poeti romantici inglesi”, a cura di Franco Buffoni, Milano, Bompiani, 1990, vol. II; pp. 553-557]

Le distopie* teleologiche ambientate alla fine del mondo sono comuni e diffuse in tutte le culture, e rispondono fondamentalmente alle domande “Che cosa ne sarà di noi alla fine dei tempi?”, “Che cosa ne sarà alla fine dei tempi del nostro pianeta?”, quest’ultima solo più recentemente virata in chiave ecologista in un più ‘verde’ “Che cosa accadrà al pianeta Terra con il nostro irresponsabile comportamento?”. Ora, a prescindere dalle questioni astronomiche, dal futuro ciclo vitale del Sole, che tra miliardi di anni tenderà ad implodere in una nana rossa e, prima di sparire come gigante produttore di calore, renderà la Terra inabitabile a causa dell’intollerabile caldura e della maggiore vicinanza ad esso, il tema della fine affascina da sempre gli animi umani, in particolare per quanto riguarda il lato strettamente culturale e religioso.
*= [situazione storica di una società umana fittizia in cui le premesse di benessere collettivo sono totalmente rovesciate]
Le apocalissi cristiano-ebraiche canoniche ed apocrife, nella loro etimologia greca di “rivelazione”, ci dicono già che il sapere della fine si combina con la conoscenza rivelata degli avvenimenti che la determineranno, imponendo così un punto di vista totalmente imperniato sul senso finale, sulla fine.
Che cosa ne sarà di noi, e con quale scopo allora?
La domanda è da riporre con insistenza perché la cosa più interessante è che, spesso, nelle più celebri produzioni cinematografiche – odierna riproposizione efficace di stilemi narrativi legati un tempo alla trasmissione orale, o a mezzo testo, di situazioni umane archetipiche – il senso della fine, alla fine del tempo, abdica alla condizione umana per invadere il campo dell’artefatto umano, dell’automa, del robot, dell’essere fantastico-immaginifico, raramente l’uomo.
Se un tempo i latori delle trombe della rivelazione erano angeli, ora i messaggeri delle ultime cose si radicano negli automi.
In “Blade Runner” [1982/1992+2007; Ridley Scott; USA – basato sul romanzo di Philip K. Dick Do Androids Dream of Electric Sheep? del 1968], non c’è più alcun Dio ad agire come garante della verità che il soggetto può raggiungere. Il ‘cogito ergo sum’ cartesiano affonda in un soggettivismo che non richiederebbe nulla sopra di sé; nel sistema di Descartes era però necessaria la presenza di Dio in qualità di garante ‘super partes’ del razionale. Da qui la razionale prova ontologica dell’esistenza di Dio: a) Dio è l’essere sommamente perfetto; b) la perfezione comporta l’esistenza; c) dunque Dio esiste. Rick Deckart (Harrison Ford), lo si consideri l’automa programmato per dare la caccia agli altri androidi, lo si consideri un agente umano, è comunque immobile sulla soglia della decisione del Sé, umano o no. Anche se, in fondo, qual è alla fine la differenza tra i due termini del problema, tra l’organico e il sintetico, se è possibile amare ed avere ricordi, avere coscienza di sé, del proprio atto che è nel tempo, una faccenda tra il presente e la decisione che comporta il fare una determinata operazione? Se Deckart può amare Rachael (Sean Young), e avere memoria di sé che in quanto amante ed amato, che differenza fa l’essere o non essere ‘umano’?
Dice Roy Batty (Rutger Hauer):
“Io ne ho viste cose che voi umani non potreste immaginarvi. Navi da combattimento in fiamme al largo dei bastioni di Orione. E ho visto i raggi B balenare nel buio vicino alle porte di Tannhauser. E tutti quei momenti andranno perduti nel tempo come lacrime nella pioggia. È tempo di morire.”
Ecco come il garante finale della memoria umana si configuri in ultima istanza come non-umano – ma nemmeno divino!
Nel XVII e XVIII secolo le carenze del sistema razional-teologico cartesiano erano apparse evidenti.
Scrisse Pascal di Cartesio, avendo avvertito il rischio che correva la legittimazione della fede: “Non posso perdonare a Descartes [sic]. Avrebbe pur voluto, in tutta la sua filosofia, poter fare a meno di Dio; ma non ha potuto esimersi dal fargli dare un colpetto per mettere in movimento il mondo: dopo di che, non sa che farsi di lui”. [“Pensieri”, brano 77, Torino, 1962, p. 21]. Cartesio non era minimamente contrario alla fede, ma il suo sistema era un colpo mortale per essa, ed un punto a favore delle molteplici forme di ateismo – spesso in conflitto tra loro – e del materialismo meccanicista.
La Mettrie intitola “L’Homme-machine” un suo testo del 1747.
«Il corpo umano è una macchina che trova in se stessa l’energia», scrive il medico La Mettrie, “ma una macchina di una complessità straordinaria, in grado di produrre vita, sentimento, pensiero” [cit. da Minois, G., “Storia dell’ateismo”, Roma, Editori Riuniti, 2001; p. 404-405]. Allora che differenza fa un automa capace di ricordare, di provare sentimenti e magari di generare altra “vita” meccanica a confronto con un ‘uomo’?
La strada è tracciata.
Il mondo iper-tecnologico dei due lungometraggi di “Ghost in the Shell”, opera di Masamune Shirow, non è altro che una elegante e raffinata variazione sul tema: biologia come forma superlativa di tecnologia e anima come elaborato software, con nel mezzo tutte le possibili ibridazioni del caso [“Ghost in the Shell”, 1995; “Ghost In the Shell: L’attacco dei cyborg”, 2004; entrambi regia di Mamoru Oshii, soggetto di Shirow Masamune; Giappone].
Un punto interessante ora lega alchimia e mistica al senso della vita, alla sua creazione ex nihilo.
Nel 1684, Darmanson pubblica il testo “La bête transformée en machine”, in cui difendendo Cartesio afferma l’evidenza che Descartes fosse favorevole alla fede giacché negava la sensibilità degli animali; se soffrissero Dio sarebbe in fondo colpevole della loro innocente sofferenza, poiché essi non furono partecipi del Peccato Originale. Eppure, privi di anima immateriale e mortale, ma dotate di coscienza, non potrebbero essere exempla della situazione dell’uomo? Occorre precisare che le altre posizioni dell’epoca si distanziano assai da tale concetto e Gassendi, Maignan e l’abate Villiers, con tutte le differenze che intercorrono tra i loro pensieri e limitandoci alla Francia, attribuiscono agli animali un’anima (talora immateriale, talaltra immortale; talvolta entrambi gli attributi). La Chiesa sarà sempre scettica nei confronti della tesi “animale=macchina” [cfr. Minois, G., op. cit. ; p. 234].
Se l’uomo insegue la creazione della vita e la ricerca dell’anima, l’alchimia è l’incontro tra tecnica spirituale e tecnica profana. L’uomo ha gettato la Creazione intera nella prostrazione del peccato originale, condannandola alla sofferenza e all’allontanamento dalla divinità; la pratica alchemica allora mira a ricondurre ad unità la spezzata armonia, alla redenzione del Creato intero. Operando sulla materia, trasformandola, salvo me – e l’umanità – attraverso l’Opera, e salvo la materia stessa dalla Caduta dal Paradiso causata solo dalla stolta coppia dei primordi.
La giustificazione teologica spezza le remore dell’hybris laicamente intesa, del tracotante orgoglio umano di poter creare la vita.
Il Golem, “l’amorfo”, l’Adamo (=etimologicamente, la “terra rossa”) originario ancora proto-umano, e solamente in un secondo tempo l’essere archetipico del robot (dal ceco ‘robota’, lavoro), homunculus rabbinico e nesso tra alchimia cristiana e studio della kabbalah, entra prepotentemente in scena. La sua creazione non ha scopo pratico, se non quello di provare la potenza di Dio. Assolvente la funzione di lode al Signore, viene – spesso – immantinente dissolto.
“La creazione del Golem comporta dei pericoli, anzi come tutte le grandi creazioni mette a repentaglio la vita; […] i pericoli non provengono da lui, ma piuttosto dall’uomo stesso […] dalla tensione che il processo provoca all’interno dello stesso autore […]. La minaccia da parte del Golem che s’incontra nelle leggende posteriori è una profonda trasformazione della concezione originaria […]” [Scholem , Gershom, “La kabbalah e il suo simbolismo”, Torino, Einaudi, 2001; pp. 239-241]. Dalla situazione del Golem si evince un terzo fattore di interesse: l’afasia, l’incapacità di parlare linguaggio umano. Seppure tale condizione non sia universalmente accettata dalle fonti, è da notare, come nota Scholem a nota di un testo da lui commentato, che “il Golem non è incapace di parlare per sua natura, ma solo nelle condizioni attuali, in cui l’anima dei pii non è più pura” [Scholem, op. cit., p. 243].
Nel mondo di Wall•E i pii non sono più puri.
Nel mondo di Wall•E gli automi non parlano.
Gli umani sono stati (lo sono adesso?) devastati dall’incapacità di mantenere una relazione stabile con l’ecosistema. Hanno violentato la Terra, sommersa di immondizia e rottami. Hanno fallito. Le macchine, hanno provocato quel rischio da cui Scholem mette bene in guardia: l’inflazione psichica del soggetto, il sentirsi prima che ‘uomo’ il ruolo che si ricopre, il lavoro che si fa. “L’identificazione con l’ufficio o col titolo ha perfino qualcosa di seducente, sicché molti uomini non sono nient’altro che l’ufficio concesso dalla società, [seducente perché] rappresenta un comoda compensazione delle insufficienze personali” [Jung, C. G., “L’Io e l’Inconscio”, Torino, Bollati Boringhieri, 1967, ed. orig. 1928; p. 50-51]. Gli umani si sono crogiolati sotto le vane e vuote promesse del futuro e delle comodità. Sarebbe vano cercare un uomo pensante, una personalità nel mare dell’omologazione, nel gregge di caricature antropomorfe del mondo di Wall•E, perché “dietro la gran gonfiatura si troverebbe solo un miserabile omiciattolo” [Jung, C. G., op. cit.; p. 50].

“[…] Nel panorama avvizzito non c’era nulla che si muovesse. Niente agitava la pianura sabbiosa, rena disintegrata di fiumi da molto tempo asciutti nel cui solco, un tempo, eran corse le acque della giovane terra. C’era ben poco verde in quel mondo arrivato alla fine, ultimo stadio della presenza umana sul pianeta. Per innumerevoli cicli siccità e tempeste di sabbia avevano sconvolto le terre” [“Finché tutti i mari…”/”Till A’ the Seas…”, di H. P. Lovecraft, in collaborazione con Robert H. Barlow, 1935; “Tutti i racconti 1931-1936”, Milano, Mondadori, 1992; p. 593].
“Waste Allocation Load Lifter Earth-class”: l’acronimo del nome del robot protagonista, una sorta di sollevatore di carichi di rifiuti, dimenticato da 700 anni solo sulla Terra a ripulire dalla spazzatura quella che appare come una città statunitense, ma che potrebbe benissimo essere il centro di una qualunque altra megalopoli del globo. Imperterrito, continua il lavoro, ignorando che la sua missione è da tempo inutile, obiettivo ormai dichiarato irraggiungibile. Lavora, come l’Adamo condannato a guadagnarsi la vita con il sudore della fronte, lavora come indica il neologismo ‘robot’, ricalcato sul ceco “lavoro”, come un alchimista all’Opera.
Solo così ha potuto apprendere ed imparare i comportamenti umani, tramite VHS e spezzoni di films retrò. Solo così ha imparato la forza redentrice dell’amore. Solo così potrà insegnare alla robot EVE (“Extraterrestrial Vegetative Evaluator”, Esaminatrice di vegetazione extraterrestre), compagna dell’Adamo terrestre, ad amare e ad amarlo. Solo così ha potuto redimersi.
Per gli umani non c’è più speranza. Obesi, condannati ad un esilio dorato su di un’astronave proprietà di una multinazionale che li ha soggiogati secondo una logica alla “Brave New World” (“Il Mondo Nuovo”; Aldous Leonard Huxley, 1932), impedendo loro di pensare, di vedere con i loro occhi l’abominio che si sono permessi di diventare, schiavi di bibite gassate e telecomunicazioni digitali, schiavi delle loro macchine. La speranza dell’umanità più pura risiede nel cuore di un automa, erede della Terra.
La meticolosità – ma non certo l’ingenuo ottimismo – di Wall•E nel programmare, per 700 anni, la propria condotta di vita, riporta alla mente il Robert Neville di “Io sono leggenda”:
“Più tardi, si impone di andare in cucina per eliminare nel tritarifiuti le immondizie accumulate in cinque giorni. Sapeva di dover anche bruciare i piatti di carta e le posate, di dover spolverare i mobili, lavare i lavandini e la vasca da bagno e il water e di dover cambiare le lenzuola e la federa del letto; ma non ne aveva voglia. Perché era un uomo ed era solo, e queste cose per lui non avevano più importanza” [Matheson, Richard, “Io sono leggenda”, Roma, Fanucci, 2005; p. 13 – già brillantemente recensito in questa sede da Deneil]. Persino il compagno di Neville – il cane bastardo bianco, marrone e macilento del libro/il prode pastore tedesco del rifacimento cinematografico con Will Smith – ha una contropartita nello scarafaggio compagno di Wall•E.
Eppure c’è qualcosa che resta nelle pieghe della memoria, qualcosa che non si riesce a districare,che si impiglia ripetutamente e con ostinazione: perché in tutte le ultime distopie cinematografiche sul futuro, la parte del redentore positivo o del ‘deus ex machina’ è sempre di un non-umano, di un super-umano o di un uomo che per determinate caratteristiche è al di sopra (o al di sotto) dell’espressione umana, quasi a ricalcare quell’angelo messaggero dei primordi? Perché questa profonda negatività connaturata all’ontologicamente malvagio (o al più superfluo) uomo?
“Le stelle continuavano a girare, il disegno indifferente sarebbe continuato per epoche ignote e infinite. La fine di quel trascurabile frammento non importava affatto alle nebulose lontane o ai soli neonati, fiammeggianti e moribondi. La razza umana, troppo fragile e passeggera per avere un’autentica funzione e scopo, era come se non fosse mai esistita. A questa conclusione avevano portato i lunghi millenni della sua evoluzione, laboriosa fino al ridicolo” [Lovecraft e Barlow, 1935; op. cit., p. 602]. Millenni per arrivare a tenere in mano un telecomando e una lattina di bibita gassata.
Il bene impersonato da un robot: proiezione esterna su materiale inerte della umana intrinseca bontà? Non credo; esternazione di qualità che si vorrebbero avere, ma che si sa di non poter possedere, su un totalmente altro che alla fine risulta essere più umano, ed immensamente più puro, dell’uomo.

Wall•E è un film per far riflettere, e per il momento il capolavoro del cinema d’animazione; Wall•E, e la sua compagna EVE, sono gli unici umani del film capaci di umani sentimenti. Anche quando sarà surclassato per tecnologia da altre vibranti prove d’animazione digitale, resterà un film tra i capolavori. Perché il contenuto, il senso del bello e l’amore non cambiano mai.

REGIA: Andrew Stanton [Pixar Animation Studios]
ANNO: 2008
GENERE: Animazione [mai definizione ad etichetta fu più restrittiva]
VOTO: 10
QUANTO è PURO QUESTO FILM: 10 [a tratti, nei momenti migliori, mi ha ricordato “Stardust”; ma “Wall•E” è più maturo, senza nulla togliere al film tratto dal romanzo per ragazzi di Neil Gaiman; non mi dilungo sulle tonnellate di citazioni sparse nel film, dai giocattoli in rottami di “ToyStory”, alla lampada Luxo Junior del primo cortometraggio animato firmato Pixar, a “2001: odissea nello spazio”, etc…Degna di nota la canzone dei titoli di coda di Peter Gabriel, l’animazione vibrante degli stessi, e il simpatico, ma che nulla toglie od aggiunge, sketch “Presto”, un piccolo omaggio ai cartoni animati di Hanna & Barbera, posto con giudizio prima dell’inizio del film. Il film è dedicato a Justin Wright, un animatore degli Studios – che ha lavorato al cortometraggio “Presto” – venuto a mancare nel 2008 a soli 27 anni]

> POST SCRIPTUM per chiarire brevemente la possibile votazione dei titoli tralasciati e/o citati:
- Blade Runner: 10
- Ghost in the Shell: 8+
- Ghost in the Shell: L’attacco dei cyborg [Innocence]: 8/9

IL FANTASTICO DISINCANTATO DI GUILLERMO DEL TORO

2008-10-10T15:10:00.006+02:00

Il motto di recensioni libere: Poche ma buone

DI LEO!

“Gli uomini hanno dimenticato i loro dèi e distrutti i sogni. Ma per che cosa? Parcheggi e centri commerciali”. Principe Nuada, “Hellboy. The Golden Army”

Del Toro è perfettamente consapevole del disincanto weberiano/gauchetiano del mondo. La modernità uccide quella quintessenza totale che lega indissolubilmente il sacro ed il profano in un unicum senza continuità. L’ontologia arcaica è tutt’uno, teoria e pratica, credenza e rito. La modernità e la ragione sezionano, classificano ed analizzano; è giusto che sia stato così, come movimento/momento storico della presa di coscienza moderna del mondo. Ma non possiamo non sentire talvolta, sepolta sotto i nostri lavori, i nostri sogni, le nostre passioni, i nostri passatempi e hobbies, quella nostalgia delle origini che bussa da lontano, quella chiamata all’unità che ci spinge nella fulgida creazione o nella disperazione depressiva.
Del Toro lo sa, per questo fa dire alle sue creature le parole dell’incipit.

L’elfo Nuada di “Hellboy. The Golden Army” è la controparte di tutto l’attuale sistema, che relega all’interpretazione psicanalitica i sogni notturni, nelle cui pieghe ancora si agitano le risposte a problemi di interazione con gli altri (o con l’Altro principale, il Sé) o i sintomi di nevrosi parossistiche, un tempo covati a lungo nelle notti sotto le stelle, e tempo dopo, nel mondo tardoantico, attesi e propiziati secondo la volontà degli dèi nei templi ad essi adibiti, secondo la tecnica dell’incubazione onirica. Si aspettava ancora un segno, in quell’epoca in cui già si affacciava l’allontanamento di Dio, del Cielo, dall’orizzonte dell’intelletto umano, e si voleva ancora un’indicazione, un cartello sul sentiero da percorrere.
Voglio ricordare questa commovente testimonianza, proveniente da Talmis, in Nubia e risalente all’epoca imperiale romana:
“Signore che lanci i tuoi raggi, Mandulis, Titano, Makareus, avendo veduto dei segni luminosi del tuo potere, ho riflettuto ed ho esaminato con cura la cosa, volendo sapere con certezza se tu sei il Sole. Mi sono reso straniero a ogni vizio, a ogni trascuratezza verso gli dèi e sono rimasto casto durante lungo tempo, ho offerto come è prescritto l’incenso del sacrificio secondo le regole della pietà divina; e avendo ottenuto una visione, ho trovato la pace nella mia anima [Così A.-J. Festugière, 1950; opp. tradotto sensu Bernard, 1969,“[…] questa notte mi sono addormentato a causa della mia pietà verso gli dèi e, avendo ottenuto una visione ho compreso”; cfr. Sfameni Gasparro, G., Oracoli, profeti e sibille, Roma, Las, 2002; pp. 52-53].
La mantica del sogno, la divinazione attraverso l’interpretazione dei semi divini presenti nell’universo onirico, insomma le tecniche dell’oniromanzia erano una prassi comune in un mondo in cui la rivelazione era l’unico mezzo per attingere la conoscenza della verità divina e sulle altre realtà, e così sopravvivranno anche in ambito cristiano (si veda ad es. Tertulliano).

Oggi no, oggi la “tecnica” ha smembrato l’unità primordiale del Tutto dell’uomo arcaico. Non è un j’accuse, né può esserlo. Sarebbe assolutamente anacronistico ed inutile. Rilevo solamente che la restaurazione non è possibile: troppa acqua sotto i ponti, troppo tempo. Le umane sorti progressive però non possono fare a meno della constatazione che al venir meno dell’unità, prima di poter individuare un nuovo centro etico dell’Io (come auspicava Freud), corrisponde innanzitutto un vuoto, la cui vacanza del pieno originario (l’ontologia primigenia cultural-religiosa) è riempita da tutte le possibile paranoie, nevrosi e psicosi dell’età moderna. Ma le possibili risposte elaborate tra ‘800 e ‘900, la scienza, la psicanalisi e la rivoluzione (da entrambe le sue sfumature politiche) sono strettamente “cristiane” ed hegeliane: prevedono un passato, da cui riscattarsi (rispettivamente, perché sono fonte del peccato originale, dell’ignoranza, della rimozione psicologica o dell’oppressione politica), un presente che è antitesi (opera in vista della redenzione, dittatura, ricerca in vista del progresso), un futuro che è teleologicamente inteso come salvezza (sconfitta dell’ignoranza, utopia sociale, risoluzione del complesso e liberazione dalla colpa; e, ovviamente, venuta del Cristo trionfante e fine ultimo della Storia). A complemento di quanto già esposto da Umberto Galimberti verrebbe da chiedersi in quale misura tale sistema “hegeliano” non sia in realtà una costante dell’uomo in generale, piuttosto che solamente un’eredità della cultura cristiana.

Comunque stiano gli elementi del problema, nel mondo della tecnica, l’etica può essere accantonata, e volgendo al negativo Kant, “gli uomini diventare i mezzi per altri fini”. È più semplice, per la “tecnica”, adeguarsi all’azienda per ottimizzare piuttosto che andare incontro al singolo. Hans Jonas scrisse ad Heidegger, dopo essere fuggito dalla Germania ed aver accettato un posto di lavoro alla Ford, che laggiù non poteva essere “pastore di uomini”, ma vigilando sulla produzione meccanizzata dell’industria automobilistica, poteva al più mutarsi in un “pastore delle macchine”.
Indietro non si torna, e sarebbe peraltro controproducente. Però una nuova etica latita.

Del Toro lo sa, e sa che la lotta contro la modernità è del tutto inutile. Blade lotta senza pietà contro la sua stessa natura di vampiro (il “Diurno”, gli opposti coincidono: vampiro-lato notturno/impulsivo & uomo-lato diurno/razionale) e contro i resti nascosti di notturne società vampiresche. Cosa fa se non lottare contro i resti di superstizioni passate, se non abbattere l’ultimo scoglio di fantastico? Eppure egli stesso sente in sé il dilemma della sua doppia natura, metaforicamente di uomo appena uscito dalle brume del passato per volgersi alla modernità recente – cosa sono duecento-trecento anni al più contro i milioni di anni della specie umana?
[“Blade II”; USA 2002; Wesley Snipes, Kris Kristofferson, Ron Perlman, Leonor Varela, Norman Reedus, Thomas Kretschmann, Luke Goss].
Eppure come già ben sapeva agli inizi, ciò che viene relegato nell’inconscio, volontariamente scotomizzato (cioè rimosso con coscienza di farlo) oppure rimosso a forza dall’alveo della psiche diurna – che non può permettersi di accettare l’indifferenziato del Tutto ante-creazione della coscienza e ripiombare nel diafano mondo dei feroci sentimenti e delle passioni furenti – ciò che, dicevo, risultava gettato nello strapiombo del dimenticatoio, tende immancabilmente a tornare, in periodi di crisi. D’altronde, quando si è depressi, non si è forse più soggetti ad attacchi virali, a malattie, essendosi abbassato il livello delle difese immunitarie?

Ed ecco magicamente riemergere dal lungometraggio “Mimic” e dalle fogne gli insetti, gli scarafaggi – simbolo culturale privilegiato della degradazione – sotto forma di camuffati umani, grazie alle contaminazioni genetiche, incubi in chiave moderna della kafkiana metamorfosi della regressione dell’uomo a mero numero d’una moltitudine – erano i tempi della caduta dell’Impero asburgico, il preludio a quella I Guerra Mondiale che infrangerà il mito della Belle Epoque e della convivenza pacifica, che ucciderà civili, devasterà città e schiaccerà sotto una titanica burocrazia statale il singolo. Ricordiamo: un insetto – che però dava la vita eterna – era già presente in Cronos, già recensito qui da Deneil tempo addietro
[“Mimic”; USA 1997; Mira Sorvino, Jeremy Northam, Alexander Goodwin, Giancarlo Giannini, Josh Brolin, F. Murray Abraham].
“L’enfer c’est les autres” scriveva Sartre come battuta sagace per il suo Garcin in “Huis Clos”. E l’uomo, homo homini lupus, o almeno il suo divenire, è infernale se privato a forza della metà “fantastica”.

Prendendo spunto dal pluripremiato fumetto di Mike Mignola “Hellboy” (edito dalla Dark Horse; l’autore è anche autore del soggetto del secondo film tratto dalla sua creatura di carta), Del Toro ne stravolge le delicate trame intellettuali, lovecraftiane e folkloriche, per approdare a ciò che maggiormente gli preme: il grottesco e l’occultismo vengono deviati verso uno humor nero che permea il film. Non riesce appieno quello che era successo con il Blade creato dalla mente di Mary Wolfman e Gene Colan, almeno se ci aspetta il tono del fumetto. No, a Del Toro interessa il fantastico e non l’occulto, il grottesco e non il raffinato, il grandguignolesco piuttosto che i dèmoni per quello che appaiono non per ciò che significano, allentamenti nella rete del reale piuttosto che veri e propri buchi nel muro.
Dice nell’intervista pubblicata su “Specchio+” de “La Stampa” il 22/09 [“Guillermo Del Toro. Io ballo coi mostri”, di Giulia D’Agnolo Vallan]: “Molti pensano che il cinema sia la riproduzione di una sceneggiatura, invece per me è la rappresentazione di ciò che non può essere verbalizzato – un quadro, un’illustrazione in movimento. […] Come credo dica Magritte, il bello dell’arte sta nell’evocare il mistero, non nel risolverlo”. Così diceva, più o meno Magritte, e così lo rendeva icasticamente Lucian Blaga, uno dei grandi poeti della letteratura romena (1895/1961): Lumina altora / sugrumă vraja nepătrunsului ascuns / în adîncimi de întuneric, / dar eu, / eu cu lumina mea sporesc a lumii taină [da ‘Poemele luminii’, 1919 – trad. di M. Cugno: “La luce degli altri / estingue la malìa dell’imperscrutabile / che in abissi di tenebra si cela, / mentre io, / io con la mia luce accresco il mistero del mondo”]. La miscela di Del Toro non prevede fede assoluta nel meraviglioso (e qui sta la sua differenza con Tolkien o con Lewis, tra i tanti possibili esempi), ma sceglie una via razionale al fantastico, un po’ come faceva Lovecraft – ma quanta differenza!: “Altro che simboli! Io sono intellettualmente e spiritualmente eccitato dalle “creature” in quanto archetipi essenziali. Quando rifletto sulla decadenza della razza umana mi consolo pensando che siamo gli unici a sognare gargoyle e angeli. Cosmicamente insignificante, ma magnifico!” [Da “Specchio+” cit.]. Allora, cominciamo ad ottenere un buon quadro di riferimenti per poter comprendere il senso delle realizzazioni cinematografiche di Del Toro.
Ma nella sua miscela gli riesce qualcosa di eccezionale. La leggerezza che dimostra sa di potenza espressiva che, seppur ridotta ad uso e consumo iconografico, è il risultato laborioso di metabolismo e commistioni tra generi. In pratica, solo al cultore di horror Peter Jackson poteva riuscire il fantastico-epico “Signore degli anelli”, seppur più serio nella resa, e così solo a Del Toro poteva riuscire “Il labirinto del fauno” e “Hellboy2”…e non a caso Del Toro ha accettato di girare la pellicola prodotta dalla New Line Cinema di Jackson, il “prequel” tolkieniano “Lo Hobbit”.

“Hellboy2” interviene là dove il primo film non aveva del tutto centrato, cioè il fantastico. Accetta indecorosamente (per gli amanti dell’opera di Mignola) di calarsi appieno nel contesto del disincantamento gauchetiano del mondo odierno e di rispondere all’inevasa domanda: dove vanno a finire le divinità in cui tanto s’era creduto un tempo se non sono più tenute in vita dalle preghiere, dalle paure, dalle lodi dei fedeli, dei credenti? Neil Gaiman aveva già risposto a questa domanda nello splendido romanzo “American Gods” – pieno di citazioni dalla sua decennale esperienza con “Sandman”, fumetto di punta della Vertigo tra fine degli ’80 ed i ’90 – e nel fumetto illustrato recentemente da John Romita Jr. “The Eternals”, edito dalla Marvel ed apprezzatissimo da Stephen King, che a lato della brutta copia della sceneggiatura di Peter David operata sulla resa grafica del suo “La Torre Nera” (“The Gunslinger Born”, Marvel) scrisse: “Oh – and “The Eternals is terrific too – of course it’s Neil”) [cit. in “La lunga via del ritorno. Stephen King – La Torre Nera”, vol. 3 di 4, sett, 2008, ed. Panini Comics-Marvel Italia].
Muoiono, spariscono, latitano le dimenticate divinità dei tempi che furono? Tentano di sopravvivere? E se combattessero l’umanità?
Battaglia persa, solo il figlio infernale resiste, l’Hellboy, in virtù della sua appartenenza all’ultima religione vincente venuta, seppur in debito della sua metà rivolta al Male – il cristianesimo.

E il fantastico meraviglioso (nella sintesi todoroviana) è anche la cifra de “Il labirinto del Fauno”, ambientato nella Spagna franchista del 1944. Una bambina cerca di opporre viva resistenza al male umano che ha intorno creandosi – o vivendolo? – un mondo immaginifico che riflette le sue angosce sul futuro, che distorce in chiave funambolica gli exploits demoniaci degli uomini che uccidono e si uccidono, da una parte e dall’altra. Eppure un male fantastico è così puro nella sua fissità da favola, da morfologia proppiana, da eterno ritorno degli schemi archetipici delle creazioni umane religiose e folkloriche che, nell’occhio della cinepresa di Del Toro, tutto riesce di gran lunga preferibile al senso inesatto e in fieri della violenza umana. Dice ancora Del Toro: “[sia Hellboy2 che “Il labirinto del fauno”] raccontano di come volgari vicende umane mettano in pericolo le più sublimi creature dell’immaginazione” [In “Specchio+” cit.].
[“El laberinto del fauno”; Sp.-Mex. 2006; Sergi López, Ariadna Gil, Ivana Baquero, Maribel Verdú, Doug Jones, Álex Angulo, Roger Casamajor, César Vea]
Il fantastico di Del Toro si manifesta come variante del fantastico meraviglioso di Todorov, in quanto rappresenta già a priori una uscita dai canoni del reale e sfocia volentieri nel meraviglioso tout court (“Hellboy”), evitando, o procrastinando, il momento dell’indecisione (“quello che sta accadendo è reale o no? Se è reale è stato un sovvertimento momentaneo delle leggi fenomeniche del reale? Altrimenti, ergo, sto già vivendo nelle leggi altre di un mondo altro, non la Terra…”).
“Il labirinto del fauno”, eccettuando talune imprecisioni (specialmente nella resa grafica del re-rospo), si pone come la pietra di paragone per un fantastico più tradizionale, in cui le leggi non sono sovvertite (se non nell’explicit), poiché la convivenza tra i due piani appare congruo rispetto all’età della protagonista, che non vive il reale ed il fantastico come situazioni contraddittorie.
Nota a latere: Doug Jones – il mimo di Abe Sapien nei due ‘Hellboy’ – e Ron Perlman – il monaco Salvatore ne “Il nome della Rosa” di J.J. Annaud con Sean Connery – sono i due attori feticcio-simbolo della filmografia di Del Toro. Appaiono quasi ovunque, sempre con grande professionalità, anche se Perlman come Hellboy gigionneggia sovente troppo, mentre Jones è impeccabile nella sua multiforme attività di scena.

> Scene da segnalare in “Hellboy2”:

a) la scena iniziale, un cortometraggio nel film, la favola da padre a figlio della creazione dell’armata d’oro, degli elfi e dei goblin, in puro stile teatro delle marionette di legno, totalmente creata in CGI: talmente retrò da risultare commovente, sapore epico à la Tolkien.

b) l'uccisione dell'elementale dio della foresta cfr. le divinita' mana che immolate e seppelliti i loro pezzi del corpo fruttificano e danno vegetazione e frutta/verdure all'uomo…

c) il mercato dei Trolls: magnifico...ogni personaggio meriterebbe un articolo. Segnalo tra i tanti, il lovecraftiano suonatore di flauto intravisto in un paio di secondi; suona un uomo con un flauto scavato nella carne. Folle ma non horror come potrebbe sembrare, fantastico ma non splatter.

d) l'ingresso irlandese con il goblin/leprecauno sciancato: splendido; una bella citazione del Neil Gaiman di "American Gods" (il libro) e "Mirrormask" (il film) nella resa del gigante di pietra che s'alza da terra.

e) l'Angelo della Morte e il giardino zen tra sabbie e pietre in cui, cieco nel volto, traccia inesorabili destini sulla sabbia, e il cui attore e' lo stesso di Abe, il bravissimo mimo Doug Jones. Da notare le decine di occhi sulle ali; oltre che ad un passaggio religioso indiano, mi vengono in mente anche “Le nozze chimiche di Christian Rosenkreutz” Il primo riguarda la pena comminata ad Indra, divinità del panthoen induista, a seguito della seduzione della moglie di Gautama Maharishi, per cui avrebbe avuto il corpo volgarmente ricoperto da organi sessuali femminili. La pena fu in seguito commutata in occhi disposti a migliaia sul corpo, grazie alla mediazione di Brahma. Da qui l’onniveggenza quintessenzale allo statuto di Divinità (i mille occhi). Già scrissi altre righe sulla comunanza tra l’occhio e gli elementi psico-sessuali, scaturite dalla riflessione sull’Occhio di Sauron nella recensione su “Il Signore degli Anelli”, a cui rimando senza dilungarmi troppo qui.
Nel secondo caso, proprio all’inizio dell’alchemica ricerca del protagonista (“I giornata”) abbiamo un angelo annunziante le cui ali sono assolutamente equiparabili a quelle rappresentate nel film:
“[…] e vidi allora un donna stupenda indossante una tunica blu delicatamente ornata, come il cielo, di stelle d’oro. Nella mano destra stringeva una tromba dorata su cui era inciso un nome […]. Nella mano sinistra teneva un pacco di lettere, scritte in molteplici lingue[…]. Aveva delle ali belle e grandi, totalmente ricoperte di occhi, con cui poteva librarsi in alto e volare più veloce dell’aquila.” [Johann Valentin Andreae, Le nozze chimiche di Christian Rosenkreutz, a cura di Elsa Aichner, Milano, SE, 2006, p. 11].

f) Il dott. Johann Krauss dice indispettito al termine del film: “You can suck my ectoplasmic schwanzstucker!” / ”Mi succhi il mio ectoplasmico schwanzstucker!”. Ebbene, è una divertita citazione dal celeberrimo “Frankestein Junior” di Mel Brooks (1974)…quanti l’avevano riconosciuta?

Forse Del Toro non lo sa, ma nel suo cinema c’è molto più di quel “cosmicamente insignificante” di quanto non pensi, e questa simbologia – poi non così “insignificante” – affonda la propria grandezza nel sapersi nutrire di religione, mistica e simbologia. Benvenuti nell’evanescente, onirico e fantastico mondo di Guillermo del Toro…

REGIA: Guillermo Del Toro
GENERE: Fantastico meraviglioso, Fumetti

Blade II
Anno: 2002
Voto: 7+

Hellboy
Anno: 2004
Voto: 7

El Laberinto del fauno
Anno: 2006
Voto: 8/9

Hellboy. The Golden army
Anno: 2008
Voto: 8 ½

HANCOCK

2008-09-14T15:21:00.003+02:00

Leggi le critiche oltreoceaniche di “Hancock” che ti dicono: ma va è una merda, ma chi lo voleva un film del genere, e noi (critici sotto le mentite spoglie di gente comune che va al cinema) che pensavamo stesse arrivando il non plus ultra del cinecomics (che guarda quanto son figo, sono un critico gggiovane e uso il termine cinecomics) e invece ci ritroviamo con un inutile blockbusterone con Will smith protagonista che si è bravo però potrebbe scegliere le pellicole con più attenzione perché poi magari gli incassi stratosferici di ogni suo film negli ultimi due anni cominceranno a calare e allora saranno guai per lui.
Leggi le critiche oltreoceaniche di “Io sono leggenda” e siam di nuovo li: ma va noi (critici stravecchi sotto le mentite spoglie di gggiovani che usano il termine cinecomics) ci aspettavamo il nonplusultra del genere apocalittico e invece va che schifo sto blockbusterone con il finale accomodante con Will Smith che si è bravo però potrebbe scegliere le pellicole con più attenzione perché poi magari gli incassi stratosferici di ogni suo film negli ultimi due anni cominceranno a calare e allora saranno guai per lui.
Leggi le critiche del prossimo blockbuster con Will Smith che incasserà una marea di dollaroni (e euroni) e dove Will Smith darà ulteriore prova del suo talento e sei sicuro che ti troverai davanti la stessa identica minchiata fritta e rifritta di critici frustrati che evidentemente non hanno nulla da fare che prendersela con un tale di colore che evidentemente ha fatto troppo successo per le loro menti deviate dal ping pong cinese delle Olimpiadi (avete presente quei tizi che vestono divise improbabili e assurdamente decorate con dragoni e creature straordinarie che con facce impegnate ai limiti del ridicolo si apprestano a colpire una pallina minuscola su un campo minuscolo all’interno di un palasport gigante che mi chiedo sempre che cazzo può capire quello in piccionaia di sti due besughi che si muovono come grilli attorno a un tavolino da the (rigorosamente al gelsomino essendo cinesi) colpendo una pallina che da quell’altezza è impossibile vedere).
Poi vai al cinema con la tua dolce metà avvertendola che “guarda che magari è una minchiata quindi non esaltiamoci troppo per i divertenti trailer” e ne esci entusiasta.
Non è che esci e dici: carino…
No.
Esci e sei li che saltelli esclamando (il verbo esclamare credo sia usato in Italia da me e da qualche maestra delle elementari quando corregge i temi dove sta scritto in 10 righe 20 volte “dice” con notazione al fondo dove sta scritto: bene il tema ma attento alle ripetizioni): bello bello bello!
E ti viene il dubbio.
Che i critici oltreoceanici forse sono solo una sorta di entità fisica creata a doc da un regime totalitario folle che sembra voglia distruggere i film con Will Smith (con una motivazione peraltro accettabile dal 90% della popolazione invidiomerdosa mondiale: sta avendo troppo successo) ma che in realtà stronca le varie pellicole con Smith protagonista sapendo che l’uomo comune dotato di cervello (soprattutto se europeo) non darà mai retta alle parole di certi signori altolocati e si recherà anzi al cinema a vedere le suddette pellicole soltanto per uscire e dire: ma son proprio dei coglioni sti critici del cazzo.
È ovvio che a un pensiero del genere ne seguirà un altro: ma chi ha permesso a gente del genere di diventare critici cinematografici? Potrei andarci io per tanto così!
Ed ecco quindi una esplosione delle iscrizioni a scienze delle comunicazioni in Italia con una marea di aspiranti critici, pubblicitari (convinti dopo aver visto per la milionesima volta Richard “mi tiro ancora un po’ la faccia e divento un culetto di bimbo a 80 anni” Gere che se ne va in Tibet a mettere le mani sulla sabbia con un bimbo che nulla può grazie alla sua Lancia “non so che”) e giornalisti (che una volta visto Del Noce che stampa baci in bocca a tutti, l’altro giorno mi son beccato un iguana che entrava a Palazzo Nuovo per il test di ammissione a Scidecom).
Ed ecco quindi che dopo aver piazzato gente nei posti più improbabili (a stampare lettere per gli abbonamenti di Focus) Scienze della comunicazione in Italia esplode e si ritrovano tutti con un bel pezzo di carta in mano, molto foxy per intenderci.
Ed eccolo attuato il malefico piano dei falsi critici cinematografici oltreoceano.
E mentre Deneil si rende conto di tutto ciò si rende anche conto che da tempo un film sui supereroi non lo faceva uscire così soddisfatto.
Se non fosse che Hancock non è un film sui supereroi, non è uno sbrodolante cinecomics e non necessita quindi di sto cazzo di ultracattivo che in tutte le recensioni lette tutti incitano a gran voce (il solito meganemico con la solita genesi e blablabla).
Hancock è un Dio.
E in quest’epoca di credenze tanto alte quanto evanescenti viene indicato come un supereroe.

What if God was one of us
Just a slob like one of us
Just a stranger on the bus
Trying to make his way home

E se dio fosse uno di noi?
Voi sapreste immaginarlo nero, perennemente ubriaco, irritabile e spaventosamente solo?
E se Hancock fosse davvero un buon film?
Voi sapreste immaginarlo con protagonista un Will Smith strepitoso come al solito, una Charlize Theron perfetta nel suo ruolo (evito spoiler mostruosi perché vi voglio bene!) e una sceneggiatura ben scritta anche nella sua superficialità?
Sento già invocazioni a gran voce su come poteva essere approfondito il personaggio di Smith, su come si potevano evitare tante scene spettacolari da blockbuster americano a favore di una descrizione più approfondita della vera coppia del film, su come doveva esserci il supercattivone, su come una camera in spalla non può rendere la storia di un supereroe, sulle origini di Hancock che vengono compresse in un discorso di 30 secondi.
Tutto quel che manca potete immaginarlo come in un “Signore degli anelli” letto senza aver mai visto il film.
Divertente, spettacolare, ben recitato, ben diretto e con una buona dose di drammaticità.
È un discorso più generale.
Mentre esco mano nella mano dalla sala mi rendo conto di non volere nulla di più.

REGIA:Peter Berg
VOTO: 7,5
GENERE: Fantastico

THE DARK KNIGHT- IL CAVALIERE OSCURO

2008-08-08T15:36:00.010+02:00

Eccolo!
Non vi dico nulla per non rovinarvi la sorpresa sul giudizio mio e di Leo...leggermente differenti questa volta!
Prima trovate la recensione di Leo e poi la mia...in attesa di ammettere che sono una testa di legno troppo dura persino per me.

IL TOTEM DEL PIPISTRELLO E LO SCIAMANO BUFFONE

BY LEO

Il pipistrello.
Le ali dell’angelo decaduto.
Temono la luce. Come i vizi capitali, come nel buio delle caverne.
Latino Vespertilio e greco Nykterìs, come i nomi dei sonnambuli notturni.
Le anime dei morti squittiscono come i pipistrelli, nell’Odissea omerica.
Chirotteri, mammiferi volanti.
Per Santa Ildegarda di Bingen (1098-1179) essi sono uccelli, ma assai peculiari. «Volano specialmente quando gli uomini dormono e gli spiriti, di conseguenza, se ne vanno in giro»; suggerisce che se qualcuno soffre di itterizia deve trafiggere un pipistrello vivo e appoggiarlo sul proprio dorso, stringendolo bene. La malattia passerà dall’uomo al ricettacolo sacro fornito dal corpo morente del pipistrello [Biedermann, H., “Simboli”, 1989 (ed. orig.); pp. 407-408] .
Eppure talvolta come per l’ambivalenza regale di tutti i simboli, esso si pone come speculare lato positivo. In Cina fu segno di felicità, e non mancano mandala orientali con una costruzione ‘à la quinconce’: quattro pipistrelli ai lati di un immaginario quadrato contenente al suo interno un cerchio, il cui centro è a sua volta un altro pipistrello alato.
Per i Quiqué-Maya, un divino essere infernale è il ‘pipistrello che strappa le teste’. Le streghe lo attorniano adoranti nei sabba iconici.

Un demone. Uno spirito, puro pneuma.
Non importa se sùpero od ìnfero.
Ambivalente, ambiguo. Morte e felicità.
Un simbolo potente.

Un folle.
Il buffone. Origo et fons degli ‘Arcani Maggiori’ dei Tarocchi, il numero 0.
Un lacero viandante vi è raffigurato sopra, cacciato e scacciato da un minuscolo cane.
È l’inesperienza, all’attiva ricerca della saggezza [Biedermann, cit., p. 80].
Nell’eterno Qohélet la follia può essere più saggia della sapienza (10,1).

L’uomo pipistrello è il totem del clan degli uomini dell’immaginaria città di Gotham.
Li unisce come costruzione sociale ipostatizzata, concreta, nella potenza arcaica del suo simbolo.
Le sue ali solcano i cieli nelle nuvole notturne. Avvolgono come un manto oscuro i sogni di una città creata nell’immaginale a fumetti tra gli anni ’30 e ’40 dell’America reale, uscita dalla Grande Depressione solo per scivolare in un’altra guerra mondiale.
Non è il rosso sgargiante dell’altro eroe della DC Comics, il fuoco della porpora imperiale combinato con il blu della regalità delle icone bizantine.
È il nero.
Gotham è il lato oscuro di Metropolis.
Gotham è una città di questo squarcio iniziale di III millennio.
I suoi cittadini sono i nostri vicini.
La polizia in balia del crimine sono le nostre forze dell’ordine. I suoi vigilantes privati sono le risposte allarmate della cittadinanza. A paura altra paura; all’indifferenza la spasmodica azione concreta.
Il loro panico è la nostra angoscia.
Metropolis è morta.
Lunga vita al nostro animale totemico, mentre ci lanciamo in un ballo sfrenato attorno al palo sacro, al nostro Axis mundi. Sapendo che, come in un blasfemo sabba lovecraftiano, poco oltre, là nella scia dei Grandi Antichi (=gli eterni archetipi umani dell’inconscio), sull’orlo del baratro, non stiamo facendo altro che divinizzare la nostra angoscia, la nostra sofferenza.
Questa è la nostra “sacra volta” che ci ripara, sotto cui difenderci dalla pioggia incessante di questa virtualità reale quotidiana, la nostra religione moderna ed accessibile democraticamente a tutti: la paura.
L’uomo-pipistrello è il nostro profeta.
Un simbolo.
Sùpero od ìnfero non ha importanza ora.
Questo è l’eroe di cui Gotham non ha bisogno, ma solamente colui che Gotham si merita.
La coscienza esteriorizzata ed oggettivata in un simbolo, in un animale.

Il buffone è il saggio.
Voilà, vengono date le carte.
Gira la pallina nella roulette.
Fa’ il tuo gioco.
Ma non è abbastanza. Perché non ha senso quell’eterno aspettare il numero giusto.
Il viandante ha già visto. Ha vestiti sfatti. Il viandante ha conosciuto l’animo umano. Ha capelli sporchi. Il viandante ha capito il fuoco spento che s’agita dietro i sorrisi falsi. Ha trucco sfigurato. Il viandante ha sentito tutte le voci, tutti i rimproveri, tutte le lodi, le poesie e le bestemmie.
Non lo guida mano di uomo, non sente voce di amici. Ignora convenzione per farsene gioco.
Dio stesso gioca con l’ambiguità, con il potere dei simboli: ad un pazzo donare la saggezza!
Eppure non pare idea così bislacca. Non quando lo si vede agitare le mani al vento, estasi estetica alla pioggia. Non quando sfida i potenti su regole d’imposizione.
Non quando sale sul palo del totem per farsene beffe – o per adorarlo – e dimostrarsi sciamano più vicino ai cieli dei comuni mortali che venerano timorosi il pipistrello da terra, in ginocchio, con la pelle sporca di fango, senza capirlo.

Perché lui è l’alter ego del pipistrello. Giorno e notte. Compagnia e solitudine. Caverne e reggia del
re. Insetti e corte principesca. Entrambi reietti, entrambi prigionieri di un archetipo. Due facce della stessa medaglia.

Non è ancora Frank Miller. Non è ancora Metropolis contro Gotham.
Ma le basi sono gettate. Il buio è calato. I buoni cadono. Chi ha tradito, è impazzito e ha ceduto al potere dell’inconscio, abdicando alla salute mentale [Harvey Dent]. E con il buffone il gioco diventa preda di sadismi folli, e masochismo inutile. Chi ha iniziato l’escalation al male? L’esaltazione del bene a tutti costi del pipistrello. Chi è allora causa prima del male? Il bene?
Alle domande i cittadini singhiozzano e non rispondo. Cadono.
Il pipistrello ed il buffone non cadono. Loro stessi si sono fatti miti. Un rito è la celebrazione di un mito, la sua riattualizzazione comunitaria. Un fatto accaduto agli dèi in epoche passate. Carne di mito, carne di dèi.
Celebriamo questo rito. Cediamo alla follia – o all’oscurità.

> Stiamo assistendo ad una vera e propria esplosione di film dedicati a personaggi dei fumetti; anzi, posso affermare che tale è il nuovo mainstream dell’industria cinematografica. E il sacro, il bisogno di religiosità (si badi bene, non “religione”) lasciato vuoto dagli spazi già secolarizzati, viene riempito dalle sale domenicali, dai DVD del week-end. È la vittoria della “nuova mitologia”, del fantastico todoroviano in chiave cinematografica. Ma, visto che di altro si tratta (e lambisce la storia delle religioni e la letteratura), di questo ne parlerò in un prossimo post su geomythology.blogspot.com…
Qui prossimamente, “Hellboy 1+2” [avrebbe dovuto accompagnare il Cavaliere Oscuro, ma tant’è…], e la promessa storia dei peggiori film tratti dai fumetti della ‘I Era Marvel’ cinematografica.

REGIA: Cristopher Nolan
ANNO: 2008
GENERE: Avventura; Fumetti
VOTO: 9 ½ [un pugno di battute fuori luogo – cfr. i poliziotti attaccati dal Joker; impassibile Wayne/Bale e monocorde, forse troppo. Come tono meglio l’atmosfera generale di Iron Man. Ma il resto del cast è eccezionale. Ode a Gordon/Oldman –da Dracula a Batman resta invischiato nell’archetipo del pipistrello – e Caine/Alfred. Geniale e incorruttibile da ambo i lati della salute mentale Eckhart/Dent. Ledger titanico, folle…no, questa volta lode e merito sono meritatissimi. Purtroppo, non so quanto questo ruolo c’entri con l’epilogo della sua vita. Certo, il contatto della persona/maschera con l’archetipo folle non può avergli giovato. Ma è solo una speculazione assolutamente non verificata. Lascia a tutti l’interpretazione ultima. Spazzati via tutti i dubbi che anch’io ebbi a suo tempo. Arte pura]
QUANTO E’ LEGGENDARIO LEDGER NEL RUOLO DEL JOKER: 10
CONSIGLIATO A CHI: tutti. Iron Man è -finora- il capolavoro della Marvel. Questo Batman è il capolavoro della DC Comics.
> Tralascio il “Superman” di Singer – troppo kitsch, troppo retrò, troppo buonista. Efficace Kevin Spacey, ma non lo si può prendere sul serio per tutto il film. A tratti molto meglio “Smallville”. Voto: 5-
> “Batman begins” alla luce del sequel: 7/8 - [evidenziati i limiti delle battute fuori luogo, presenti in numero maggiore; nel 2° episodio maggiore compattezza. Comunque era il miglior film dedicato all’uomo-pipistrello, ora spodestato dal Cavaliere Oscuro]
> Post Scriptum: On-line già disponibile il trailer di “Watchmen” (You-Tube)…dobbiamo temere qualcosa considerando il regista di “300”? (Nulla da eccepire, se non lo spirito totalmente differente che anima i due film).

FINE RECENSIONE DI LEO.
INIZIO DEL DELIRIO DI DENEIL.

Dunque.
C’è sto tizio tutto vestito di nero con un cappuccio con le orecchiette a punta tipo gatto che se ne va in giro per la città a spaventare tutti con la sua voce da trans appena operato.

E c’è un altro tizio che ha delle inspiegabili cicatrici in faccia, si diverte a truccarsi come un pagliaccio e continua a leccarsi le cicatrici e a deglutire come un maniaco perché evidentemente crede di essere simpatico.

Capita poi che il tizio con le orecchiette da gatto altro non è che uno sborone di nome Bruce Wayne che è il più ricco dei ricchi di sta città che nessuno sa dov’è di nome Gotham City.
Del tipo è uno che se ne va in giro a comprar ristoranti e a pavoneggiarsi con il nuovo procuratore della città che quel ristorante è tutto suo e quindi lui un posto ce lo trova sempre.
Capita anche che l’altro tipo, il maniaco che si crede simpatico, organizza delle rapine in banca praticamente perfette dove alla fine rimane vivo sempre e solo lui e poi se ne va in giro a ricattare i più potenti boss della mafia perché tanto lui ha le cicatrici in faccia e se le lecca quindi non può che essere potentissimo e invincibile.
Poi c’è un terzo.
È un figaccione biondo che fa delle campagne pubblicitarie che neanche Berlusconi ai tempi d’oro e ovviamente piace a tutti ma soprattutto al signor orecchiette che quasi quasi decide di smetterla di rendersi ridicolo ogni sera con quel costume delle palle che tanto non serve a nulla dato che si fa sempre un male cane.

Capita che sto figaccione sia innamorato (e stia con) della stessa faccia flaccida da zitella inacidita che un tempo era fidanzata con il signore sborone che potendo avere tutta la figa di Gotham City e dintorni (se esistono dei dintorni dato che sembra nessuno esca mai da quella città di merda che un tempo era anche oscura e piovosa e ora non si sa come sembra una metropoli qualunque… dev’essere evidentemente bello abitarci!) è ovviamente ancora innamorato della zitellaccia a cerca di riconquistarla nel migliore dei modi possibili: promette di non mettersi più le orecchiette e parlare come un trans ogni benedettissima notte.

IN BASSO A DESTRA LA PROSSIMA COMPAGNA DI BATMAN SECONDO NOLAN?
Ci son quindi sti tre tizi più un commissario coi baffi che finge di odiare Orecchietta come potrebbe fingere un bimbo di tre anni, un sindaco con l’eyeliner che non si capisce bene che cazzo serva in sta città di merda e una marea di cittadini che fan solo del casino nei momenti più inopportuni.
Ecco ci son tutti sti personaggi un po’ ridicoli che però si prendono terribilmente sul serio e son diretti da un certo signor Nolan che con un budget supermegaultraiperstratosferico decide bene che ora lo fa lui il cinefumettone del secolo e poche storie!
Prende tutti (compreso un tizio che gli piace tanto dato che l’ha già messo con esiti per me esilaranti in un altro film che se ne va in giro con un sacco di iuta sulla testa come se nulla fosse) e tira su una storiona un po’ da gangster, un po’ epica, un po’ drammatica e molto tamarra dove tra esplosioni da cinema e una buona dose di azione diretta senza dubbio in modo migliore rispetto a quel casino di Batman Begins cerca di infilare domande tanto profonde quanto ormai troppo abusate.
E l’eroe che in realtà eroe non è, anzi è pazzo quasi quanto il pagliaccetto.
E i normali cittadini che tanto son pazzi omicidi pure loro sotto sotto.
E i carcerati che in realtà sono i più buoni del mondo.
E la politica corrotta e con due facce.
E via di questo passo mentre Nolan ancora si diverte con qualche gingillo Batmanesco (quella cosa che segna gli impulsi o che cazzo fa un po’ di casino nelle scene d’azione) e con attori truccati in modo divino (Joker) o in modo imbarazzante (Due Facce sembra uscito direttamente da un Batman di Burton, e non è un complimento per un film che si vuole prendere così seriosamente!).

IL TRUCCO DI DENT NEL SEGUITO DEL CAVALIERE OSCURO...
C’è una fotografia tanto oscura e patinata da dar quasi fastidio (se davvero si vuole rendere una città sporca e cattiva per me una fotografia del genere non avrà mai un senso) e ci sono gli attori.
C’è la Gyllenhall a cui viene dato tanto spazio quanto se ne darebbe a un pesce lesso senza una reale motivazione (comincio a credere che a Nolan le compagne di Wayne stian sulle balle dopo la scelta di sorriso storto- Holmes), c’è Morgan prezzemolo Freeman che dove lo metti sta con quei denti tutti storti, c’è Gary Oldman con i baffi che fa la sua porca figura, c’è Michael Caine maggiordomo a cui sono sempre affidate le battute da simpaticone, c’è Aaron Eckhart che per metà del film sorride piacione e per l’altra metà viene annullato da quel mascherone ridicolo, c’è Christian Bale che poveraccio sotto quelle ridicole orecchiette cerca di dare un tono anche al suo personaggio (che alla fine risulta semplicemente uno sborone che si trasforma di notte in un trans dalla voce inascoltabile) e poi c’è lui.
Si.
Lo so che lo aspettate tutti.
C’è Heath Ledger.
Che ommioddio si diamogli l’Oscar postumo che lui è il vero Joker, che se lo porterà nella tomba, che, mamma mia, interpretazione dell’anno se non del decennio….ecco.
Ora caricatevi….
Prendete la mira….
A me non ha fatto impazzire.
Si, ha delle belle cicatrici in faccia.
Si, ha anche delle belle battutacce.
Si, si muove come un pazzo paranoico persino mentre cammina.
Si, deglutisce e si lecca le ferite ogni tre per due….però basta!
Interpreta un pazzo!
E in quanto pazzo è stato evidentemente lasciato libero di far quello che voleva per rendere il suo personaggio al meglio.
Per questo mi ritrovo ora, non a criticare l’interpretazione (molto buona!), quanto il fatto che il lavoro di Ledger sia stato ampiamente aiutato da una sceneggiatura che gli permetteva di far praticamente quello che voleva.
Immaginatevelo un Depp libero di far quello che vuole.
Un Robert De Niro.
Un Jack Nicholson (che invece nel film di Burton aveva comunque un impostazione ben definita).
Immaginateveli e non venitemi a dire che Ledger sia Dio sceso in Terra per quel che ha fatto.
E se credete che lo sia cazzi vostri.
Quando resuscita fatemi un fischio.
E tra duemila anni sappiam a chi dare l’8 per mille.
Per le campagne pubblicitarie ci pensa Dent….

VOTO:7/8 (nonostante tutto maledizione devo ammettere che è un buon film...)

INDIANA JONES AND THE KINGDOM OF THE CRYSTAL SKULLS- INDIANA JONES E IL REGNO DEL TESCHI DI CRISTALLO

2008-07-31T16:53:00.006+02:00

ATTENZIONE: siccome sono un pazzo e questa recensione tento di scriverla dall’uscita del film nelle sale, ho postato insieme alla recensione definitiva (che non mi lascia comunque pienamente soddisfatto) un altro abbozzo di recensione mai conclusa (e con un tono molto più polemico).
In saccoccia ne tengo un’altra ancora non conclusa ma per quella aspetterei ancora un poco dato che riguarda l’intera saga.
Sicuro della loro inutilità e del peso infinito di una lettura del genere, vi invito a leggere solo questa cosa qui sotto se non volete seguir la mia mente malata mai soddisfatta!
Per quanto riguarda la prossima recensione invece, è già pronta e si tratterà molto probabilmente di una recensione doppia del cavaliere oscuro (vedrò se la mia parte mi soddisfa altrimenti tutto è già nelle mani di Leo!)

Le promesse sono promesse.
“Come quella volta che il mio ragazzo scrisse la recensione di Indiana Jones”

Ora la febbre è passata.
Quella che voleva gli infiniti fan accalcati davanti allo schermo del proprio pc alla ricerca della più piccola notiziola riguardante il loro eroe archeologo dal momento in cui si annunciò l’effettiva realizzazione del sequel dei sequel è scemata.
Finalmente.
E finalmente con il calo delle attenzioni fanatiche se ne può parlare quasi con calma.
No.
Parlare dell’ ultimo Indiana non sarà mai come parlare di un film qualunque.
Ci sarà sempre chi, deluso rispetto ad aspettative verso l’infinito e oltre, verrà a dirmi che poteva essere fatto tutto in modo migliore.
Ci sarà ancora chi si lamenterà della trama ripresa dal videogioco, chi mi ricorderà che gli alieni non possono starci in Indiana Jones, chi se la prenderà con le marmottine e le scimmiette in Computer Graphic, chi avrà da ridire su Shia Le Boeuf, chi ce l’avrà con la fotografia irreale, chi si incazzerà perché Indiana usa la frusta tre volte in tutto il film, chi inveirà contro il doppiaggio di Cate Blachett, chi puntualmente si lamenterà di Spielberg che secondo lui non ne azzecca una da anni, chi senza nessun ritegno si lamenterà di tutto perché tanto fa tutto schifo e adesso torno a vedermi i primi tre capolavori che sono intoccabili e poi magari tra 10 anni quando uscirà un nuovo capitolo tornerò a vedermi questo e dirò che quello nuovo non è minimamente paragonabile ai primi 4.
Ci saranno ancora tutti.
Ma forse tutti la prenderanno con più calma.
Non si butteranno come avvoltoi alla ricerca della recensione capace di dire che questo rimane un ottimo film per distruggerla pezzettino per pezzettino.
Indiana Jones e me.
Cresciuto senza aver mai visto interamente uno dei primi tre capitoli della saga fino a pochissimo tempo fa non capirò mai quel che si prova, almeno in questo caso.
Nell’entrare al cinema e riveder l’ombra del proprio eroe rimettersi il cappello impolverato dopo essere stato spinto a terra dai nemici in uno degli incipit più carichi di attesa di sempre.

La camera scorre dalla testa ai piedi e il rientro in scena di Indiana porta nella sala sussurri di approvazione o più sane esclamazioni di giubilo.
È ancora lui.
Nonostante tutti gli anni passati nel limbo del non cinema , Ford indossa cappello e frusta e riporta in vita un mito.

Non un semplice personaggio cinematografico come potrebbe esserlo un qualunque Jack Sparrow (anche se c’è quasi da scommetterci che tra 20 anni diventerà mito anche lui) ma un vero e proprio mito intramontabile che porta sulle spalle trent’anni di imprese eroiche tra film, libri, fumetti, serie tv e imitazioni più o meno (meno, sempre meno) riuscite.
Un mito cinematografico degli anni 80.
E questo ci tengo a ribadirlo perché molte delle lamentele hanno inizio e fine proprio in questo.
Nella semplice quanto inutile disquisizione sul fatto che il nuovo Indiana non è come il vecchio.
Quasi per niente.
Là dove il primo archeologo iniziava le sue vicissitudini come un semplice avventuriero dotato di pistola (poi sapientemente abolita nei capitoli successivi) e frusta memore dei film d’avventura degli anni ’50 per poi trasformarsi in modo graduale in una sorta di eroe pop-quasi fumettistico degli anni ‘80 (con tutte quelle botole, passaggi segreti e personaggi tipicamente ottantiani come lo sciamano che strappa i cuori a mani nude o il cavaliere immortale), il nuovo Indiana diventa qualcosa di più di un eroe da fumetto.
Diventa un mito.
Ovvero compie la trasformazione sullo schermo che la mente dei bambini dell’epoca ha già attuato da 20 anni a questa parte.
Il nuovo Indiana è diverso quindi.
Ovviamente si potrebbe dire, se non fosse per l’attaccamento ossessivo e ingiusto che i vecchi bambini hanno per il vecchio Indiana.
Loro vorrebbero semplicemente il vecchio Jones riportato sullo schermo come un tempo.
Loro vorrebbero semplicemente che il cinema non fosse cresciuto con loro.
Vorrebbero ancora quelle caverne con pareti di cartongesso (per quanto Spielberg già allora si impegnò a non farcele vedere, ma di questo parlerò in seguito), quegli effetti così spartani eppure tanto affascinanti, quelle riprese che facevano dei primi tre Indiana un cult del cinema anni ’80.
Non c’era computer graphica in quegli anni.
E così ecco tutti a scagliarsi contro qualsiasi intervento in CG a prescindere dal risultato finale.
Non importa che questo sia minimo e ben curato, il fatto che ci sia, che si sia fatto ricorso al femputer (chi vuole cogliere la saggia citazione la colga) toglie fascino.
O almeno toglie fascino a quegli occhi che non vogliono andare oltre.
Che volevano per una volta (e solo per quella volta dato che in altri film dello stesso genere le osservazioni su una CG ben fatta sono ormai insignificanti) tornare indietro.
Il nuovo Indiana è quindi diverso perché si, nonostante tutto quel che uno può pensare, siamo nel 2008 e perché Indiana in quanto mito compie imprese mitiche.
Non più avventure fantastiche entro cui tutti possono immaginarsi (chi non avrebbe voluto saltellare tra un trabocchetto e l’altro all’interno di un tempio maledetto?) ma semplicemente mitiche.
E così le cascate da affrontare si moltiplicano e i luoghi segreti sono praticamente inaccessibili se non inesistenti.
E così Indiana salta per aria all’interno di un frigorifero in seguito all’esplosione di un ordigno atomico senza farsi assolutamente nulla e i vecchi fan li riconosci al cinema per un fastidiosa ondata di “Eeeeehh, ma vaaaaa, ma daaaaiii, ma smettiamola!!!”
I vecchi fan che tanto volevano ritornare bambini rientrando in sala con il loro mito non si rendono nemmeno conto di tradire con le loro esclamazioni le loro stesse intenzioni.
Nessuno di loro negli anni ’80 avrebbe aperto bocca di fronte a Indiana e company che volano giù da una cascata con un canotto rimanendo praticamente illesi ma oggi, nel 2008, ormai cresciuti si sprecano nuovamente gli “eeehhh, ma vaaa!!!” che mostrano una realtà dei fatti innegabile.
Non sono più bambini.
E tristemente molti di loro non riescono nemmeno ad esserlo per 2 ore.
Molti.
Non tutti.
Perché c’è chi ancora vuole farsi prendere per mano da Spielberg.
C’è chi ancora si fida di quel vecchietto barbuto che ormai da 30 anni è capace con una camera e tanta tanta magia di trasportarci aldilà dello schermo.
Aldilà di fotografia, montaggio, computer Graphica, pareti di cartongesso, doppiaggi, interpretazioni e chi più ne ha più ne metta, Spielberg ancora riesce a portare qualcuno di quei vecchi bambini di là con Indiana, nella sua avventura più fantascientifica e, se vogliamo, mitologica là dove il mito è ormai il consumato archeologo e non più l’oggetto ricercato.
Li riconosci dalla bocca aperta, lo sguardo fisso e orecchie solo per lui quei bambini dentro.
Li riconosci perché loro ancora ci credono.
Potrei parlare di una fotografia forse fin troppo perfetta, di un Shia Le Boeuf ormai inarrestabile, di una Karen Allen di cui sono sempre stato innamorato da bimbo e che quindi ritengo intoccabile, di una Cate Blachett che ritengo al contrario di molti un personaggio non troppo riuscito ne particolarmente ben interpretato (non ne posso più di quella straabusata espressione di ghiaccio!), di una colonna sonora ancora perfetta, di un ritmo ma così sostenuto (rispetto agli altri capitoli i momenti di riflessione sono ben pochi, ma anche questo deriva dall’anno in cui è stato prodotto) e di un Indiana Ford per me mai così affascinate.
Potrei dirvi che gli alieni in quanto pellicola ambientata negli anni ’50 e girata da un certo signor Spielberg ci stanno.
Eccome.
Potrei raccontarvi di una seconda visione che invece di smorzare l’entusiasmo mi ha fatto ricredere persino su marmottine, scimmiette e frighi vari.
Potrei parlare di una scena di chiusura tanto affascinante e esplicativa quanto quella di apertura.
Indiana Jones è un mito.
Ed è una sola persona come ci insegna il finale.
La vita, in definitiva, è solo una questione di aspettative non siete d’accordo?
Forse 20 anni sono troppi persino per Indiana.
REGIA: Steven Spielberg
GENERE: Avventura
ANNO: 2008
VOTO: 7/8

ALTRO ABBOZZO DI RECENSIONE:
Ma si.
Critichiamolo.
E la storia è scopiazzata dal videogioco.
E Karen allen sembra in bambola per tutto il film.
E Shia Le Boeuf mi sta sulle palle e cosa c’entra?
E Harrison Ford è vecchio.
E Sean Connery dov’è?(se Ford è vecchio Connery è già in putrefazione…)
E si vabbè ma quando la usa la frusta?
E il teschio sembra che abbia del cellophane dentro.
E dai, gli alieni, ma per favore.
E il frigo che schifo.
E le marmotte e le scimmiotte in computer graphica, maledetterrimo Lucas.
E la fotografia rende tutto più finto.
E io mi aspettavo di più.
E io mi aspettavo di meno.
E io mi aspettavo quel che c’era sullo schermo ma non va bene lo stesso che se non mi lamento non sono felice e il mio ego rimane insoddisfatto.
Eccheppalle.
Ne ho lette, sentite, viste, odorate (e non dico cosa) talmente tante che alla fine mi era quasi passata la voglia di scriverne.
No.
Non che non sapessi cosa scrivere, semplicemente me ne era passata la voglia.
A sentir gente che si lamentava di tutto.
Tutto.
E tutto nel modo più detestabile che ci sia: quello del lamentarsi per il gusto di lamentarsi.
Perché alla fine si tratta solo di quello.
Il cercare ad ogni costo, in ogni cosa, in ogni momento qualcosa che non va.
Gente evidentemente convinta di andar a vedere il nuovo capolavoro postumo di Kubrick dopo quella chiavica mondiale di “Eyes Wide Shut”.
Ma si.
L’ho detto.
A me Eyes Wide Shut fa cagare.
Ma non poco.
Tanto.
Ma tanto di quel tanto che alla terza volta che l’ho rivisto convinto di capirne ancora qualcosa di cinema mi sono detto: “Non ne capisco un cazzo e sto film fa cagare. Tanto cagare.”
Tanto che alla fine della terza visione giacevo addormentato felice di essermi perso per la terza volta due tra le interpretazioni più imbarazzanti di Nano Cruise e Bambola di cera Kidman.
Tanto che quando mi sento dire non per la prima volta che Indiana Jones non poteva sopravvivere a una bomba H o quel che è solo chiudendosi in un frigo mi chiedo se davanti ho una carota o sto davvero ancora parlando con un uomo.
“Eh ma gli alieni dai…in Indiana Jones!”
Ma gli alieni si.
Si si e ancora si.
Gente convinta di trovarsi davanti Piero, Alberto and family Angela all’entrata in sala dato che la metà dei lamenti alla fine si risolveva in un : “Non è possibile!!!” o semplici “Eeeeeeehh”
Ma “Eeeeehhh” le palle.
Ma quando bimbi guardavate un cuore strappato da un petto dicevate “Eeeehhh”?
“Eh ma sai i riti segreti ci potevano anche stare.. gli alieni no. Il frigo no.”
Così, per partito preso.
Senza una reale motivazione.
Perché gli alieni no.
Punto e basta.
E perché i personaggi nuovi no.
Shia Le Boeuf fa un signor lavoro ma no.
Vuoi mettere Sean Connery?
Vuoi mettere il primo Indiana Jones.
Vuoi mettere che siamo nel 2008.
Ma nessuno sembra volersene rendere conto.
A sentir tanti il nuovo Indiana Jones doveva essere semplicemente un nuovo Indiana Jones degli anni 80.
Voi vi immaginate un ragazzino di 13 anni che entra in sala oggi e si trova davanti di nuovo quelle care vecchie rocce di polistirolo (e attenzione non sto criticando, sto solo dicendo che erano di evidente polistirolo) e quei bei fotomontaggi tanto cari a quegli anni?
“Eh ma noi che siamo fan di Indiana l’avremmo capito…”
I fan di Indiana.
Che io ne conosco solo uno e quell’uno in sala aveva la bocca spalancata e gli occhi sognanti.
C’erano solo lei e Indiana in quella sala.
Non il pirla che diceva “Eeeeehhh” e nemmeno il tredicenne che purtroppo a fine pellicola urlò “Andiamo a casa a giocare alla Play!”
I finti fan di Indiana che si lamentano di ogni cosa.
Di uno Spielberg capace di riportare sullo schermo il vecchio Indiana Ford come solo lui avrebbe potuto fare.
Prendete qualsiasi nuovo film sulla falsariga di Indiana e provate a dargli un occhio, 10 minuti vi possono bastare.
Guardate quel pasticcio tecno-silicon-avventuroso di Tomb Raider, l’ironicissimo “La mummia”, quel pelatone di Cage perso nei suoi misteri folli e guardate quanto polistirolo.
Quanto schermo impenetrabile avete davanti a voi.
Prendete un qualsiasi Indiana compreso l’ultimo e perdetevi dentro.
Niente camera che segue Ford nei panni di Indiana nelle sue avventure.
Siete voi e il professor Jones nel tempio più nascosto, di fronte all’Arca dell’Alleanza, con il Sacro Graal davanti agli occhi, alla ricerca di un teschio di cristallo appartenente a chissà quale popolazione.
Spielberg la camera ce la mette dentro agli occhi.
O almeno.
Lui vorrebbe portarci con lui nei suoi sogni.
Basta lasciarsi prendere per mano da quell’adorabile vecchietto e perdersi con lui senza far tante storie.
Senza star li a tirare dalla parte opposta e dire: “Ma no, non è possibile, perché, per come, per quando???”
..........................................INCAPACE DI DARGLI UN SEGUITO.

SFOGO: THE DARK KNIGHT- IL CAVALIERE OSCURO

2008-07-22T17:17:00.005+02:00

SU, SU, ODIATEMI!
Sarà che sti quindici giorni vanno più lenti di quanto potessi immaginare e riesco a innervosirmi per ogni cosa....

Ah non è ancora uscito?
Bene.
Perché io ne ho già le palle piene.
Ma non poco.
Non “Ne ho le palle piene” che poi mi metto ancora a vedere il trailer perché ancora un poco mi incuriosisce.
No.
Ne ho proprio le palle piene.
Che quando passa il trailer in tv su Italia 1 cambio.
Non ne posso più.
Ma proprio più.
Di vedere “IL CAVALIERE OSCURO” ovunque, comunque e semprumque.
E giri sui siti di cinema e ti parlano del cavaliere oscuro.
Di quanto è bello, di quanto è figo, di quanti record ha battuto.
Sono 8, no 9!
Attenzione giovedì batte il decimo record.
Ah be.
Notiziona.
Di quelle da tenere in prima pagina per mesi.
Il Batman di Nolan.
Il seguito di Batman Begins.
Quello dove c’era la consorte risata storta di Cruise che non faceva un cazzo per tutto il film.
Quello che il cattivo era uno spaventapasseri che persino il cattivo interpretato da Shcwarzenegger in quel baraccone del film di Schumacher si faceva ricordare di più.
Eh ma era oscuro e poi era un signor film.
No.
Non era un signor film.
Era semplicemente che veniva dopo il circo di Schumacher che ci mancava solo che metteva le scrittone Bang e Sbem e rifaceva il telefilm degli anni ’60.
O ’70.
Quel che era.
Non me ne frega un cazzo e non ho voglia di documentarmi.
Ho solo voglia di lamentarmi di quanto non ne posso più di sto cazzo di cavaliere oscuro delle palle e di tutti i suoi recordoni storici.
Forse uno dei film più gonfiati già prima di uscire che io abbia mai visto da quando son nato.
Ha battuto tutti i record!
Ma cazzo è 6 mesi che spaccate le palle in ogni modo: e il teaser poster e il poster vero e l’immagine del dietro le quinte e la maschera e il costume e il teaser trailer e il trailer e lo spot tv e il secondo spot tv e i quindici spot tv e il trailer italiano e quello in ungherese che attenzione c’è un immagine in più e il virale e il virale del virale e Due Facce e poi c’è lui ovviamente.
Joker.
Heath Ledger.
Con gente che senza neanche aver visto il film, senza neanche aver visto una miserrima scena che non sia il trailer vuole dargli l’Oscar.
E quindi via con altre mille coglionate.
E l’Oscar postumo, e Heath era grande e Heath era Marlon Brando e povero Heath e adesso ci facciam un film (voglio vedere se ci metton pure che ha girato "Il destino di un cavaliere"….) e Heath è il vero Joker e quel ruolo porta rogna (infatti Jack Nicholson guardalo come se la passa male…) e Heath di qui e Heath di la….Che Batman ha battuto ogni record!
Non lo sapevate?
Che a forza di dire battiam tutti i record è logico che la gente poi ci va a vedere sto benedetto cavaliere oscuro e finalmente li batterete tutti i record.
E poi la smetterete di smaronarmi la minchia finalmente.
Undicesimo record: avete spaccato le palle a Deneil come mai è riuscito a fare nessun altro film.

THE HAPPENING- E VENNE IL GIORNO

2008-07-18T17:30:00.008+02:00

ATTENZIONE ATTENZIONE: Deneil pubblica una nuova recensione cinematografica dopo quasi due mesi!

La verità è che questo film fa cagare.
La verità Shyamalan è che se ti viene una buona idea e non sai scrivere una sceneggiatura non devi per forza scriverla.
Non devi per forza di cose nel tuo delirio di onnipotenza produrre, girare, recitare, scrivere, soggettare e chissà quale altra diavoleria in tutti i tuoi film (se potesse secondo me creerebbe dei piccoli omini Oompa Loompa a sua somiglianza e non ingaggerebbe più nessuno a recitare!)

SHYAMALAN ALLA CONQUISTA DEL MONDO...
Hai una buona idea ma non sai come svilupparla.
Bene.
Esistono gli sceneggiatori.
Sai.
Quelli che scrivono le sceneggiature.
Quelli che tu gli dici più o meno cosa accade (se hai un soggetto) e loro ti mettono su carta scene e dialoghi.
Poi magari tu le scene le giri come cazzo vuoi dato che ti credi il Dio del cinema sceso in Terra, colui che salverà il mondo da Uwe Boll e compagnia, ma almeno avrai dei dialoghi.
Quello che si dicono gli attori.
Quelle cose preparatissime, studiate e ristudiate a memoria dagli attori ma che devono sembrare comunque realistiche.
Del tipo:
Tizio:“Vuoi una percentuale di sopravvissuti?”
Caio:“Si, la voglio!!”
Tizio:“65%!”
Caio:“Vai a riprendere tua moglie!!!”
Ecco questo non è un dialogo!
È merda.
È come se uno al telefono con un'altra persona ad un tratto non sentisse più l’altra e dicesse: “Sento il vento!”
Ops!
Ci hai messo anche questa.
E con orgoglio.
“SENTO IL VENTO!”
Ma sento il vento de che?
Ma stiam scherzando?
Ma quale malato nel cervello direbbe mai al telefono: “Sento il vento” quando dall’altra parte non c’è più nessuno?
Magari proverebbe a richiamare l’altra persona più volte ma “Sento il vento” no!
Ma no no no.
È offensivo.

È come se uno ad un certo punto si mettesse a parlare con una pianta di plastica e poi accortosi dell’errore esclamerebbe “Oh mio Dio sto parlando con una pianta di plastica!”
Noooooo!
Con una pianta di plastica???
E io che ti credevo così intelligente perché stavi parlando con una pianta vera.
Sai quelle con le foglie, le radici…
Senza le orecchie.

PIANTA CON GLI ORECCHIONI...OK QUESTA è PESSIMA...
Neanche nei film apocalittici.
Non è che uno dice: “Giro un film apocalittico e ci metto qualsiasi minchiata mi viene in mente, tanto è apocalittico”
No.
Non funziona proprio così.
Ok è apocalittico e non sarà “La vera storia della guerra in Uzbekistan vista dagli occhi di un Uzbekistaniano cieco e senza mani” ma non è una gara a metterci tutte le minchiate che ti vengono in mente in quel momento.
Potevi farlo ne “Il sesto senso”, “Signs”, “Unbreakable”, “The village”, “Lady in the water”.
Potevi farlo in 5 film perchè eran tutti dei film sostanzialmente di pura fantasia.
Però basta.
In un apocalissi non ci sono villaggi segreti, alieni brutterrimi, persone che non si rompono, gente morta che viaggia tranquillamente tra gli umani e nemmeno una ninfa acquatica con relativa piscinetta dove sguazzare.
In un apocalittico ci sono delle normalissime persone che tentano di fuggire a qualcosa che non può essere fuggito.
Non dei manichini rincoglioniti che si esprimono come degli Homo Imbecillus.
Perché alla fine quando esci dalla sala ti ricordi solo quello.
Dovresti pensare alla natura che in un qualche modo si ribella all’uomo, dovresti pensare alla scena magistrale dell’arrivo in città con una marea di corpi impiccati alle piante, dovresti sognar di notte la vecchia pazza che tira testate contro il muro fino a sfondarsi il cranio e invece pensi a Mark Wahlberg e Zooey Deschanel.
Uno che recita alzando, abbassando e, attenzione, aggrottando le sopracciglia in uno dei ruoli meno credibili che gli abbiano mai assegnato (quando è intento a fare il professore ti chiedi se nel mondo intero può esistere un personaggio…una cosa del genere) e l’altra che si aggira davanti alla telecamera spalancando più o meno la bocca e gli occhi a seconda dello stupore.

LE MARK'S ESPRESSIONI!
“OOOOOHHH sono morti!!”
“OOOOOHHH siamo ancora vivi!!!”
“OOOOOHHH mio marito parla con le piante e io sono una merda che l’ho quasi tradito!”

NON è LEI QUELLA IN BASSO A DESTRA???
E l’altro che gli risponde aggrottando le sopracciglia.
“Oh mio Dio mi hai quasi tradito???(Sono abbastanza aggrottate???)
E Shyamalan da fuori che fa:
“Si si non ti preoccupare che tanto della recitazione non se ne curerà nessuno, ho scritto dei dialoghi memorabili io!”

L'ALTRO MARLON BRANDO DELLA SITUAZIONE INSIEME A UNA FIGLIUOLA CHE NULLA PUò IN QUESTO SFACELO...
“E venne il giorno”
Che quando tutti mi dicevano: “Va che è fuffa, va che fuffa, va che è fuffa!” io ancora ci speravo.
Non dico che ci credevo.
Ma speravo si.
Magari non avevano visto bene.
Magari non era stato capito come successe a “Lady in the water”.
Magari non apprezzavano il genere.
Magari semplicemente Shyamalan ha toppato.
Ecco appunto.
Magari Shyamalan avesse toppato.
Magari fosse solo quello.
Qui si parla di un uomo che avuta una buona idea è riuscito a realizzarla nel peggiore dei modi possibili.
Nel migliore dei mondi possibili Shyamalan mi avrebbe illuminato gli occhi.
In questo mi ha fatto solo ricordare che ancora nessuno è riuscito a creare il film apocalittico perfetto.

REGIA:M.N.Shyamalan
GENERE: Apocalittico, Fantascienza, Horror
ANNO: 2008
VOTO: 3,5

THE INCREDIBLE HULK- L'INCREDIBILE HULK

2008-07-09T12:39:00.005+02:00

Magari quando un giorno la smetterò di scrivere e cestinare decine di recensioni vedrete che scrivo ancora.
Più del solito.
Forse pretendo solo troppo.
Grazie Leo!

PSICANALISI E SUPEREROI: HULK E IL COMPLESSO DI EDIPO

BY LEO
Tecniche di respirazione. Yoga. Controllo del respiro.
Pranayama.
Inspira, espira.
Abolire gli stadi della coscienza; regolare il flusso della respirazione, scendendo e salendo come onde, per rifiutare il prezzo della vacuità umana, per ottenere una concentrazione totalizzante, l’ekagrata.
Allora, solo quando l’asana –la posizione yogica– sarà non più uno sforzo ma normalità, comincerà la lunga strada verso il samadhi, l’ “enstasi”.
Perché? Perché tutta questa fatica?
Per rifiutare il mondo, per ingabbiare pensiero e corpo, immobilizzarli in un unicum senza più spazio né tempo, per rifiutare l’agitazione del respiro che non viene mai controllato, per –alla fine- superare persino la condizione degli dèi e raggiungere la liberazione in vita: niente più flussi disordinati di sogni, di latenze del subconscio, di pensieri che inondano le strade dell’Io, di illusioni e dolore, di speranza. Solo catalessi.
Inspira, espira.
La vita è “maya” potente, illusione, e squarciarne il velo è priorità per chi è giunto a sapere.
Perché è il respiro il punto da cui partire, il senso della calma e dell’agitazione, della rabbia e del soffio, dell’amore e dell’odio. Al respiro i battiti del cuore sono legati da un doppio filo. Controlla uno, controllerai tutto il resto.
Aria dentro, aria fuori.
Inspira, trattieni l’aria, espira.

Bruce Banner deve imparare a controllare il respiro.
Deve mantenere la calma, deve imparare a controllare “l’Altro” che è in lui.
Perché tutti abbiamo un “altro” chiuso e serrato nella gabbia dell’odio.
L’umanità ha imparato a relegare Prometeo nell’abisso del Tartaro, chiudendo la porta in faccia all’inconscio più animale, bestiale, istintuale, seme un tempo utile della collettività in-umana e ancestrale dei nostri antenati.
Sbattendogli la porta contro, gli è stato impedito di venire a patti, lentamente, con la nostra coscienza.
A quest’ultima abbiamo dato le chiavi della totalità, unica guida capace di guidarci nel mondo. Basta istinti, basta rapimenti estatici, possessioni violente, o anche solo intuizioni primordiali senza analisi.
Non è più tempo di sciamani o di Delfi.
Ordine, rigore, metodo le parole d’ordine più adatte.
Eppure, proprio perché è stato lasciato a marcire nella muffa dei bassifondi, laggiù, non ci si è accorti che la base della casa da edificare sono le fondamenta intere su cui impostare la partenza.
La base è solida, la casa sta su come costruita sulla roccia.
La base è labile, la casa è costruita sulla sabbia.
Quale secondo voi resisterà al primo temporale?
E l’inconscio collettivo è solido, forte come solo il vento sa essere, resistente come la pietra, vivo come fuoco. Da qui angosce moderne che scivolano nelle nevrosi, fobie, da qui drammi familiari, conflitti con padre/madre, problemi uomo/donna, relazioni con l’Altro/gli Altri, e nei casi peggiori, follia irrecuperabile. I pazzi, si sa, sono eterni: un pazzo è più vicino ad un’umanità primordiale di migliaia di anni fa che ad un uomo di oggi. Le fobie sono semi diacronici di paure eterne. Vive.
E la differenza tra nevrotico e psicotico è sottile come un foglio di carta: il nevrotico costruisce le sue manie, il suo castello/mondo di carta; lo psicotico lo abita.
Oggigiorno, con il nostro lifestyle assurdo, chi non è nevrotico? Il passo verso la follia è di pochi millimetri.

Perché l’Altro, a cui non è dato diritto di esistere alla luce del Sole, ce l’abbiamo dentro.
E a volte capita che magari non lo riusciamo a percepire se non proiettato nella persona che odiamo/amiamo. A pelle, ad istinto.

Bruce Banner queste cose le sa.
La rabbia frustrata dell’evirazione immaginaria che il ragazzo subisce secondo la legge inesorabile della pubertà da parte del padre, il ruolo ossessivo e morboso della madre, il “controllo” imposto o lasciato andare sui sentieri beceri del laissez faire, “il ragazzo si farà da sé”, “imparerà cos’è il mondo”.
I genitori credono che si debba imparare da loro anche se “predicano bene ma razzolano male”. Sbagliato; mai insegnamento popolare fu più sbagliato. Le persone sono ciò che fanno. Se il padre è un alcolizzato, inutili saranno parole di sobrietà nella vita civile. Se tradisce la moglie, futili i richiami alla fedeltà coniugale. Se la madre appare troppo acerba, aspra e severa, senza senso i suggerimenti per vivere serenamente un amore adolescenziale.
E il mostro dentro cresce. Lentamente, inesorabilmente.
E vorrebbe prendere il controllo sotto quella cravatta da impiegato, spaccare l’ufficio e i tavolini ordinati. Vorrebbe devastare, distruggere la vita di chi s’impone perché baldanzosamente ancorato ad un gradino della scala sociale più in alto di te. E gridare come solo gli animali possono fare. Liberi.
Perché se non c’è stato rispetto per la vita del bambino in età puberale, in fondo un bambino divenuto adulto non potrà mai conoscere il rispetto per gli altri. Schiacciato da genitori troppo o troppo poco ingombranti (gli estremi sono la stessa cosa), conoscerà il disprezzo per la vita, secondo le declinazioni dell’odio ossessivo esteriorizzato o l’interiorizzazione depressiva del dramma.

Bruce Banner non ha mai avuto una vita facile.

“La psicanalisi di Hulk”, 1991 – Storia: Peter David / disegni: Dale Kweon & Bob McLeod

- Ma dove credete di andare? [Padre di Bruce]
- Andiamo via Brian, non sopporto più la tua follia, i tuoi sfoghi su Bruce. È finita. [madre]
- Non è finita finchè non lo dico io! [p.]
- Mi stai facendo male! Brian…! [m.]
- Fermo! Sta’ lontano da lei! Farò il bravo! [Bruce]
- Smettila stai spaventando Bruce…AGKKHHH [m. presa per il collo dal padre]
- Tu, donna! Te lo faccio vedere io cosa vuol dire lasciarmi!... [p.]

Così muore nei ricordi del bambino la madre di Bruce, rievocata durante una seduta di psicanalisi.
Il bambino dirà solo “Le emozioni fanno male”. Nessuna lacrima. Chiuso dentro il mostro.
Poco oltre Bruce dirà del padre, rievocato come mostro demoniaco nella psiche: “Eri tu il mostro, papà! Eri pazzo […] e hai ucciso mia madre e io avevo tanta paura…ti arrabbiasti tanto che io vidi cosa provocano le emozioni e… avevo tanta paura d-di essere come te. Così…nessuna emozione, e io…sarei stato al sicuro…e protetto…un tale imbelle...e tanto cattivo, mi dispiace, mamma…”
A tali rivelazioni che dalla coscienza scuotono l’inconscio profondo, il padre da demone torna umano. Come tutti. Spogliato di ogni potere, detronizzato dal regno della paura.
Un essere come tutti gli altri, carne e sangue, ricordo tra i tanti. E come tutti gli umani inutili, anch’egli può essere assimilato, compreso e finalmente dimenticato, per poter riprendere a vivere. Farsi una ragione del conflitto paterno/edipico è la lotta col drago del mondo moderno.

Il film è tutto questo.
Non prendete il pre-quel di Ang Lee. Non ne vale la pena.
Noti i problemi che Norton/Banner ebbe con il regista, ci si poteva attendere il peggio. Non è stato così. Norton voleva più introspezione. La casa di produzione, conscia dell’ultimo flop “psicologico” (?!) con Hulk, voleva andare sul sicuro con più azione. Stallo, parità e palla al centro.

Questo Hulk non è un capolavoro, ma Edward Norton è perfetto, Tim Roth nella parte di Abominio-Emil Blonsky splendido (anche se gigioneggia sulla falsariga di “Un’altra giovinezza”, già recensito in illo tempore: qui e là stesso tema del ringiovanimento). Forse Betty a.k.a. elfo di “The Lord Of the Rings” (anche questo già recensito eoni fa!)+”Io ballo da sola” nonché “mrs. Aerosmith” Liv Tyler appare troppo ingrassata e superflua. Nel ruolo era di gran lunga migliore e assai più credibile Jennifer Connelly nel precedente Hulk, unica cosa salvabile da quell’atroce lungometraggio (anche si deve ammettere che Eric Bana non era pessimo; gli è andata male con il regista).
Tralascio i riferimenti incrociati, il solito cameo di Stan “Excelsior!” Lee, l’apparizione fugace di Lou Ferrigno (sempre uguale; grosso e muscoloso più del magerrimo ed agile Norton), e nell’ultimo pugno di secondi (non andatevene dal cinema! Non spegnete il dvd!) persino Tony Stark alias “Iron Man” ergo Robert Downey Jr. Stanno mettendo su una squadra governativa.
“The Avengers”.
Iron Man, Hulk, Thor, Captain America, Hawkeye, Scarlet, Nick Fury…chi vivrà vedrà…
Il nuovo corso della Marvel al cinema è cominciato. I vecchi film di supereroi sono morti. Lunga vita al nuovo Re!

Scena da appuntarsi (che vale il biglietto): Hulk e Betty, inseguiti dal padre di lei, il generale Ross (un altro conflitto familiare*) rifugiati in un anfratto roccioso durante un temporale. Scoppia un tuono e Hulk, bestia dell’inconscio animale, grida contro il cielo come una divinità greca sconfitta, un titano bestiale, perdente ed imponente. Lei lo vuole calmare, gli parla (può capire la bestia?), lo lenisce con una carezza, alla fine lo convince a stare accanto a lei. L’inconscio è stato lenito nella grotta, utero materno e simbolo di rinascita eterno, dallo spaeleum mitraico alla grotta del Redentore, dall’uscita dei tauroboliati iniziati dei culti misterici ai sogni che nella notte, eterna come solo l’alba dei tempi e il nostro inconscio possono essere, sogniamo credendo di vivere.

*= Un'altra linea-guida per l’analisi del film può essere il puer-senex, il “giovane-vecchio”, non nel senso (più o meno positivo) alchemico o psicanalitico, ma nell’accezione di un genitore, un padre, che non vuole rinunciare alla vita-giovane ed essere superato (spodestato) dal figlio.
Il generale Ross dà la caccia al ragazzo della figlia (Banner), ed Emil Blonsky, che si sente vecchio e inoperoso, vuole superare Banner per dimostrarsi di essere ancora un uomo. La sostituzione del padre al figlio è dannosa per l’uno e per l’altro, ma in particolare per il più anziano dei due. C’è un tempo ed un luogo per ogni cosa, come ci dicevano le protagoniste di “ Pic-nic ad Hanging Rock” (capolavoro micidiale). Sovvertire i termini del Tempo e della Natura provoca scompensi psichici irrimediabili ed irrecuperabili. Di questi tempi, in cui definirsi “vecchio” o “anziano” è un insulto perché significa essere tagliato fuori dal mondo mass-mediatico di eterne figure da pubblicità, in cui essere “giovani” per sempre è l’unico valore possibile (e via lifting, plastiche facciali, palestre, etc…), in cui la carriera inizia a 40 anni e l’università termina a 30/33 anni, in cui il divorzio dei 50 anni sfascia una famiglia –e la vita dei figli, dimenticati in un cassetto– per ricominciare dietro una ragazzina di 25 anni, sentirsi “esperti” di esperienza, saggi e “vecchi” normali nell’animo è un insulto dei più crudeli.
Comunque, foss’anche solo per motivi anagrafici, il figlio è “un nano sulle spalle dei giganti”. Secondo per tempo cronologico, non formato ed inesperto, è già superiore al padre perché piccolo e futuro adulto, che saprà vedere un metro più in là della generazione precedente.
Quello che questi padri-personaggi da film, spesso personaggi reali, dimenticano è che anche loro sono stati giovani, e che il figlio sarà a sua volta anziano. Rispettare i tempi e capire il proprio ruolo in tempo significa rispettare la propria umanità, quella degli altri e il rispetto per il figlio.
I capelli bianchi sono un segno, le rughe il nostro calendario. Accettiamo i giorni e le stagioni: ci accetteremo meglio. La vita non inizia né tantomeno finisce a 50 anni, è solo un altro cambio di età.

C’è abbastanza da pensarci bene e fermarsi un secondo a riflettere.
Hulk è molto più di un fumetto o di un film.

REGIA: Louis Leterrier
ANNO: 2008
GENERE: Avventura; Fumetti
VOTO: 8-
QUANTO SI E’ SFORZATO TIM ROTH PER FAR RENDERE DIFFERENTE EMIL BLONSKY DA DOMINIC MATEI DI “UN’ALTRA GIOVINEZZA”: 4--
CONSIGLIATO A CHI: vuole cancellare “Hulk” di Ang Lee del 2003 [voto: N. C. oppure 2--]

FINLEY LIVE AT PIAZZA DELLA LIBERTà- ALESSANDRIA- 12/06/2008

2008-06-17T16:54:00.006+02:00

Il mio cervello è ormai in vacanza mi dispiace....

I Finley.
Si.
Quelli che a Sanremo lui si è presentato con il guantino nero sulla mano e i capelli sbarazzini e cantava una nenia che neanche mr “io faccio solo Sanremo e poi sparisco nell’iperspazio” Zarrillo ha mai pensato di cantare.
Quelli che “yeah, noi siam i Finley, facciamo rrrrrock e siamo la nu sensation italiana”.
Quelli che il cantante si chiama Pedro e un’altro non voglio saper per quale motivo si fa chiamare Ka ke già kon quella kappa kapisci a ki si può rivolgere un gruppo del genere (Kollioni?).
Quelli che quando li senti alla radio dici: “Ma possibile che qualcuno ascolti sta roba?” e poi senti le bimbette fans che urlano “Siiiii Pedro sei un ficoooooo, yuuuu, yeeeee, yaaaa”.
Quelli che un giorno ti domandi se sei tu che sei demente e non sai star al passo coi tempi oppure davvero i Finley son il gruppo per i ragazzini di oggi come gli 883 (parlando di Italia) potevano esserlo per quelli degli anni 90.
Quelli che un giorno esci dal giapponese in dolce compagnia convinto di andarti ad accoccolare su un divanone con qualche buon film e senti qualche nota nell’aere (come sono aulico….no ho appena completato un cruciverba!)
E lo vedi.
Il manifesto.
Loro.
I Finley.
In Alessandria.
A 100 metri dal giappa.
In piazza.
E ancora non ci credi.
Pensi che ovviamente saranno a pagamento.
Che si son i Finley ma proprio perché son loro si potrebbe benissimo far pagare un biglietto a quelle bambinette che li andrebbero a vedere anche vendendo la loro amica del cuore.
“Salve un biglietto per i Finley quant’è?”
“20 euro o un’ amica del cuore”
“Maaaaammaaaaa mi dai 20 euro per i Finley???”
“……………”
“Prego tenga pure la mia amica del cuore, io voglio vedere Ka! Ka tiiii aaaamooo!”
E invece no.
I Finley in piazza in Alessandria sono gratis.
E ti giri verso di lei e la vedi quella luce negli occhi, quel sorriso da “Lo dobbiam fare, li dobbiam sentire!”
Sono i Finley.
Quando ti capiterà di nuovo di averli a disposizione gratis?
Cerchi una birra nell’attesa e non la trovi.
Poi ci pensi.
Sono i Finley.
Vuoi che ci sia della birra?
Loro vendono adrenalina 100%.
Ma solo dal vivo.
E questa sera la regalano.
I Finley.
Che quando senti il gruppo che apre (con un nome lunghissimo inglese assolutamente inricordabile (il dizionario di italiano è nella lista delle cose da fare per il prossimo anno mi dispiace) per la mia memoria da passerotto con l’alzhaimer (e ci apro anche un'altra parentesi per simpatia)) pensi anche che magari sei stato un coglione tu.
Che in realtà i Finley son davvero un buon gruppo rock.
Perché le spalle ci sanno fare.
Con un mescolone di Lost Prophets e sonorità “nu metal in decadimento” (oh yeah, son un critico musicale e mi invento dei generi nuovi ogni giorno) sanno prendere il pubblico con canzoni sconosciute, sanno farlo saltare, batter le mani e si muovono bene sul palco.
E pensi che se la spalla è così allora i Finley dovranno essere davvero bravi.
Saluto d’ordinanza, “comprate il nostro primo cd a 5 euro, Alessandria è bella, voi siete un pubblico caldissimo, io son un coglione che dico frasi fatte ad ogni fine concerto” e via gli strumenti delle spalle.
La batteria Finleyana è già pronta.
I roadies dei Finley scattano in fretta e furia per attaccare cavi e cavetti e cavettoni e il microfono e la chitarra e il basso e questo e quello mentre tu sei li che ti chiedi come possano esserci persone che lavorano per quei quattro ka(zzoni) che aspettano di salire sul palco.
Ma niente pregiudizi.
Magari sono bravissimi ti dici.
Magari sono bravini ti ripeti.
Magari sono decenti.
Magari sanno prendere una chitarra in mano.
Magari magari.
Magari.
Magari se non ci fosse una voce altisonante fuori campo ad introdurre i 4 il tutto sembrerebbe molto meno ridicolo.
Siete i Finley per la carità di Dio!
Che l’ultimo concerto che ho sentito con la voce altisonante ad introdurre il gruppo eran gli Iron Maiden
Che già li risultava abbastanza eccessiva.
Ma sai, sono i Maiden, suonano da 30 anni, hanno milioni di concerti alle spalle, più di 20 album sul groppone, son nati negli anni ‘80 e sono uno dei più importanti gruppi metal al mondo.
Glielo concedo anche.
Ma che 4 dementi dell’85 che cantano “voglio viveeeereee un sogno irrealizzabileeeee senza limiteeeee” salgano sul palco con una voce che annuncia l’inizio di un viaggio incredibile con loro….si ok sono buono e cerco di non giudicarvi prima e tutto quello che volete….ma la voce altisonante fuoricampo no!
Ma non farti prendere dallo sconforto.
Guardalo il Pedro che salta giù dalla postazione della batteria come solo un vero rocker (che il pc mi corregge in cocker forse senza sbagliarsi di molto) sa fare.
Ammira il suo guantino nero.
Yeah, siamo i Finley, mica cazzi.

Yeah.
Che inizia a cantare e improvvisamente credi che il tuo udito sia completamente andato.
Perduto per sempre.
Vedi quel tizio sul palco che si scatena (si cioè salta…saltella…cammina avanti e indietro…va bene: sta fermo e apre la bocca... ma non troppo) e senti il suono di un gatto miagoloso che esce dalle casse.
Forse no.
Forse è una papera che starnazza.
Forse il tuo cervello è definitivamente andato.
Poi lo devi ammettere: non ci credi ma lo devi ammettere.
Quella è la voce di Pedro.
Pedro e il suo guantino nero.
Oh Yeah.
E quella cosa sotto che fa gna gna gna gna gnaaaaa gna gna gnagnagnagna gnaaaaa è la chitarra.
E il blem blem è Mastrota che gioca con le pentole della Mondial Casa.
Ah no.
È il batterista.
E poi c’è il basso….forse…io non lo sento.
Miao miao miaaaaao, meoooo sgnaaaa, gna gnagnagnagna, sblem sblem sblem.
I Finley sono sul palco.
E finalmente lo puoi dire: ma quanto cazzo fan cagare?
Tanto.
Ma tu lo immaginavi.
Non sei andato li per sentire i Finley.
In quell’occhiata di prima c’era tutto quello che due persone diverse tra loro non capirebbero nemmeno se si urlassero in faccia per mezz’ora.
Tu non sei li per sentir i Finley.
Tu sei li per i Finley.
Che è ben diverso.
Tu sei li per il fenomeno Finley.
Quello che le ragazzine fanno “yeeee, yaaaa, yuuuu, Ka ti aaaaamoooo”.
Quello che ti giri verso un lato e vedi le ragazzine esaltate, saltellanti, con le mani in alto a urlacchiare con voce squillante ogni pezzo storico (????) dei Finley mentre dall’altro lato vedi qualcosa che pochi gruppi hanno il privilegio di avere.
I fan anti-Finley.
Un gruppetto di ragazzetti che si credon un po’ i Sex Pistols, un po’ gli alternativi più alternativi di Alessandria con un cartellone enorme dei Finley con le corna disegnate con scritto qualcosa come “GRUPPO ANTI-FINLEY, FIRMARE QUI PER ADERIRE”
E per un attimo sei tentato di aderire.
Per un attimo ti sposti verso di loro per andar a firmare e alzare il dito verso Pedro.
Poi ci ripensi.
A 16 anni magari lo potevi anche fare.
Quando come mr Sex Pistols ti sentivi l’alternativo più alternativo del paese, quando dicevi: “Ma vaffanculo i Finley! Son un gruppetto delle palle per le mie compagne truzze deficenti”, quando eri quello che “Io ascolto solo il punk vero e yeah sono un alternativo perché mi tagliuzzo le braccia” allora si.
Allora potevi andare nel gruppo anti-Finley.
Ma a 22 anni un po’ ti fa ridere.
Ti fa ridere che magari un tempo eri così e snobbavi tutto e tutti e se uno un giorno si metteva le nike “Guarda che truzzo, io metto solo le Vans/qualsiasi altra marca di scarpe da alternativo”, ti fa ridere vedere i ragazzetti incazzati con Pedro a urlare: “sei proprio un coglioneeee” e ti fa ridere anche quanto si preoccupano nella loro alternatività di farsi vedere come quello che loro stessi chiamerebbero un truzzetto qualsiasi.
Ti fa ridere che non se ne rendono conto ma sono alternativi quanto lo è quello con le Nike.
Che si ok: molto meglio loro del milanese con le scavpe di Pvada e la camicia di Cavalli e chissà quale altra milanesata ma come ogni eccesso loro stessi rischiano di cadere nel ridicolo.
(Ti fa ridere che critichi e critichi Den ma tanto sai benissimo che tu sei ancora così…magari non proprio a quei livelli ma…)….Via dalle palle voce della coscienza!
Ma hanno 16 anni.
E se non sei un po’ coglione a 16 anni, allora si, sei davvero un grandissimo coglione.
Chi vuol intendere intenda.
Io mi sono capito.
Sei quasi li nel gruppo degli anti-Finley e senti che di andar ad alzar il dito con il musone incazzato verso Ka e Pedro non ne hai assolutamente voglia.
Sei ad un concerto.
Dei Finley, gratuito, in piazza in Alessandria e tutto quel che volete.
Ma ad un concerto.
E in un concerto ci si diverte.
Non ci si mette né in fondo a far i musoni e parlar di macchine ne in un angolo a rompere i coglioni dicendo che “sai non suonano tanto bene, sono un po’ così blablablabla”.
Ad un concerto ci si diverte.
Persino coi Finley.
Inizi a saltellare, urlacchiare, imitare le piccole fans che “uuuuu, aaaaaaa, yeeeeeeee” e mentre diventi sordo per una cassa troppo vicina vedi il gruppo anti-Finley che ti guarda malissimo, tu e la tua ragazza che vi scatenate al ritmo dei Finley.
Loro vi guardano malissimo e voi dentro ve la ridete di gusto.
A vedere le loro facce musoneggianti mentre tu sei li che canti “Un sognoooo irrealizzabileeeeeee” e batti le mani a tempo con Pedro quando Pedro dice letteralmente “ora tocca a voi” manco avesse dei focomelici di fronte (questa la prendo a prestito da qualcuno che non mi legge ma li ringrazio lo stesso tutti quanti).
Cerchi di non pensare che “s’inkazza” (con la k, loro eran già avanti) degli 883 aveva un testo molto più profondo di qualsiasi minchiatina positivista dei Finley.
Cerchi di non pensare che in qualsiasi modo li si guardi sembrano un gruppo costruito a tavolino da qualche discografico con un occhio sull’emo-pop internazionale.
E costruito a tavolino è un eufemismo.
Cerchi di non pensare a Pedro che non sa cantare, a Ka, Dani e l’altro suonatore di pentole che non san far due note diverse che sian due.
In quel momento pensi solo a divertirti.
Nel momento successivo pensi solo a quanto sei rintronato dalla cassa e quanto eran ridicoli loro sul palco.
In macchina, mentre te ne ritorni a casa, pensi solo a quanto poco importi la situazione.
Conta solo con chi.
VOTO: si vabbè poi? Godetevi un pezzettino di concerto piuttosto....

IL FABBRO, LO SCIAMANO E L'UOMO DI FERRO: IRON MAN

2008-06-10T14:08:00.004+02:00

Mi scuso innanzitutto con Leo se l'immagine postata non è quella da lui inviata ma ho fatto del casino....chiedo venia (si dice così?)
Dopo 1 mese di pioggia oggisi vede per il secondo giorno consecutivo il sole, un miracolo.
Nient'altro da dire se non che ho preso un 27 ad un esame in cui ho portato un recenseione su uomini e donne simile a quella postata più in basso.
Unito.
E ho detto tutto.

“Iron Man”

BY LEO

Fumetti Marvel e simboli religiosi

I. La simbologia dell’ “Uomo di ferro”

“L’Uomo di rame che vedi, costui è il sacrificante ed il sacrificato, colui che vomita le proprie carni. E a lui è stato conferito il dominio su quest’acqua e su coloro che subiscono le pene”. Zosimo di Panopoli, “Sulla Virtù”, inizi del IV sec. d.C.

Tony Stark è il fabbro-sciamano.
Dalle lande desolate della Siberia fino agli antipodi polari della Terra del Fuoco e del Canada degli Eschimesi, riecheggia il mito primigenio dello sciamano e della sua iniziazione; Tony Stark è uno sciamano, e queste le prove ch’egli deve patire prima di accedere al controllo del proprio mestiere.
Iron Man è il risultato finale dell’iniziazione ch’egli compie su di sé.
L’Uomo di metallo, l’uomo che ha vinto la propria carnalità, data in pasto ai demoni nel calderone bollente dove colano e si fondono gli organi espunti dal proprio corpo devastato, e l’Uomo di carne che fu, e che ha visto le proprie braccia staccate e le gambe fatte a pezzi per essere gettate a pezzi nella pentola alchemica, si incontrano e, invertendosi, coagulandosi, raggrumandosi ed infine riaggregandosi con pezzi di filo di ferro, giungono all’Uno, all’Unità, all’androginia mistica.
Ma ciò solamente dopo aver perduto e concesso parte della propria umanità (=il cuore) ai demoni ìnferi e alle potenze ctonie della terra.
Ecco perché il luogo della rinascita è una caverna/grotta.
Ecco perché quando Stark vi esce è circonfuso di luce. Nel Protovangelo di Giacomo è affermato che alla nascita di Gesù Cristo il tempo si fermò e una luce abbagliante comparve, accecando i presenti. Al suo sparire, al suo ritrarsi docile, ecco comparire il neo-nato. Una variante di un copista del manoscritto del vangelo di Matteo recita che la stella che guidò presso il Salvator Mundi i Magi provenienti “dalle Levate del Sole”, dall’Oriente persiano, scese fino ad illuminare il bambino neonato.
La grotta come utero, la caverna come luogo in cui trascendere la propria umanità: all’uscita, dopo le prove infernali della catàbasi onirica (e reale) e la mitologica perdita di un amico-coadiutore (a cui già accennai nella precedente recensione), Stark esce rinnovato. L’Uomo di metallo.

II. I fumetti e il film: mitologia moderna

Chi è Anthony Edward “Tony” Stark?
1. Nei fumetti dell’era classica della Marvel Comics, è un miliardario americano, industriale ed eclettico inventore, nonché donnaiolo a tempo perso, che durante una visita in Indocina cade vittima di un attentato. Siamo negli anni della guerra indocinese; la paranoia contro i viet-cong non tarderà molto ad affermarsi. Viene imprigionato assieme al dr. Ho Yinsen e, benché Stark sia ferito in modo grave, viene tenuto in vita perché prepari una ‘super-arma’ (tipica ossessione dell’era Guerra Fredda). Invece, tentando la fuga ribelle, creano congiuntamente una corazza a mo’ di esoscheletro, collegata ad un pacemaker che permette al cuore di Stark – danneggiato da una scheggia penetrata troppo a fondo – di continuare a battere. Yinsen muore sacrificandosi, e l’Uomo di Ferro riesce a sconfiggere il generale Wong Chu e a fuggire. Si scoprirà in seguito che il generale era una pedina mossa dalle sottili e sapienti mani del futuro super-villain/nemesi di Tony Stark, il tale Mandarino. Iron-Man diventerà l’alter ego/guardia del corpo dell’industriale Tony Stark. Tralascio tutta la storia successiva, complicatissima e fitta di sottotrame.
2. Nasce ufficialmente comparendo in “Tales Of Suspense” n. 39 del 1963, ideato da Stan Lee e Larry Lieber (più la consulenza di Jack Kirby e Don Heck per il design della prima armatura).
3. Il film è una strabiliante vista metafisica sull’iniziazione sciamanica, desunta dal fumetto Marvel ma in gran parte riadattato (cfr. l’Afghanistan dei talebani islamici al posto dell’antiquata Indovina/Vietnam) ed è assolutamente il miglior lungometraggio tratto da personaggi della scuderia di Stan Lee in quanto ad effetti speciali.

Lo storico delle religioni Mircea Eliade probabilmente non accetterebbe il mio punto di vista, giacché un film è di per sé un’ovvia mistificazione del simbolo religioso originario, un fugace appunto decaduto di qualcosa che è rimasto nelle profondità dell’animo umano, ma che s’è perso e ha perso il suo significato.
Un po’ come le pubblicità delle crociere che promettono niente di meno che il ritorno paradisiaco all’Eden dei primordi, ma che in realtà non ti danno altro che un costoso daiquiri ai piedi di una piscina per sette giorni di ferie (l’assurdo di una piscina su una nave che viaggia sul mare mi è sempre risultato un non-sense).
Eppure, in questo lungometraggio, c’è qualcosa che ai personaggi delle B.D. targate Marvel (ma anche di quelle D.C., se vogliamo – forse eccettuando “Barman Begins”, anche se ritengo che quest’ultimo film si prendesse troppo sul serio, danneggiando l’impianto generale della storia – staremo a vedere il suo sequel imminente) è spesso mancato: un “attore”.
Non un ‘buon’ attore, ma un attore tout court.
Robert Downey Jr. è nato Tony Stark. Un Jeff Bridges rasato a zero, un buon Terrence Howard e un’ottima Gwineth Paltrow coronano il cast. Ma Downey è il re della scena. Allenatosi per il physique du rôle, trasferitosi accanto alla casa del regista per lavorare assieme alla stesura definitiva, ne è uscito con una simbiosi mistica con il personaggio (e pensare che a metà anni ’90 in casa Marvel s’era pensato alla faccia di Tom Selleck, il baffuto protagonista di “Magnum P.I.”!).
E’ talmente simile all’Iron Man della serie “Ultimate” (a.k.a. la collana che rilegge le origini e lo sviluppo delle testate Marvel con gli occhi di oggi, aggiornando gli attempati numeri “1” della metà degli anni ’60 del ‘900) non tanto da assomigliargli persino nel taglio angolare del pizzetto (particolare da poco conto), ma da atteggiarsi come Tony Stark.
Da parlare come Tony stark.
Da provarci con le donne sbruffonescamente come Tony Stark.
Da essere Tony Stark. Punto.
Insomma, finalmente, dopo il Ben Affleck dell’indimenticabile (perché indecente) “Daredevil” e l’immarcescibile (perché deve restare come pietra di paragone per le brutture megalitiche a venire) “Hulk” di Ang Lee, le buone prove di “Spider Man” di Raimi e dell’ottimo “X-Men” del regista de “I soliti Ignoti”, ecco che ci viene proposto un nuovo standard qualitativo.
Elevatissimo (anche perché vista parte dei precedenti non nego di aver tremato prima di sedermi sulla poltroncina del cinema). Gli effetti speciali della Industrial Light and Magic si vedono e l’apporto degli Stan Winston Studios si fa piacevolmente sentire come un sottofondo per tutto il lungometraggio. Stiamo parlando degli ideatori della casata Spielberg&Lucas, le cui fervidi menti partorirono i dinosauri di Jurassic Park (in preparazione il IV episodio…) e gli X-Wing di Star Wars, tanto per entrare nel merito delle lodi.
Detto questo, posso passare all’argomento che più mi preme, accennato peraltro nei paragrafi a mo’ d’introduzione posti in epigrafe al testo: i simboli iniziatici in Iron Man.
Sgombriamo il campo da un preconcetto: io non posso credere in alcun modo che tutti i registi e/o gli sceneggiatori siano imbevuti di letture psicanalitiche junghiane e di storia delle religioni. Questo mi porta al secondo punto fondamentale, che non è altro che una conferma di migliaia di studi sul caso: i simboli agiscono nell’inconscio a tutti i livelli, da sempre, per sempre, comunque e in ogni dimensione dell’agire umano – fermo restando tutte le differenziazioni culturali tra le varie organizzazioni/società storiche umane.
Tony Stark che esce dalla caverna è il simulacro della costruzione dell’Io, del raccoglimento in sé, dell’unificazione dei contrari (uomo-macchina; metallo-cuore/carne; etc…). E l’uomo che ne esce è rinnovato, nuovo di fronte al mondo (cfr. la sua nuova missione).
Andiamo avanti con le suggestioni che possiamo trarre dalla letture comparata del testo zosimiano citato e dal metatesto cinematografico.
Un passaggio recita così:
“Osserva attentamente da quale lato si raggiunge l’ingresso al tempio, impugna una spada e cerca in tal modo l’ingresso. Giacché il luogo che dà accesso alla porta del tempio è stretto ed angusto. Accanto alla porta è adagiato un drago: il guardiano del tempio. […] Uccidilo. Poi scorticalo, prendi la sua carne insieme alle ossa all’ingresso del tempio; costruisciti in tal modo un gradino […] entra e là troverai ciò che cerchi: il sacerdote, l’uomo di bronzo, che tu vedrai nella fonte comporre la cosa. Costui non lo vedrai però come tale, perché ha mutato i suoi colori naturali ed è divenuto d’argento; e se vuoi, presto avrai l’uomo d’oro”. [Cito dall’edizione curata da Carl Gustav Jung, indicata più avanti]
La lotta sempiterna dell’eroe impegnato mortalmente a duello con il dragone-antagonista (nel nostro caso il terrorista che nei fumetti è meglio noto come il Mandarino) fa capolino anche in questa messinscena alchemica. Al termine, da sempre, battuti i primordi totalizzanti dell’inconscio collettivo e dell’inconscio personale tout court, l’eroe vittorioso (magari ferito e barcollante, come è giusto) esce alla luce del sole, ovvero, come dice Jung nel commento al testo alchemico di Zosimo, “la coscienza si illumina e percepisce […] che il processo di trasformazione ha luogo all’interno del tempio, cioè della testa […]. Il superamento di queste tappe si accompagna a un graduale accrescimento di valore”. [Da C. G. Jung, Opere 13. Studi sull’alchimia – Le visioni di Zosimo, p. 106-107, Torino, Bollati Boringhieri, ristampa 2007].
Il punto che più colpisce tra l’equivalenza Iron Man-sacerdote dello scritto zosimiano è l’inquietante equazione sacrificante=sacrificato.
Il fatto che Tony Stark debba operare letteralmente su di sé per sopravvivere – la scheggia mantenuta a debita distanza dal cuore grazie ad una generatore di polarità magnetica; questo nel film, leggermente differente rispetto all’originale – e che l’organo deputato sia il cuore, centro dell’emotività (ma anche dell’intelletto secondo il pensiero greco-romano), non è altro che il parallelo dell’autosacrificio alchemico filtrato dal cristianesimo. Cristo immola se stesso per risorgere dal buio della caverna di Giuseppe d’Arimatea. Il nodo alchemico è lo smembramento del corpo, o per lo meno di una ‘pars pro toto’ (in Zosimo lo scotennamento, altrove altre parti del corpo; nel cristianesimo la rottura delle articolazioni delle membra sulla croce). Lo smembramento è una parte centrale dei riti orgiastici dionisiaci: anche qui abbiamo, pur con tutte le ovvie differenze e con le debita annotazione dell’esistenza di più varianti, un dio (Dioniso) che si immola vittima. I Titani lo fanno a pezzi e lo gettano nel calderone – tutti elementi ben presenti nei sogni dell’iniziazione sciamanica asiatica ed americana. Ed è il suo cuore che Era riesce a salvare all’ultimo momento, lo stesso organo da cui – dopo la punta più bassa dell’esistenza nel buio della caverna-prigione – riparte la rigenerazione starkiana. Non possiamo soffermarci su tutti i casi documentati di smembramento mitologico, iniziatico e rituale: si va dall’impagliamento della pelle d’un bue ad Atene, poi fatta bruciare di fronte ad un tempio, ai casi di Mani, Attis, Marsia, etc., spaziando dagli sciti agli aztechi, cinesi e amerindi patagonici, senza contare i casi letterari ed epici.
Possiamo anche far notare gli stessi colori dell’armatura di Iron Man, testimoniati nello stesso film: acciaio (ma il colore può anche essere un preludio all’argento), giallo-oro, rosso-rame. E’ chiaro che il simbolismo del colore dei metalli non è per nulla casuale, ma testimonia il crescere di una coscienza interiore che sa venire a patti con il proprio modello inconscio e distruttivo (Stark non rinuncia alla tecnologia bellica, sprofondando nel piatto opposto del pacifismo, ma la piega al proprio servizio, ad un “bene” di cui egli stesso sa farsi promotore): la versione definitiva è un mix del rame e del giallo-oro, segno che egli non ha raggiunto la perfezione (che equivarrebbe alla rinuncia ascetica del mondo), ma che sa mantenersi in pieno equilibrio tra la lotta degli opposti e dei contrari (es. mondo-solitudine, guerra-pace, conflitto-pietà, uno-molti, etc…).
Infine, concludiamo notando a) che i nessi tra sciamanesimo, alchimia e la metallurgia dei fabbri è strettissimo e ben evidenziato nelle opere di Jung ed Eliade tra i molti citabili, b) che Stark assomma in se’ anche le qualità che nello sciamanesimo asiatico vengono spartite tra la figura prototipica del fabbro e quella dello sciamano: forgia su di sé, a partire dal cuore, cioè dalla regione da cui si origine il motore della tecnologia (il punto da cui si origina il controllo dell’apparato respiratorio nello yoga asiatico) la propria corazza, il proprio Se’;
c) resta però il fatto che l’esteriorizzazione del processo mentale/alchemico dell’individuazione a sèguito dello sviluppo dell’omuncolo mentale, ponga Stark in uno stato sì superiore alla media umana, ma lungi dal raggiungimento della pace interiore: il saggio yogin che medita acquisisce poteri (le “siddhi”) che lo rendono simile ad un dio, ma dai quali deve fuggire e disfarsene per poter essere superiore agli dèi, per poter lasciare finalmente questo regno dominato dalla Maya, dall’illusione, e confluire nell’alveo dell’ente che è, paradossalmente senza essere, nel tempo. Stark resterà l’Uomo di Ferro, non rinuncerà ai suoi ‘poteri’, resterà dipendente dall’alcool, e oltre la facciata borghese del benessere americano e dell’uomo di successo si celerà la spessa coltre dei problemi sociali che hanno attraversato il Vecchio ed il Nuovo Mondo tra gli anni ’80 e i ’90 dello scorso secolo.

III. Excursus finale: tra riflessioni sull’intelligenza informatica e sulla corporeità

In una storia del 1994 scritta da Len Kaminski e disegnata da Tom Morgan, Tony Stark viaggia nel cyber-spazio per capire chi s’è infiltrato nella rete per diffamarlo, e scopre che chi si trova davanti è un’intelligenza telematica autonoma, di nome Vor/Tex. Questa disconnette la mente di Stark dal mondo esterno e dal suo corpo, prendendo possesso dello stesso. Vor/Tex pare gingillarsi e lambiccarsi con ogni possibile ed orgiastico piacere corporeo (donne, alcool, cibo etc…: il bello di essere vivo e non macchina). Stark riprenderà dapprima corporeità fisica grazie ad un esoscheletro provvisorio, scaricando nell’hardware la propria coscienza ed affrontando in singolar tenzone il suo corpo/Vor-Tex: come può però battere il suo stesso Corpo-Iron Man dominato dal maligno PC ambulante? Semplicemente picchiandolo! La macchina “decide” di “morire” come coscienza cibernetica perché il dolore della vita umana è troppo, dopo un po’ di vomito a seguito del suo “godersi il cibo e l’alcool” e qualche pugno e calcio. L’uomo è di gran lunga migliore della macchina. Stark ‘downloaderà’ poi la propria coscienza nel suo corpo, trovandolo devastato dagli abusi della macchina; lui che era riuscito a guarire da poco dall’alcoolismo!
Se vi state chiedendo che cosa c’entri questo con il film la risposta è “nulla”. Se vi state chiedendo quanto fossero avanti gli sceneggiatori della Marvel nel 1994 (cfr. la realtà virtuale, Internet e la rete telematica, il discorso sulla corporeità à la Marcel, esistenzialismo francese e filosofia odierna…) la risposta è “tantissimo”. Altro che Asimov. Se volete capire come saranno tecnologicamente i prossimi 10 anni, andate in edicola e leggetevi un fumetto della Marvel. Lascio aperto uno spiraglio su qualche appunto sparso sulla saga del clone dell’Uomo Ragno…

IV: Appendice sull’alcoolismo

Ecco il primo giorno del ritorno al lavoro di Stark dopo la disavventura con Vor/Tex, mentre tutti hanno visto come si è comportato al lavoro (ma era dominato dall’intelligenza artificiale!) e credono che si sia assentato per i soliti trambusti alccolici. “Un passo per volta. Posso farcela. Sei tornato alle Stark Enterprises. Ti sei tolto l’armatura e rimesso il vestito…puoi camminare fino al tuo ufficio senza sembrare un povero ubriaco. Ma chi prendo in giro? Lo sanno”. Poco oltre, una volta in ufficio, Stark vede una bottiglia di bourbon sul tavolo della scrivania: “Tanto vale finirla. Oggi mi spetta. Io…Buon Dio. Cosa sto facendo?!” Chiama la segretaria, chiedendole di portarla via: “La prego…Porti…quella…fuori di qui…” “Per poco. Non posso più fidarmi di me stesso”.

[Fonti: “Terminal emulation” e “Signal to noise”, dalla serie Marvel U.S.A. Iron Man 308 e 309, risp. settembre e ottobre 1994; in Italia “Emulazione terminale” e “Rumore di fondo” da Iron Man e i Vendicatori n. 2, aprile 1996, ed. Marvel Italia]

P.S. : L’ANGOLO DELLE PILLOLE DEL FILM
1) Sì, c’è anche la canzone celeberrima dei Black Sabbath “Iron Man” (dall’album “Paranoid” del 1970), posta come omaggio in coda al film durante i titoletti che tutti saltano per andare a casa, perché scade il parcheggio e si deve far presto.
2) Sempre quasi ai titoli di coda (quando ormai sei già in macchina perché se non fai in fretta giri tre ore per cercar parcheggio sotto casa tua, e la benzina costa ormai come l’adamantio di Wolverine), il prode Nick Fury, già rivelatosi agente dello S.H.I.E.L.D., la segretissima agenzia inter/para/super-governativa dell’universo Marvel, fa trapelare un evidente richiamo al gruppo dei Vendicatori (quelli con Thor, Captain America, Hulk a volte, Occhio di Falco, Scarlet, e una tonnellata di altri supereroi).
3) In una scena c’è lo scudo di Captain America.
4) In un’altra compare Stan Lee, il Pater familias della Marvel nonché ideatore nel 1963 del personaggio di Iron Man, attorniato da due modelle e scambiato per l’editore di Playboy Hugh Hefner .
5) Nella colonna sonora composta da Ramin Djawadi il chitarrista hard rock che suona tutte le chitarre è Tom Morello, ex Rage Against the Machine e Audioslave (che già aveva suonato chitarra e basso con Jimmy Page e Puff Daddy nello score/remake di “Kashmir dei Led Zeppelin, buona colonna sonora del –pessimo– “Godzilla” girato da Roland Emmerich nel 1998; ricordiamo anche i Jamiroquai con “Deeper Underground”)
6) Samuel L. Jackson compare interpretando Nick Fury: nella serie Marvel “Ultimates” il disegnatore Bryan Hitch si era ispirato proprio a Jackson per le fattezze del Fury della nuova serie!

REGIA: Jon Favreau
ANNO: 2008
GENERE: Avventura; Fumetti
VOTO: 8+ per l’avventura; 10 per l’ambito fumettistico
[SCONTATO MA DEVO DIRLO NUOVAMENTE] QUANTO ROBERT DOWNEY JR. E’ TONY STARK: 10+++
CONSIGLIATO A CHI: vuole passare 126’ guardando il miglior film tratto da fumetti della Marvel (che ora è passata a produrre da sé i suoi film: attendo il nuovo “Hulk” imminente, con Bruce Banner-Edward Norton e il grande Tim Roth nel ruolo dell’Abominio!]

UOMINI E DONNE

2008-06-04T20:58:00.008+02:00

Prima recensione di un programma tv.
E voi che credevate che con 10000 AC avessi toccato il fondo del trash.
Voi che pensavate di liberarvi di me con un semplice Rambo IV.
Voi non avevate pensato a questo.
Voi non sapevate che io lunedì ci faccio un esame su sta cosa con tanto di recensione (e se la prima parte è leggermente noiosa è dovuto proprio al fatto che si tratta di una parte della recensione presentata al professore).
Si.
Su "Uomini e donne"
Perchè troppo spesso la saggezza è solamente la paura più stagnante.
Pregate per me.

La tv spazzatura.
Quella che tutti condannano.
Quella che tutti disprezzano.
Quella che tutti vorrebbero vedere sepolta sotto chilometri di tv “pulita”.
“Uomini e donne” è LA tv spazzatura.
Nato come cugino stretto della prima creazione televisiva di Maria De Filippi con Alberto Silvestri (il talk show verità “Amici”), nel 2001 “Uomini e donne” diventa qualcosa di più di un semplice programmino di discussione sulle vicende di coppia.
Nel 2001 Maria de Filippi sente l’aria fresca portata dal reality show in Italia (la prima edizione del Grande Fratello italiano è datata 2000) e trasforma il suo programma in qualcosa di più.
“Uomini e donne” passa dall’essere l’ennesimo talk show verità sulla scia di “Amici” a un ibrido che come un blob tende a scappare ad ogni definizione.
Maria De Filippi introduce un trono al centro della sua arena e tutto si trasforma.

Si sente odore di reality nelle esterne girate dai tronisti con i loro corteggiatori.
Si sente il sapore della soap opera più classica in quell’ intreccio di storie, parole, nomi, vicende, famiglie, agenzie.
E tutto viene cotto in un padellone di nome talk show dove Maria De Filippi mescola tutto ciò che la tv non si vorrebbe fosse oggi.
Ovvero tutto ciò che funziona.
“Uomini e donne” è il programma che a nessun critico tv verrebbe mai in mente di produrre (anche perché, qualcuno direbbe, già il fatto che sia un critico indica un suo probabile fallimento in un ambito più televisivo): personaggi che si vorrebbero veri e somigliano a caricature di caricature di caricature, una conduttrice che se ne sta seduta su uno scalino e ogni tanto interviene giusto per non farsi seccare la lingua sul palato e una regia tremendamente pompata che non concede un attimo di tregua allo spettatore ignaro: tra zoomate da capogiro seguite da panoramiche fisse che sembra di star a vedere Vasco Rossi al secondo anello a San Siro dopo 64 minuti di trasmissione sembra di aver fatto un giro sull’ottovolante.
Eppure.
Eppure “Uomini e donne” funziona.
E funziona bene.
Non benino o se la cava.
“Uomini e donne” ha uno share medio giornaliero del 20% con punte che arrivano al 28% nelle puntate decisive.
Mica cazzi.
E si l’auditel fa schifo che non ha un campione rappresentativo, che tanto fa gli interessi dei grandi, che blablablabla (ma tanto su di quello si basa per ora il sistema tv italiano)…. E certo Incantesimo su Rai1, l’Italia sul 2 su Rai2 e la Trebisonda su Rai3 non sono questa gran concorrenza (semplicemente vengono battuti ogni santo pomeriggio, mi sembra logico che se alla Rai avessero una mezza idea per far qualcosa di meglio lo farebbero ma evidentemente non c’è neanche un quartino di idea)….E senza alcun dubbio è facile far gli ascolti con le ragazzine di 15 anni che son quelle che guardano di più la tv (certo la tv è fatta per vendere, cosa c’è di meglio di un programma indirizzato ai maggiori consumatori?), ma c’è bisogno di mettersi a urlare così tanto allo scandalo?
Semplicemente “Uomini e donne” funziona e quando una cosa funziona, si sa, in Italia scattano le gelosie da terza elementare.
Mamma mamma guarda che la De Filippi aveva chiuso “Amici” sostenendo che i ragazzi protagonisti della trasmissione si eran troppo televisizzati, perché ora non chiude anche questo che ha lo stesso difetto?
Il 20% di share.
Voi foste la De Filippi, Berlusconi o qualsiasi persona sana di mente che lavora a Mediaset chiudereste un programma che con costi praticamente irrisori e senza nemmeno il pagamento del format (come detto “Uomini e donne” è una creazione Defilippiana così come “Amici” un tempo e “Amici di Maria De Filippi” oggi) assicura uno share medio del 20% a pomeriggio con la netta vittoria su ogni concorrente?
Voi stareste li a guardare quanto è spazzatura, quanto è finto, quanto fa ridere l’idea di un tizio muscoloso seduto su un trono di plastica che cerca la compagna della vita tra ragazze finite li giusto per farsi notare e sperare di finire a loro volta sullo stesso plasticoso trono?

NO COMMENT

Ma chissenefrega.
La Mediaset vive di pubblicità e solo chi si dimentica di un così piccolo particolare può cominciare a dire cose come: dovrebbero chiuderlo.
Funziona, le pubblicità pagano bene e il pomeriggio di Canale 5 è pieno per metà, cos’altro si può volere dalla vita?
E invece no: associazioni di genitori che protestano per la scurrilità e i cattivi comportamenti che insegnano alle loro figlie benedette da Dio (che andassero alle medie oggi a vedere cosa fanno gran parte delle figliocce queste mamme convinte di avere in casa delle piccole Madre Teresa di Calcutta), critici tv che scrivono indignati che non se ne può più, che tanto chi li guarda, che basta, che è tutta una farsa (ci vuole un master in giornalismo per rendersene conto), associazioni di imbecilli che lanciano parole per aria e non riescono mai a riprenderne una mentre le stesse ricascano a Terra ormai prive di significato.
“Uomini e donne” è LA tv spazzatura.
“Uomini e donne” è LA tv italiana.
Inutile nascondersi dietro un dito.
Mentre tutti i critici tv aspirano a una nuova tv che lasci spazio a programmi culturalmente più alti e addirittura qualcuno comincia ad aver nostalgia del bianco-nero (quella si che era tv...una sola emittente, una sola idea, solo certe pubblicità perché i beni troppo costosi non andavano pubblicizzati, mille restrizioni di ogni tipo….) la tv italiana si muove verso il trash.
Anzi.
La tv italiana è trash.
È trash Maria De Filippi che fa litigare chiunque gli capiti a tiro: tronisti con tronisti, tronisti con corteggiatrici, corteggiatrici con il pubblico, pubblico con i tronisti, pubblico con il pubblico, consiglieri dei tronisti (lo vedete che anche nel 2008 nascono nuovi posti di lavoro interessanti?) con i tronisti (possibile? Certo certo…), pubblico con i tronisti mentre già loro stan litigando con le corteggiatrici che continuano ad urlare “MARIA MARIA MARIA” sperando che lei gli dia la parola quando Maria è evidentemente in catalessi su un gradino e si limita a raucheggiare di non urlare troppo (che già bastano le 10000 voci sovrapposte).
Io me la immagino a casa Maria De Filippi che tenta di far litigare il frigo con la lavastoviglie mentre i piatti tintinnano a gran voce “MARIA MARIA MARIA”.
È trash Maria De Filippi così come è trash Enrico Papi che si porta dietro lo zoccolone svedese che alla minima battuta tira fuori la lingua e si struscia sullo schermo della Ruota della Fortuna in prima serata.
È trash Maria De Filippi ed è trash Santoro con i suoi inviati che fanno 1000 interviste e poi tengono buone solo quelle dove parlano i vari Cletus il bifolco allocco direttamente dai cocuzzoli Umbri per voi.
È trash Maria De Filippi e lo è ancor di più “Buona domenica” condotto da quell’essere immondo di nome Paola Peg Perego.
È trash Maria De Filippi ed è trash “Lucignolo” che quando vedi che in giro esiste davvero gente che dice “Porco zio ma sei fuori? Ci sto dentro una cifra…” ti chiedi se Capsula e Nucleo stan girando uno spettacolo in diretta o veramente Lucignolo filma persone reali.
È trash Maria De Filippi e sono trash Studio Aperto (con i suoi servizi strappalacrime o strappamutande), il tg 4 (con Fede che fa l’imitazione di se stesso), il tg 5 (che prova ad inseguire Studio Aperto ma ha sempre una marcia in meno), il tg 3 (che se mettessero dei manichini a parlare potrebbe sembrare anche un tg umano), il tg 2 (che ancora un po’ di rubriche sembra di guardare un contenitore della domenica pomeriggio) ed è trash persino il tg 1 che ha la capacità di montare le immagini ad minchiam venendo regolarmente pizzicato da “Striscia”.
È trash “Striscia la notizia” che fa satira ma non la fa ed è condotta per metà stagione dall’eterno gggiovane Ezio Greggio e dal suo compagno la cui faccia andrebbe coperta con paio di mutande per dirla finemente.
È trash “Le iene” che ormai il 90% dei servizi somiglia più all’imitazione delle Iene di Zelig.
È trash “Il senso della vita” con Bonolis che intervista Fabri Fibra che si fa portatore della voce dei giovani italiani (ma peeeerchè, ma soprattutto peeeeerchè??).
È trash “Ballarò” che ha sempre gli stessi ospiti, è trash Giuliano Ferrara perché è un uomo orrido e ha un buco nero al posto del cervello, è trash il fatto che i serial tv vengano spostati ogni settimana in orari e addirittura giorni diversi, è trash il 90% della fiction italiana, sono trash le storielle de “L’italia sul 2”, è trash persino la “Trebisonda” che sembra si rivolga a menomati mentali e non a bambini.
La tv italiana è trash.
Ma Maria De Filippi è il capro espiatorio.
Maria De Filippi la si vorrebbe far pagare per tutti.
Già me li vedo come avvoltoi in attesa sul ramo i critici tv quando “Uomini e donne” avrà un calo di ascolti (perché dopo 12 stagioni prima o poi dovrà accadere).
“È trash chi volete che lo guardi?” diranno.
“Finalmente il trash comincia a cadere”.
“Vedrete ora come vivremo meglio senza la De Filippi al pomeriggio”
E in quel momento dietro di loro arriverà Papi.
L’uomo della leggenda: quello che tutto ciò che tocca diventa trash.
E allora si pentiranno.
Diranno “Come si stava meglio quando si stava peggio”
“Torna tra noi Maria ti prego”
E Maria con voce roca dal trono di plastica che si sarà fatta installare nella sua cucina (protagonisti il frigo e la lavastoviglie che saranno diventati i suoi corteggiatori) li manderà tutti a cagare.
Anche quelli che tra 50 anni rimpiangeranno la tv del 2000 che era così innocente.
Rimpiangeranno le litigate furiose a “Uomini e donne” per una gonna troppo corta (“Hai la gonna, sei una poco di buono; hai i jeans, sei brutta; hai il vestito, ma dove credi di essere…), rimpiangeranno l’ennesimo tronista muscoloso con un totano fritto al posto del cervello che si fa ogni ragazza che porta fuori perché “Io devo vedere cosa provi per me e metterti la lingua in bocca è il metodo migliore”, rimpiangeranno Karina.
Si.
Quella con questa faccia qui.

Rimpiangeranno la consigliera dei tronisti e Gianni Sperti con il suo muso da Carlino incazzato.

Rimpiangeranno quel periodo in cui “Uomini e donne” riusciva a creare idoli dal nulla e a farli sparire dopo un anno di serate nello stesso nulla da cui erano venuti (quale miglior simbolo di una società usa e getta come la nostra? Persino i divi son da gettare nel cestino del Mac insieme alla carta del panino e il bicchiere della Coca).
Rimpiangeranno Costantino Vitagliano.
Che conoscete tutti, non ditemi palle.
La prova vivente che il 99% della gente che dice “Io non guardo e non ho mai guardato programmi come Uomini e donne” semplicemente da ragione a quella vecchia barzelletta:
Un uomo chiede a un altro in ascensore: “Hai scoreggiato?”
E l’altro: “Io no…”
E il primo: “Ora si….”
Meditate gente, meditate.
REGIA: Laura Basile
CONDUZIONE: Maria De Filippi
GENERE: Trash, Talk Show, Reality, Soap,

LA INVECIòN DE CRONOS- CRONOS

2008-05-29T14:30:00.007+02:00

Della serie: "Tiriamo fuori recensioni scritte secoli fa per aggiornare il blog"
Ma una nuova recensione è in cantiere.
E chi mi segue (vedi Filippo) ha già capito tutto.

Io ho una sorta di feticismo per gli insetti, i meccanismi ad orologeria, i mostri, i luoghi oscuri
by Guillermo Del Toro

Horror e poesia.
Inutile star qui a discutere sul fatto che Del Toro ha realizzato Cronos con 2 milioni di dollari e che sarà questa pellicola a portarlo all’ attenzione della Hollywood più caciarona affidandogli uno dei suoi progetti meno riusciti: Mimic.
Non mi importa per ora analizzare quel che farà in seguito Del Toro, delle sue pellicole più commerciali e di quelle dove davvero si può respirare la sua anima.
Occupiamoci solo di questo “Cronos”.
Realizzato con gran fatica e dispendio di risparmi altrui (mezzo milione di dollari furono prestati al regista per completare la pellicola ), “Cronos” semplicemente dimostra che il cinema italiano si lamenta tanto quanto è ormai privo di grandi registi di genere.
Si lo so.
Guillermo Del Toro è messicano, la produzione di questa pellicola è messicana e in Italia nascosti bene tra i vari Moccia (vi siete mai chiesti se sotto il cappellino c’è davvero una testa o semplicemente il vuoto cosmico?) e Muccino ci sono anche grandi registi (buoni registi è meglio).

I DUE NEURONI DI MOCCIA PRONTI A DARSI BATTAGLIA: NE RIMARRà SOLTANTO UNO.

Eppure vedere un film del genere realizzato praticamente dal nulla da un uomo con alle spalle due soli lungometraggi (praticamente introvabili) con un budget risicatissimo fa venire grandi dubbi su tutte le lamentele degli artisti italiani del cinema.
“Non ci sono soldi!”
“Nessuno va al cinema!”
“Il cinema di genere non lo produce nessuno!”
“Mamma, mamma Pierino mi ha rubato il Lecca Lecca!”
Guardate e imparate.
Dovrei dire solo questo.
Del Toro con 2 milioni di dollari realizza una signora pellicola.
Idee prima di tutto.
Sono quelle che mancano al cinema italiano: storie di coppie distrutte, storie di amori distrutti, storie di amici distrutti, storie di ragazzi distrutti, storie di palle distrutte (quelle degli spettatori)… non se ne può più!
Certo ci sono buonissime pellicole all’ interno del genere ma è come se a tavola vostra ogni giorno portassero pasta al sugo.
Magari un giorno è anche più buona del solito ma dopo un mese non ne avete la nausea?
Ci saranno poi ovviamente quelli che si lamenteranno del fatto che ogni tanto qualche buona pellicola di genere esce anche qui ma non sono pubblicizzate a dovere.
Ma siamo poi così sicuri che siano questi grandi capolavori?
Il 99% delle volte il cinema di genere italiano (e con cinema di genere intendo ora gialli, thriller, horror, fantascienza (anche se non esiste più in Italia ormai)) è rappresentato da film con un’ idea scontata realizzata in maniera buona (non ottima… e molte volte capita che non sia nemmeno buona!)
Siamo sicuri che ci si possa davvero lamentare così tanto se non si ha un’ idea originale che sia una?
Non chiedo “Metropolis” e nemmeno “Distretto 13: le brigate della morte”.
Chiedo solo una mezza ideucola leggermente diversa.
Anche un quartino andrebbe bene.
Prendete “Cronos”.
L’ idea di un congegno inventato da un alchimista italiano in grado di rendere immortali (attraverso il vampirismo) chi lo utilizza non è certo il massimo dell’ originalità.
Eppure Del Toro sa far nascere su un impianto molto classico qualcosa di completamente differente, qualcosa di originale!
Il regista prende una storia sostanzialmente raccontata mille volte e la trasforma in qualcosa di estremamente personale.
Certo: c’è il riccone malato che vuole assolutamente il congegno, la persona sbagliata che se lo ritrova in mano e il nipote del riccone (l’ attore feticcio di Del Toro Ron Perlman) che fa di tutto per sottrarlo a quest’ ultimo.
Ma la classicità del racconto finisce qui.
Su questa base Del Toro (anche autore del soggetto) crea un qualcosa di veramente nuovo.
La storia di un uomo comune, di un antiquario, che utilizza per sbaglio il congegno maledetto e si ritrova a bramare il sangue senza saperne le reali motivazioni potrebbe essere ancora racchiusa in un impianto classico ma Guillermo non si accontenta.
A creare un buon horror son capaci tutti.
E a donare poesia?
Del Toro affianca all’ antiquario una nipotina molto silenziosa che seguirà il nonno in tutta la sua trasformazione fino alla morte e alla successiva resurrezione.
Una nipotina che non si chiede mai che cosa sta succedendo al suo nonno: lei gli vuole bene.
E tanto basta.
Il percorso che porta il caro nonno ad allontanarsi da lei in seguito al primo utilizzo del congegno (che lo riavvicina alla moglie poiché in un certo modo ringiovanisce) e il riavvicinamento dovuto alla morte del nonno che questa volta ha bisogno di essere protetto è seguito da una mano che sembra davvero troppo esperta per non essere quella di un grande maestro.

IL NONNO IN FORMA SMAGLIANTE

IL NONNO UN PO' MENO IN FORMA...

Certo Del Toro ogni tanto mostra la corda (le scene d’azione sono abbastanza mediocri e talvolta addirittura noiose) ma ha talmente tante idee da mettere sul piatto che a fine visione molto gli viene perdonato.
Perché Del Toro non si accontenta di horror e poesia.
Un umorismo nerissimo di fondo fa capolino qui e là (esemplare la scena dell’ autopsia con il becchino che si vanta delle belle cuciture e poi manda tutto al diavolo quando viene a sapere che il corpo sarà cremato!) e non si può non notare come la storia tenda infine al dramma classico (l’ immagine finale che non svelo è esemplare!)

Lo ammetto.
“Cronos” è anche troppo.
Mi basterebbero un quarto delle idee contenute qui per un film di genere italiano.
Ce la si può fare?
REGIA: Guillermo Del Toro
ANNO: 1993
GENERE: Horror, Drammatico, Commedia
VOTO: 7 perché comunque la realizzazione tecnica è molto buona (ottima la fotografia molto tenebrosa) ma mostra i limiti di un budget davvero troppo ristretto.
QUANTO TI IMMAGINI HELLBOY QUANDO VEDI RON PERLMAN: 8
CONSIGLIATO A CHI: Vuole vedere un horror che non è un horror.

WHAT HAPPENS IN VEGAS...- NOTTE BRAVA A LAS VEGAS

2008-05-26T12:54:00.005+02:00

Io amo i multisala e Alessandria.......

I multisala.
Posti incredibili: 7 sale cinematografiche con poltroncine che sembra di essere sempre nel salotto di casa tua, impianti audio stratosferici, parcheggio sempre disponibile e gratuito, bar interno pieno di qualsiasi schifezza un uomo possa desiderare di avere a fianco alla sua poltroncina da Re scelta appositamente da uno schermo tra centinaia, giovani baldanzosi alle casse e al bar e tanta tanta tanta voglia di far vedere che sei in un posto nuovo di zecca.
Il progresso.
Solo questione di tempo e vedrete che il multisala arriverà anche in Alessandria e allora finalmente anche questa infima cittadina incapace di sfruttare la sua posizione strategica all’interno del triangolo industriale più importante d’Italia (Genova-Torino-Milano), la città di Borsalino o qualsiasi cazzata possiate leggere su wikipedia, allora anch’essa finalmente si muoverà verso lo status di città moderna.
Come può una vera città non avere il multisala?
E allora via a una megacostruzione da milioni di euro piena di vetro e cemento e vetro e cemento e scritte sberluccicose che si vedono da miglia e vetro e cemento e vetro e cemento.
In centro in Alessandria?
Certo che no, non c’è spazio.
Nella periferia di Alessandria?
Figurarsi chi lo vuole un palazzone tipo Torre nera di Stephen King di fronte a casa?
L’idea geniale: mettiamolo a 10 km da Alessandria in mezzo a un campo coltivato contornato da capannoni della Michelin, di Guala e qualsiasi altro schifo industriale vi possa venire in mente.
Mettiamolo li a marcire tra operai che finiscono i turni di lavoro alle 10 di sera e l’ultima cosa che vogliono vedere sono una serie di facce da culo felici di andare al cinema proprio di fianco a dove loro si sono appena fatti un mazzo gigantesco.
Mettiamolo li e ficchiamoci dentro anche un bell’hotel!
In mezzo al nulla.
Anzi.
Vicino alla più conosciuta discarica della zona capace di impuzzare persino Alessandria se il vento gira male.
E aggiungiamoci anche una pizzeria di RossoPomodoro e una bella salagiochi che non fan mai male.
Una piscina con scivoli multipli ed eccolo li.
Homo sapiens 2000.
Un palazzone osceno in mezzo al nulla, vicino a una discarica con uno scrittone “HOTEL” sopra che sembra di essere in un film horror dove l’ HOTEL è l’ultima speranza di salvezza.
O sembrerebbe esserlo.
Perché il multisala Uci Cinemas (che nome è????) di Alessandria è la morte della poesia.
Del cinema.
E non solo.
Il multisala Uci è la morte e basta.
7 sale cinematografiche con poltroncine che sembra di essere sempre nel salotto di casa tua con un audio stratosferico e parcheggio sempre disponibile?
Ma certo.
Peccato che le poltroncine abbiano un bracciolo largo più o meno mezzo metro che se uno vuole abbracciare la propria ragazza deve fare stretching per mezz’ora prima o avere le braccia di Gianni Morandi.
Peccato che dell’audio stratosferico sinceramente me ne sbatta un po’ le balle se proprio non devo vedere l’ultimo cazzatone di Emmerich o Bay.
Peccato che chi ha progettato il parcheggio molto probabilmente è uno scimmione portato di peso dall’Africa.
Ora io non saprei come descriverlo a parole ma immaginatevi voi un’immensa piazza asfaltata con qualche muretto ogni tanto.
Se una persona dotata di cervello dovesse disegnarci dei parcheggi è logico che partirebbe dai muretti per segnare le strisce per terra ma.
“Ma tanto abbiam tanto spazio chissenefrega!Chiama lo scimmione che lo paghiam poco e risolve tutto lui”

Peccato che il bar interno sia si pieno di qualunque schifezza ma si faccia pagare come il bar più costoso di Torino situato in pieno centro a un passo dalla Mole (non dalla discarica di Castelceriolo).
Per dirvene una: mezza d’acqua 2 euro.
Per dirvene un’ altra: i peggiori popcorn che io abbia mai mangiato al cinema, tra il vecchio, lo scaldato, l’acido e il bruciato.
3,30 euro per una porzione piccola.
Devo commentare?
Peccato che i giovani baldanzosi alla cassa sono le persone più scazzate della Terra.
A ragione.
È gente sottopagata che la prima cosa che ti viene in mente son i lavoratori del Mac (4 euro all’ora mi pare con turni anche improbabili come quello dalle 23 alle 3 di notte) e poi pensi e ripensi e si: quella che strappava i biglietti prima lavorava proprio al Mac.
Peccato che tutta quella voglia di far vedere che sei in un luogo di grandi divertimenti, nuovo di zecca, simbolo del progresso, simbolo di un Alessandria che va avanti in realtà sembri semplicemente un brutto scatolone di vetro e cemento messo in mezzo al nulla tra discariche e fabbriche di pneumatici.
ATTENZIONE: INIZIO FRASE SBORONA
Che poi i ventenni alessandrini entrando in un luogo del genere dimostrino tutto il loro provincialismo (e qui so che mi prenderò degli insulti da qualcuno dato che io pure dovrei considerarmi tale) con bocche spalancate e “oooohh” di meraviglia e sguardi che girano impazziti per capire se si tratta davvero di Alessandria o è un sogno, quello penso non sia affar mio.
Contenti loro, contenti tutti direbbe qualcuno.
Tutti meno me.
FINE DELLA SBORONATA
Comunque.
Comunque è del film che volevo parlare.
Almeno inizialmente.
Almeno prima che mi ricordassi in che razza di posto sono finito ieri sera.
Ma dovevo provarlo.
Non si può sparlare di una cosa senza averla provata.
Provata!
Ora ne posso sparlare quanto voglio!

E quindi “Notte brava a Las Vegas”.
Altra cosa di cui mi sarebbe piaciuto sparlare malamente.
Altro film che già dal trailer dicevo: sarà la solita cazzatina prevedibile con Ashton Kutcher che fa il figo e la Diaz che fa le sue faccette buffe.
E lo è.
“Notte brava a Las Vegas” è la cazzatina cn Kutcher che gira metà film con i jeans a petto (muscoloso) nudo e la Diaz che si aggira tra faccette buffe e “facciam vedere quanto son ancora in forma alla mia età!”
Ma è una cazzatina fatta bene.
Diretto da un Tom Vaughan capace di ridare nei pochi minuti iniziali tutta l’atmosfera di Las Vegas con un montaggio frenetico e immagini simbolo della città del gioco, del vizio e di tutto quello che volete.
Interpretato da due attori che molto probabilmente non vinceranno mai un oscar se continuano a girare un certo genere di film (nonostante la Diaz abbia comunque lavorato per registi importanti come Gilliam) ma che si dimostrano immancabilmente la scelta migliore a discapito di tanta altra gentaglia.
E soprattutto scritto in modo impeccabile da una Dana Fox capace di legare alla perfezione un certo tipo di comicità tipico di questo genere di film a una più spicciola e magari più grezza alla “American Pie” senza dimenticare il lato romantico che ovviamente alla fine prenderà il sopravvento (non è uno spoiler, lo sappiam tutti come deve finire un certo genere di film!)
“Notte brava a Las Vegas” è una bella cazzatina mi tocca ammetterlo.
Nonostante tutti i dubbi iniziali, nonostante vedere due facce da pirla del genere in una locandina è quanto mai raro, nonostante pensassi che le uniche scene divertenti sarebbero state quelle del trailer (il che è quasi una sicurezza quando vai a vedere certi film), mi tocca ammettere di aver visto un buon film di genere.
E ci tengo a ribadirlo: nel suo genere.
La Diaz riesce benissimo nel ruolo di eterna ragazza sovreccitata dalla vita moderna e con il suo sorriso da orecchio a orecchio e tutte quelle smorfie, quelle urla e quelle scene da pazza isterica non può non far sorridere.
Kutcher ce la mette tutta per far vedere quanto è figo (gli sguardi gigioneggianti alla camera non si contano!) e ogni tanto prova persino a far vedere di essere capace a recitare come dimostrò ormai secoli fa (4 anni Den, solo 4 anni) in “The Butterfly effect”
Il regista fa di tutto per dare una sua impronta ad una pellicola che probabilmente molti altri si sarebbero limitati a dirigere con una mano sola.
Il risultato è buono.
Certo mentre esci dalla sala e cerchi di raccogliere due idee che sian due ti rivengono in mente (e sullo stomaco) solo i popcorn rancidi e quei poveracci costretti a lavorar dentro quello scatolone abbandonato nel nulla ancora per qualche ora.
Pensi ai 7,20 euro di ingresso (8,20 euro se vuoi le poltrone vip ovvero delle robe rosse enormi al centro del cinema manco fossi a un ricevimento Reale…)
Non c’è bisogno neanche di pensarci, ci pensa il portafoglio a farsi sentir più leggero.
Ti riavvii verso la nuova Alessandria (quella che finalmente ha il multisala) e vedi ancora sullo sfondo vetro e acciaio sormontati dallo scrittone luminescente HOTEL.
Ti volti verso chi sta guidando e capisci che non c’è film brutto, luogo orrendo, posto triste che possa rovinare una serata con lei.
Ti volti verso chi sta guidando e semplicemente ti senti bene.
REGIA: Tom Vaughan
GENERE: Commedia romantica
ANNO: 2008
VOTO: 7
QUANTA PUBBLICITà HA PIAZZATO IL MULTISALA UCI IN ALESSANDRIA NEI POSTI Più DISPARATI: 10
CONSIGLIATO A CHI: Vuole una commedia romantica di buon livello e farsi due grasse risate.

CINQUE FILM, UN MITO: COORDINATE PER UNA TOPOGRAFIA DEL CAMBIAMENTO

2008-05-20T18:53:00.006+02:00

Si lo so.
Dico che torno e poi sparisco.
Sparisco e poi torno.
Torno e poi sparisco ma in realtà son li che guardo il blog agonizzare nella sua ultima recensione non più aggiornata.
La verità è una sola: non sono capace di essere costante in certe cose.
Ci son stati mesi in cui aggiornavo il blog ogni 3 giorni e ora magari passa un mese prima di una nuova recensione.
Non ho niente da scrivere?
No.
Di scritti ne ho a bizzeffe già completati o lasciati a metà nei miei deliri di: ma che cazzo sto scrivendo?
Ma un giorno tornerò a pubblicare con costanza.
Ce la farò.
Tant'è vero che mi chiamo Brunilde.

PS:si tratta di Leo ovviamente quello che trovate qui sotto. Io non sono in grado di scrivere così, mi scuso per la segnalazione dimenticata!

BY LEO

“Lusinghe, perfidia, gloria, oro:
Via, via, via per sempre…
L’umana ottusità, tutto
Quello che un tempo ci tormentava,
E a volte ci divertiva…

E di nuovo perfidia, gloria,
Oro, adulazione, una conclusione per tutto:
La stupidità umana
È senza rimedio, maestosa,
infinita…E che cos’è la fine?”

Aleksandr Blok, ‘L’ultimo viatico’, 1914

Strano. Dopo tutto questo tempo passato a vivere, sprofondando nella più chiara disillusione, ancora trovo il coraggio di trovare qualcosa di sensato, qualcosa che riesca ad illuminare per un momento il cammino. Ma la luce che promana dalla sorgente ignota è scura. Ancora più scura di questo buio che ci accompagna: rischiara per contrasto.
Non, non credo che questi siano ‘tempi moderni’, né che gli anni in cui viviamo possano essere considerati l’apogeo, l’apice ed il culmine assoluto di quelle ‘umane sorti progressive’ cantate con amaro disincanto in quel di Recanati.
Il progresso? Non lo vedo. La tecnologia migliora l’esistenza? Non lo credo più. Il malaffare impera. A volte mi pare di veder realizzato lo zoo umano di De André al suo stato più bestiale. Non rifiuto né l’uno né l’altro, però m’impongo d’agire secondo critica coscienza. E agli occhi non posso nascondere il silenzio del cuore. Un esempio? La flessibilità lavorativa è stato il più grande vuoto a perdere inventato dalle menti geniali di chi dall’alto designa e legifera. Come verremo ricordati? Sotto quale distante ed effimera etichetta saranno catalogati questi tempi infausti di trentenni qualificati senza lavoro, di famiglie che non arrivano all’ultima settimana del mese, di ventenni consegnati all’oblio sociale dagli stessi adulti che li educano? Non voglio scambiare parole per frasi fatte, non mi accingo ad ipotizzare fatue rivendicazioni politiche. Credere ciecamente al bianco/nero sociale, chiaro/scuro, qui/là è una puerilità che non riesco più a concedermi. Ma, benché annebbiato dalle brume delle mani agitate che per prime lacerarono il velo di Maya, riconosco ancora che chi ha un forte appiglio, sia esso religioso, politico o familiare, comunque sia un ‘credo’, possa superare con discrezione quest’angolo meschino di tempo. Ma la concessione di tale privilegio pretende che dall’altra parte della bilancia si sacrifichi l’obiettività di giudizio.
In ogni caso, per la prima volta dopo la caduta del Muro di Berlino, ci avviciniamo ad una svolta epocale. Altro, per ora, né si può prevedere, né si può predire, come non si poté allora prevedere né il sostanziale fallimento della democrazia in salsa post-sovietica (cfr. la Polonia dei fratelli Kasczinsky, o le rivendicazione estremiste nazionaliste che animano lo spettro politico dal Baltico alla foce danubiana del Mar Nero) o l’emigrazione massiccia dai paesi dell’Est Europa verso i “paesi delle meraviglie” dell’Occidente europeo tra-sognato e ir-reale (tanto che in alcuni paesi s’è parlato di “diaspora” per la quantità di giovani che hanno lasciato i paesi; tale è il caso romeno. Per rimpinguare l’intera fascia sociale emigrata si ricorre ora laggiù –paradosso- alla manodopera dell’estremo Oriente).
Così non si previde la devastazione causata in Francia dopo la I Guerra Mondiale: una intera fascia di giovani, i soldati infangati nelle trincee, erano morti. Una leva, un’annata era stata decimata.
Solo le donne loro coetanee erano sopravvissute alla mietitura bellica.
E’ chiaro che non si possa prevedere tutto; ma questi esempi in negativo dovrebbero essere chiari quanto la loro relativa fotografia a colori. Solo l’analisi del passato rischiara e getta una luce, seppure ad uno sguardo più acuto si riveli solo l’essenza stessa del buio, una lama di luce scura.
Come le luci di Storaro sul volto di Kurtz-Brando in “Apocalypse Now”. “L’orrore…”
“Cambiare tutto per non cambiare niente”. E allora, eccomi qui capo chino, a tornare agli altari dovuti di chi già vide ed indagò “la bête humaine”. Il viaggio però non esiste, o meglio, lo si può iniziare solo incensando gli altari consumati dal tempo di una vecchia (?) pellicola.
Già ci occupammo del viscontiano “Senso”.
Aprendo la cartina del nostro ipotetico viaggio (via crucis?) la partenza è segnata dal monte “Il gattopardo”.

La perfezione formale del film è inenarrabile, e il salto di qualità rispetto al pur celebrato “Senso” è invidiabile. Subito un banale gioco di parole: la perdita del senso, eppure la vita che arrancando continua; l’inganno operato con insistenza su di sé, eppure scambiando le due parti della moltiplicazione il risultato non cambia. Il discorso del rappresentante torinese politico del Regno sabaudo, dall’esotico cognome francese, è talmente reale da essere imbarazzante come solo i discorsi che ricordi di aver vissuto possono essere. Burt Lancaster-principe Fabrizio Salina è l’araldo a venire d’un mondo nato già morto: eccezionale prova d’attore.
La difficoltà sta nella scelta del tema perfetto: il rifiuto di vivere vivendo, il rifiuto della realtà oggettiva. Ecco quella vaga sensazione perenne di stare ballando sul ponte del Titanic, mentre viene servito l’ultimo calice di champagne e la banda suona il bis del pezzo finale. Sorridiamo mentre affondiamo. In questo senso, la difficoltà è creatrice, conviene al poeta, al sacerdote, al cineasta: solo con il sudore sulla fronte possiamo erigere i castelli.
La cima va superata con difficoltà; ma una volta passato l’ultimo tornante della scena perfetta del ballo – anche se troppo lunga – possiamo tranquillamente svoltare a destra, lunga una bella e ridente vallata.
Qui inizia “The elephant man”.

Perché la vallata sarebbe splendida, se fossimo in primavera. Ma siamo in pieno inverno. La vallata sarebbe stupefacente rigoglìo di fiori, se fosse tempo di fioritura. Ma il freddo ha gelato le gemme del verde. Perché John C. Merrick (realmente esistito, 1862-1890) è un uomo, certo. Ha due braccia, due gambe, due occhi. Eppure la gente lo viene a vedere al circo degli orrori, al convitto dei freaks, celebri protagonisti dell’omonimo film del 1932 di Tod Browning (altro piccolo capolavoro oscuro). E pagano bene per sentirsi normali. Perché John Merrick è un mostro, un demone da incubo.
Non faccio facile teatrino dei sentimenti: siamo umani, non neghiamo la nostra crudeltà. Però ciò che ci differenzia dalla bestia dell’inconscio, sempre in agguato, è il venire a patti con la violenza, fronteggiarla, domarla.
Eppure di fronte a tanto orrore perverso [con un gusto del macabro che lo avvicina a quel contro-capolavoro dei pieni, edonistici, anni ’80 di Cronenberg che è “Inseparabili”, qui declinato e tratteggiato secondo il verbo della deformità paradossale dell’horror gotico], la vita lascia che si trovi uno sbocco, un explicit che non promette felicità, ma appena un approdo di morte felice: Merrick che si lascia morire per dormire come un uomo, morendo soffocato nel sonno.
Un happy dark end che fa di questo il vero masterpiece di Lynch che, a titolo personale, reputo essersi perso in lungaggini pseudo-intellettuali ed inutili. Ottima ed elegante recitazione vittoriana di Anthony Hopkins.
Dopo la valle occorre imboccare l’autostrada.
Siamo a metà dell’opera, del viaggio.
Quale biforcazione prendere? La statale, più lunga ma decisamente più panoramica, lontana dal grigio asfalto imperturbabile dell’autostrada, oppure la sicura solita coda al casello dopo le vacanze? Silenzio o rumore? Bianco o nero? Svoltate a sinistra. La via del femminile, dell’inconscio, della manifestazione archetipica dell’arte. Ma se per un momento, dopo aver operato la scelta, cade un ripensamento, un esaltarsi convinto di mormorii della parte destra, del maschile represso? Allora incidenti in automobile, violenza e litigi in macchina tra coniugi freschi di matrimonio, violenza e morte. Questo è il film di Scorsese. Questo è il vero, grande Willem Dafoe (per chi se lo ricorda solo come il Goblin del primo film della trilogia di Sam Raimi su “Spider-Man”). E un Harvey Keitel che fa la parte del Giuda dei vangeli gnostici, l’intelligente, acuto, primo degli apostoli e vero uomo delle Provvidenza.
“L’ultima tentazione di Cristo”.

Cristo che per un momento sulla croce, prima della lacerazione umano-divina gridata nel “Elì, Elì, lamà sabactani”, crolla e si appoggia sulle spalle del male, di satana,del diavolo, “dia-ballo”, il greco morfema di colui che divide. Chi? E da cosa? Divide il Sé dall’Altro che è in noi, il maschile dal femminile, L’Io della Persona dall’Inconscio dei Molti. E allora si perde la bussola nella nebbia. Cristo che rinuncia, che posa gli abiti consumati del messia per riappropriarsi dell’umanità vituperata, ma assai rassicurante. Tra mura domestiche, mogli, amore, figli. Insomma, l’autostrada rassicurante perché ovvia. Senza cambi al percorso in marcia. Ma verso dove? Routine? No, non è possibile andare contro il proprio destino interiore, reprimere la voce che grida nell’anima può solo essere un secondo: Gesù deve tornare ad essere il Messia, il Cristo, l’unto del Signore, riunificati il maschile ed il femminile, Aiòn (l’eterno) e Chronos (il tempo che scorre), tempo in divenire (=l’uomo che passa) e tempo in essere (=il Dio che resta). E respinta l’ultima tentazione la forza dell’uomo Gesù che ha resistito ci rende (noi spettatori) più vicino al Dio creatore e pantocratore. Statale, allora.
Più lunga. Magari ci fermiamo a sorpresa in un hotel sperduto tra le Langhe, magari nel modenese, o sulla via apula per le terre della Grecia italiana che fu.
Con la consapevolezza che si vive per il viaggio, non per la mèta. Lei arriverà, con calma. Tutti abbiamo una mèta, per colmare la metà dell’insignificanza. Per colmarci di significato, in vista del compimento della vita, junghianamente o pascalianamente intendendo la morte, occorre forgiarsi da sé il senso totalizzante. Tutto viene dall’Io: la forza per andare avanti e i suoi corollari.
E se poi dovesse mancare benzina?
Ultima tappa: il benzinaio. Non, non è una caduta di stile. In tutti i poemi epici la figura del coadiutore è ben presente. Colui che aiuta, l’ombra salvifera che sub-porta, sopporta ed aiuta a portare: Achille/Patroclo, Gilgamesh e Enkidu e tutti i loro epigoni da centinaia di poesie e racconti. Siano anche Dante con il suo Virgilio; persino l’uomo che aiuta il Cristo a portare la croce. Anche fidanzato/fidanzata, marito/moglie, amico/amica, o l’amicizia dello stesso sesso. C’è sempre un supporto per vivere. Ma a volte, se tu non fossi un eroe d’Omero e ti trovassi ad incontrare un dì, per caso, mettiamo a servire il vino ad uno di essi, come li vedresti? Sbruffoni, truffaldini? Inutili? Simpatici? Goliardici e volgari? Rozzi? Ecco, il benzinaio è la perfetta rappresentazione della reintegrazione degli opposti connessi a questa figura: senza, non potresti andare avanti, per cui è il bene assoluto in quel dato momento; eppure può apparire scialba, inutile, persino impertinente. Di nuovo bianco/nero. E’ solamente questione dei punti di vista. Ma questa volta inseriti nella dialettica d’un unico personaggio.
Ecco i personaggi di due film capodopera, monoliti irraggiungibili di vera e pura arte ispirata: gli attori Ulrich Mühe e Toni Servillo, “Le vite degli altri” e “Le conseguenze dell’amore”, rispettivamente.

Così, per noi stessi, prima di ripartire verso quell’ultima mèta/metà che ci aspetta, sia la vacanza al mare, sia il viaggio di una vita, possiamo sperare, anche solo per un momento, di aver fatto una sola azione che ci abbia dato il coraggio di essere, di esserci, il diritto dell’uomo di dire la vita vissuta. Poi, che quest’azione, questo fatto, la sappiano una o tre persone e non le 1.000.000.000 di persone che pendono dalla labbra usurate di patetici divi da quarta di copertina, allora vorrà dire che vivere sarà valsa la pena. Gli altri 999.999.999 di persone ci ricorderanno come quell’insignificante benzinaio, come un’ombra presto al macero dei ricordi, come Gerd Wiesler-HGW XX/7, agente della Stasi, per il bambino che incontra sull’ascensore, o per Titta di Girolamo che siede da anni al bar dell’hotel di fronte al lago. Uomini-tappezzeria, arredo e corredo di altri uomini che vanno e vengono nei loro occhi.

E allora il cambiamento è possibile? Concludo sulle note degli ultimi due film. Cambiare è l’unico senso. Cambiare per restare uomini. Cambiare perché nulla cambia. Cambiare perché siamo sempre gli stessi. Cambiare la pelle come serpenti per risorgere, le penne per volare di nuovo, la pelliccia per sopravvivere all’inverno. E poi, una volta allo specchio, distrutti per la scoperta e disperati per il silenzio nei nostri occhi, scoprire che siamo gli stessi identici, stupidi, futili, personaggi di prima. Qui sta il paradosso della nevrosi. Qui in nuce la calamità dell’essere uomini. Proviamoci. Questo, non altro, nelle mani: il silenzio sono sempre state le parole di Dio.

Una importante postilla finale: questa recensione-racconto è nata dallo stato d’animo di cui all’incipit. I film sono stati scelti - e, tengo a sottolineare, scelti appositamente - per rappresentare il senso del momento, la sensazione da descrivere. Cinque capolavori, comunque possano variare personalmente i gusti, che non si discutono, né si vogliono porre in stato di dibattito. Doveroso precisare. Non si tenga troppo conto delle ripetizioni e delle contraddizioni espresse, se vi sono.

Due appunti: Ulrich Mühe, l’attore de “Le vite degli altri”, pare sia morto nel luglio 2007. Forse il più grande attore degli ultimi 6-8 anni (azzarderei uno dei migliori attori europei in senso assoluto); l’impostazione e la formazione teatrale restano perenni nel film. Per Sorrentino, il film che seguì a ”Le conseguenze dell’amore”, valse cocenti delusioni per chi scrive (“L’amico di famiglia”, 2006). Non vale nemmeno un decimo del lungometraggio con Servillo, anch’egli attore teatrale. Che viva il teatro e gli attori che imparano a recitare secondo le eterne sue regole.

IL GATTOPARDO
REGIA: Luchino Visconti
VOTO: 8+
ANNO: 1963

THE LAST TEMPTATION OF CHRIST- L'ULTIMA TENTAZIONE DI CRISTO
REGIA:Martin Scorsese
VOTO: 9 ½
ANNO: 1988

THE ELEPHANT MAN
REGIA: David Lynch
VOTO: 8/9
ANNO: 1980

DAS LEBEN DER ANDEREN- LE VITE DEGLI ALTRI
REGIA: Florian Henckel von Donnersmark
VOTO: 10+
ANNO: 2006

LE CONSEGUENZE DELL'AMORE
REGIA: Paolo Sorrentino
VOTO: 10+
ANNO: 2004

THE OTHER BOLEYN GIRL- L'ALTRA DONNA DEL RE

2008-05-03T14:14:00.005+02:00

Dovrei scrivere qualcosa di Roma ma non ce la faccio in tre righe.
Troppe cose da dire, troppo troppo troppo.
Troppo meravigliosi quei tre giorni.
Ne parlerò più avanti.
O in un altro spazio.
Recensioni libere si allargherà molto probabilmente a nuovi orizzonti o ne nascerà una nuova costola.
Non so.
Fine dei deliri.
Ci sono ben due recensioni che aspettano solo di essere pubblicate: una mia e una di Leo.
Via alle danze!

Allora 3, 2, 1, ciak si gira!
Regista: Ma noooooo! Ma Scarlett ti ho detto mille volte che non puoi fare la ragazza sexy e conturbante in questo film come te lo devo dire?
(Scarlett con evidenti difetti di pronuncia dovuti alle sue labbra sproporzionate): Ma Justin come faccio? Io faccio solo film in cui sono una ragazza sexy e conturbante, non ho idea di cosa sia una ragazza normale!
Regista: Ma Scarlett tu non sei una ragazza normale! Tu sei innamorata del tuo Re! Conosci questa parola? Innamorata!
Scarlett: Cosa?
Regista: Innamorata! Sai quando due persone si trovano e si piacciono e senti il tuo cuore battere e dici: mamma mia questa è la persona giusta! E non ci vedi un difetto e sai che anche se ne avesse tu li ameresti perché lei è La persona giusta?
Scarlett con la faccia sbigottita: Che?
Regista con in mano due molliche di pane a forma di omino: Queste sono due persone….
Scarlett: mmmmhhhhh
Regista imbarazzato: Hai presente “The island”?
Scarlett: mmmhhh si, quello che c’era Ewan che correva per centinaia di chilometri senza fermarsi mai…che c’era di sicuro una scena al tramonto con due che si baciano che se no Michael Bay non è contento…si lo ricordo..
Regista: Ecco in quello in teoria tu dovevi essere innamorata di Ewan
Scarlett: Ah ecco….allora si ho capito!
Regista: Allora siamo pronti….3, 2, 1 ciak si gira!

Regista: Ma baaaaaaaaaaastaaaaaaaa

“L’altra donna del Re” non è un brutto film.
Ti appassiona, ti prende, ti angoscia nonostante tutti sappiano come andrà a finire e riguardo a costumi, scenografie e sceneggiatura non mostra punti deboli.
Ma.
Ma “L’altra donna del Re” purtroppo non è solo la storia romanzata (romanzatissima, romanzatona, megastraromanzata!) di quel trombone di Enrico VIII (evvai Dani, tu si che sai parlare di storia come un quindicenne…).
“L’altra donna del Re” è tre attori.
È Eric Bana.
Si quello che l’ ultimo film che mi ricordo c’era lui in un improbabile armatura che cercava di salvare dallo sfacelo più totale quella porcata mondiale che è Troy.
Quello che doveva rivaleggiare con Brad Pitt faccia di bronzo, polpacci d’oro e capelli bisunti e si faceva in quattro per salvare Orlando Bloom in versione “Il ragazzo più gracile e effeminato che l’epica di Omero abbia mai visto.
Quello che il penultimo film che mi ricordo non era nemmeno un film.
Era “Hulk”.
E io non so se qualcuno dei lettori ha visto “Hulk” ma io mi rifiuto di parlarne.
Con Ang Lee alla regia…. “Hulk”.
Che quando son uscito dal cinema mi chiedevo se ero andato a farmi prendere per il culo o semplicemente nel.
Che quando ho visto “Daredevil” ho potuto dire: “Io ho visto di peggio”.

Che quando ho visto che facevano il seguito che poi non è un seguito che se gli dici a Edward Norton che è un seguito da di matto e ti ammazza aprendoti la testa in due su un marciapiede, mi sono detto: “Ma peeeerchè? Ma soprattutto peeeeerchè?”
Ebbene si, Eric Bana è Enrico VIII.
È Scarlett Johannson.
Che si, ok, sei una femme fatale e hai le labbra enormi e rosse e tutti dicono che sei bellissima e bravissima e il fascino della diva e Scarlett di qui e Scarlett di là e chi la ferma più e “Vuoi mettere Scarlett Johannson? È il sogno di tutti” e se provi a dire che non ti piace prima controllano se sei uomo poi procedono tagliandoti la lingua.
Che si, sei una femme fatale e poi?
Prendete Scarlett Johannson e provate a metterla in una parte in cui debba mostrare un po’ di sentimento.
Ed ecco la faccia da porcello di Scarlett.

La Johannson gira TUTTO “L’altra donna del re” con questa faccia.
Senza esagerazioni, senza voler mettere il dito nella piaga, senza voler per forza trovare un difetto ma… non è possibile!
Ora provate a chiedervi come può essere un film girato da una ragazza che tiene costantemente questa faccia a metà tra il pesce lesso e il porcello intontito.
Cosa dovrebbe essere?
Amore?
Innamoramento?
Rincoglionimento precoce?
La Johannson diventa in “L’altra donna del re” un qualcosa ai limiti dell’ inguardabile che se dovresti in teoria parteggiare anche per lei, ti vien voglia dopo 1 ora di film di entrare dentro lo schermo e dire “Baaaaastaaaaa! Non se ne può più!” Svegliatela, tirategli uno sberlone, fate qualcosa ma vi prego toglietele l’espressione da pesce bollito!
Si, Scarlett Johannson è Mary Boleyn o come l’italiano insegna Maria Bolena.
È Natalie Portman.
Che rispetto alla Johannson parte in settima.
Sembra finalmente decisa a ritornare a recitare dopo essersi divertita a far la statua in Star Wars ed essersi rasata in “V per vendetta”.
Prendete un’ attrice di Hollywood, rasatela o fatela ingrassare e non ci sarà più bisogno che lei reciti.
“è ingrassata/rasata per un film!”
I giornali saranno tutti suoi, i servizi di Studio Aperto (quelli non dedicati al cane che ha battuto ogni record mangiando 10 salsicce in un giorno o alla famiglia distrutta del povero ragazzo Rumeno che blablablabla) e quelli di Cocuzza saranno tutti per lei!
Voi recitereste foste in lei?
Che bisogno c’è?
È ingrassata non vedi che è una grande attrice?
Che rispetto alla Johannson parte in settima per poi pian piano scalare fino alla seconda, alla prima e infine alla retromarcia.
Perché se la Portman almeno per la prima ora sembra decisa a riscattarsi, poi riesce a trovare anche lei la faccia giusta e via.
La Johannson porcello e la Portman Melita/Diavolita

La Portman si mette addosso una faccia da Lucignolo e chi la ferma più?
Regalatele un gioiello, confessate quanto la volete, sposatela, portatela a corte, fatela condannare a morte e si, lei avrà sempre e comunque quella faccia.
“L’altra donna del Re” è Eric Bana, Scarlett Johannson e Natalie Portman.
E una marea di comprimari tra i quali spiccano la prima regina e moglie di Enrico VIII e la madre delle due ragazze.
“L’altra donna del re” non è un brutto film.
Basterebbe non prendere dei lama della Mongolia orientale come suggeritori per il casting.
REGIA: Justin Chadwick
ANNO: 2008
GENERE: Storico (beh oddio…)
VOTO:7-
QUANTO ASSOMIGLIA ERIC BANA AL VERO ENRICO VIII: - 57
CONSIGLIATO A CHI: Vuole vedere un buon romanzo storico con almeno una protagonista non proprio nella sua parte ideale.

ROMA 28-29-30 APRILE 2008

2008-04-27T18:21:00.003+02:00

Nella città più bella del mondo per la prima volta con la persona più importante del mio mondo!

CLUBLAND- IL MATRIMONIO è UN AFFARE DI FAMIGLIA

2008-04-24T17:55:00.004+02:00

Il sole quando sorge, sorge piano e poi
la luce si diffonde tutto intorno a noi
le ombre ed i fantasmi della notte sono alberi
e cespugli ancora in fiore
sono gli occhi di una donna
ancora piena d'amore.

Quasi in partenza quasi in partenza quasi in partenza quasi in partenza quasi in partenza quasi in partenza quasi in partenza quasi in partenza!
Non ho altro in testa!

A volte capita che in Alessandria i film escano al cinema.
Capita che non si debba agonizzare per tre settimane come per l’ultima pellicola di Cronenberg per poi averla in una saletta da 30 posti come se fosse un “Toh, se proprio la volete vedere sta schifezzina….”
Capita che i film escano in Alessandria e non a Casale al mega iper ultra multisala che una sala ha le poltroncine che ti sdrai e poi puoi mangiare li se riesci a sopportare i ragazzi scazzati pagati tre lire all’ora che ci lavorano che se gli chiedi le patatine fritte ti dicono con gli occhi “Ma devi proprio??” e tu ovviamente a quel punto le vuoi ancora di più anche solo per vedere gli uomini scazzo ciondolare fino alla friggitrice.
Capita che mentre guardi senza speranze le locandine vicine alla rotonda (geniale metterle vicino alla rotonda…un giorno o l’altro son li che guardo e SBAM! Entrerò dritto dentro una macchina…) la vedi li un angolino la locandina di “Il matrimonio è un affare di famiglia”.
E in quel momento sei fiero di abitare in Alessandria.
Non allarghiamoci.
Sei fiero dei gestori del cinema di Alessandria.
Oh beh son gli stessi che non han dato un altro milione di film che ti interessavano…. Diciamo che sei fiero.
Non si sa di cosa.
Ma sei fiero.
E il sabato sera ti ritrovi finalmente dentro la minisaletta da 30 posti, quella che un giorno sogni di avere in casa e che ora stai praticamente pagando con minirate da 6,50 a volta.
Tre posti occupati: tu, lei e i giubbotti messi bene in ordine in modo che riescano a vedere comodamente anche loro e alla fine ti aiutino a tirar giù qualche idea (non sottovalutate mai i giubbotti!)
Niente trailer manco stessi guardando la versione da mezzo euro in dvx (6,50 euro, 6,50 euro, 6,50 euro!) e il film ha inizio.
“Il matrimonio è un affare di famiglia” racconta la storia di una donna dello spettacolo e di suo figlio che un giorno decidono…. Ronf ronf ronf ronf.
Scusate.
Sapete wikipedia (possibilmente inglese se non volete leggere di improbabili voci scritte da babbuini addestrati o semplicemente non trovare nulla), Mymovies, Comingsoon, un altro milione di siti….ecco, li ci trovate la storia.
“Il matrimonio è un affare di famiglia” è l’ ultimo spettacolo teatrale di una donna che non sa vivere senza i riflettori puntati addosso e l’applauso del pubblico.
Tutto inizia nei camerini (ovvero nella casa della donna abitata da lei e dai due figli) con la lunga preparazione allo spettacolo che consiste in un minishow per i figlioletti (quella che noi chiamiamo vita famigliare) e prosegue sui vari palchetti di Paese dove Jean Dwight vive veramente.
È il palcoscenico la sua vera casa.
Ed è il pubblico il suo vero grande figlio.
Quello da accudire eppure da tenere in riga, quello che va coccolato ma a cui bisogna far intendere chi comanda.
Jean è una madre autoritaria, rigida e a volte spaventevole ma è una mamma.
E i suoi figli naturali sono solo aiutanti nei camerini.
O nemmeno quello.
Il figlio handicappato è il segreto che l’attrice tiene nascosto alle telecamere.
È quello che tutti sanno ma di cui nessuno parla, nemmeno lei.
“Il matrimonio è un affare di famiglia” è la vita di una donna fatta opera teatrale.
Ha la sua parte preparatoria già descritta, ha un inizio scoppiettante capace di tenere ben sveglio il pubblico (a parte il decerebrato dietro che al decimo minuto esclama un “Che lessata di coglioni” che evidentemente il miglior film che ha visto ultimamente è 10000 AC), ha le sue pause tra i vari atti (in cui a volte si rischia di cadere, questo si, in qualche luogo comune o in qualche eccesso di troppo) e infine ha la sua scena madre.
E lo sceneggiatore della pellicola qui si dimostra degno di tal nome (non come in Italia che ogni volta c’è qualcuno che si alza al mattino e dice “Toh magari stamattina scrivo un film mentre faccio i miei bisogni all’ angolo della strada”): si muove tutto verso il provino della grande diva per ritornare a calcare palchi importanti e all’ultimo momento scarta facendoci andare tutti a sbattere con il muso sulla parete.
La scena madre che diventa anche uscita di scena Jean la gira in casa e raccoglie intorno a se il pubblico della sua vita così come Ed in Big Fish faceva per la sua discesa dal palco.
Ed è qualcosa di grandioso, unico, irripetibile, coinvolgente e totalmente suo quel che crea in quest’ultima occasione: esiste solo lei e il suo pubblico completamente annichilito, completamente ai suoi piedi come una diva degli anni ‘50 comanda.
E proprio mentre ti aspetti la definitiva chiusura del sipario e ti stai già per alzare aspettando che le luci finalmente si accendano Jean torna sul palco.
Non più Dea inavvicinabile e capricciosa ma madre finalmente.

Dei suoi figli e di quel che gli è mancato per tutta la vita: una figlia femmina.
O un pubblico capace di capirla e affrontarla veramente senza spaventarsi.
REGIA: Cherie Nowlan
ANNO: 2008
GENERE: Commedia
VOTO: 7
QUANTO VOGLIO SAPERE CHI SA SPIEGARMI IL TITOLO ITALIANO: 10
CONSIGLIATO A CHI: Vuole vedere una grande Brenda Blethyn, un fantastico Richard Wilson nei panni del figlio handicappato Mark (vi sfido a non sorridere ogni volta che entra in scena!) e sorridere amaramente di un mondo che vive sotto i riflettori (con un ultima scena tra le più significative viste in questi ultimi mesi al cinema).
NON CONSIGLIATO A CHI: A quel cretino che stava dietro la cui utilità al cinema è pari a quella di un popcorn ammuffito.

SHOOT' EM UP- SPARA O MUORI

2008-04-18T14:23:00.005+02:00

Si lo so.
Potevate anche vivere senza di me.
Senza l'ennesimo blog di recensioni cinematografiche nato per caso un giorno per puro sfizio personale e diventato poi qualcosa di più.
Non so che cosa.
Ma sento che è qualcosa di più di puro sfizio personale.
E so anche che qualcuno di voi mi avrà creduto morto in questo periodo.
Recensioni che andavano diradandosi fino alla scomparsa per...2 settimane credo!
E invece eccomi di nuovo qui.
Che culo!
Eh già...di nuovo pronto a riempirvi la testa di...di qualcosa che esce dalla mia.
Siccome questa è solo una piccola premessa al mio ritorno rimando a qualche altro post tutto quel che riguarda appunto la mia sparizione e blablabla so che non ve ne frega niente!
Ringrazio quindi tutti quelle che son passati di qui anche credendomi morto, chiunque ha commentato, ringrazio Mario perchè è quello che credeva di più nella mia morte e ringrazio Alice perchè...lei sa perchè e lo saprete tra poco anche voi!
Vi ringrazio tutti indistintamente, senza distinzione tra neri, bianchi, gialli, verdi, uomini, donne o chiunque voi siate.
Perchè senza di voi io non sarei qui a scrivere.
O forse si.
Forse, in realtà, mi piace leggermi e voi non lo sapete.
Forse non so neanche che sto dicendo.
Forse è meglio che la smetta.
Buona lettura!

Avete presente quelle tamarrate action degli anni 80?
Quelle che quando le guardavi da bambino ti si spalancava la bocca che se avevi appena mangiato erano costretti a raccogliere tutto dal tappeto?
Quelle che c’era tua madre che diceva a tuo padre “Smettila di fargli guardare certe cose!” e tu guardavi tuo padre speranzoso che ovviamente di solito stavi sempre dalla parte della mamma ma per i film lei guardava “Nato il 4 luglio” e che palle la mamma, w il papà! E quando lo guardavi speranzoso ovviamente tuo padre non poteva che guardare la mamma e digli di andar a far altro che quella sera si guardava “Rambo 3” o ancora meglio uno di quegli action tedeschi con degli armadi al posto degli attori che avevano due espressioni: ante aperte e ante chiuse.
Uno di quegli action che adesso li trovi solo su telecity in settima serata o in qualche cassone del Mediaworld a 4,90 euro che ti chiedi se già su quello ci guadagnano, sui dvd da 20 euro cosa fanno?
Si costruiscono una barca per ogni dvd venduto??
Uno di quegli action che quando li guardavi da bambino il giorno dopo dovevi uscire per forza in giardino e urlare con un bastone in mano che avresti ucciso tutti e tutto e i fiori ti guardavano e tu scatenavi la tua ira contro i fili d’erba che dopo un po’ si rompevano anche le palle e finiva che entro un’ ora come minimo avevi un’ ammucchiata di schegge sulle mani o più semplicemente ti eri dato il bastone in testa.
Come non si sa.
Ma intanto ti ritrovavi con del gran dolore fisico!
E magari nella tua testa di bambino gommoso (che tanto non ti facevi mai realmente male) ti ripetevi anche che non avresti mai più giocato a fare l’armadio a quattro ante del film ma la volta dopo ti ritrovavi di nuovo li, magari con tuo fratello che “per sbaglio” ti tirava una mazzata sulle mani al posto che sul bastone.
E giù a piangere (che se mi succedesse adesso altro che piangere…) e mezz’ ora dopo eri di nuovo li a cercare di colpire tuo fratello.
Avete presente quegli action che la prima scena che mi viene in mente è un tizio alto biondo e muscoloso che accecato da non so più cosa si tirava giù da una finestra sfondandola con il corpo e mentre era in aria teneva due mitra e sparava all’impazzata verso il milione di nemici che circondavano la casa fino al tuffo in piscina (che ovviamente c’è sempre la piscina fuori dalla casa quando ti tuffi dalla finestra) e ovviamente poi riusciva a fuggire e nella scena dopo vedevi che si era leggermente graffiato sopra l’occhio?

Ecco.
Shootem up è peggio.
Shootem up è l’apoteosi della tamarria.
Quella voluta.
Quella che quando lo guardi dici: ma vaaaaaa Doc mi ha riportato indietro con la macchina del tempo agli anni 80 e non me ne sono accorto?
Quella che se riguardi 10000 AC puoi persino pensare che qualcosina di salvabile c’era ma poi ti guardi intorno e non ci credi nemmeno tu che c’era qualcosa di normale in quel film.
Quella che se guardi gli action di Stallone e di Schwarzenegger pensi che gli sceneggiatori di allora erano dei piccoli Dostoevskij: c’era una trama, c’erano dei personaggi, c’erano dei nomi e attenzione la storia in qualche modo andava da qualche parte.
Non c’era un tizio che non sai nemmeno come si chiama che spunta dallo schermo mangiando una carota e dopo 5 minuti è li che infilza uno con la stessa carota in un occhio e gli dice: “Mangia le verdurine!”
Non c’erano personaggi che non sapendo più che dire urlavano un bel “Fottetevi fottutti fottinculo!”
Non c’erano prostitute con la faccia della Bellucci che appena apre la bocca rimpiangi che non sia ancora nei panni di una muta come in “Dobermann” e ripensi con nostalgia alla cara vecchia Brigitte Nielsen.
Ma soprattutto non c’era Clive Owen.
L’uomo dalla faccia più di pietra che io abbia visto in questi ultimi 10 anni.
Lasciate perdere Vin Diesel o i vari tizi che ogni tanto cercano di risollevare invano il buon vecchio film d’azione.
Prendete Clive Owen e domandatevi se non ha un pietrone al posto della faccia.
Prendete un masso, della colla vinilica e provate ad incollare due occhi di ghiaccio sopra di esso.

È la faccia di Clive Owen.
E ve la ritroverete uguale identica sempre con la stessa espressione in King Arthur (gli avevan fatto crescere i capelli per farlo sembrare uno scoglio coi capelli), in “Closer” (gli facevano dire cose come “Fammi vedere la figa” per farlo sembrare uomo dotato di sentimenti), in Sin City (lo avevano messo in bianco-nero che magari qualcuno non lo riconosceva) e negli sponsor della serie “The Hire” della Bmw.
E proprio al personaggio senza nome che lo stesso Owen interpretava in questi ultimi (feci una recensione dello spot girato da Guy Ritchie qui) si rifà il protagonista di questo tamarraction.
Niente nome, niente espressioni, quasi niente parole se non sporadiche battute sulle carote di Bugs Bunny che tira fuori da chissà dove (non voglio immaginarlo) nei momenti più improbabili e una enorme dose di sboronaggine sono i compagni ideali del “nuovo” Clive Owen.
“Ma interpreta sempre lo stesso ruolo!” Si lamenterà qualcuno.
Ma certo!
Ma questa volta Owen è lasciato libero di sboroneggiare a destra e a manca come un pupazzo impazzito!
Si lancia in improbabili scivolate per terra sparando ovunque, comunque, semprumque (latinismo, grazie Liceo scientifico!) e a chiunque che tanto ricordano “The transporter” e mezz’ora dopo si lancia da una tromba delle scale roteando su se stesso mentre uccide una novantina di nemici.
Già.
I nemici.
Ovviamente senza nome e senza motivazione per uccidere.
E non venitemi a dire che lo fanno per difendere gli interessi del loro capo che ha pagato un senatore per blablablablabla…. Sappiam tutti benissimo che qualcuno ha costretto lo sceneggiatore (molto probabilmente un canguro pescato in qualche zoo) a mettere una motivazione farlocca a tutto quel bordello.
Fosse stato per lui il film sarebbe stato una cosa tipo: bang bang, muori, stronzo, bung bang bang, bem, mangia le verdurine, merda, fanculo, bim bum bam (con Marco Bellavia), sbadarabang, blem blem, sono una puttana e non so recitare, din din dum dum spatacrash!
E invece….. invece niente.
Shootem up è proprio così!
Shootem up è l’action più tamarro, casinaro e senza senso che io abbia visto in questi ultimi anni.
E sono consapevole di come tutto quel casino è più studiato a tavolino di una qualsiasi commediola da 4 soldi, e sono consapevole anche del fatto che spendere 6, 50 per vedere un film che esalterebbe forse un quindicenne non sono forse così ben spesi.
Eppure ci si diverte!
Certo se entri al cinema non sapendo cosa vai a vedere è logico che rimarrai impietrito sulla poltrona (ma non riuscirai mai ad essere come Clive!) ed è altrettanto logico che se non sai apprezzare gli action non devi nemmeno avvicinarti ad una locandina con Owen in primo piano che spara e la Bellucci dietro che non si sa alla fine che cazzo ci fa in tutto quel bordello.
Ed è quasi altrettanto logico che qui non si parla del buon vecchio action anni ’80.
Shootem up è il classico film casinaro patinatissimo anni 2000 e lo si nota ad ogni inquadratura: i dettagli sono tutti curatissimi, gli effetti sono tutti ben fatti (non ci sono giocattoloni plasticosi come nei film di Schwarzy e nemmeno terribili fotomontaggi come in Die Hard 2) e i dialoghi son studiati alla perfezione per creare sempre più casino di quel che si crede.
Eppur ci si diverte.
Tra doppi sensi da terza elementare (“Mi piace svuotare la canna”) e nemici grassi e unti che non muoiono mai e rispondono alla moglie al cellulare nei momenti più improbabili (Paul Giamatti da lezioni a tutti su come dev’essere un vero nemico sociopatico da action anni 80) ci si diverte e non poco.
Che poi al cinema si è ormai in 10 per sala (che tutti gli altri son al multisala con tutte le comodità di questo mondo) e quando ridi ti guardi intorno per vedere se hai disturbato il fantasma di fianco è un altro conto.
Che poi io sia un irriducibile tifoso di certe tamarrate…. Questo l’avrete capito.
REGIA:Michael Davis
GENERE: Action (ma va???)
ANNO: 2008
VOTO: 8,5
QUANTO PUOI GUARDARE UN FILM DEL GENERE ANCHE CON UN OCCHIO SOLO SENZA PERDERTI ASSOLUTAMENTE NULLA DELLA TRAMA (INESISTENTE): 10
CONSIGLIATO A CHI: agli amanti dell’action e basta se non volete venire a sputarmi in un occhio.

NEIL YOUNG

2008-04-09T17:46:00.003+02:00

Un sogno con un sogno a fianco: 22 giugno.